Veranstaltungskalender 2021

Abgeträumt ist ein Spektakel der gescheiterten Konversationen, der unheimlichen Maskeraden und der gebrochenen Persönlichkeiten. Psychologische Widersprüchlichkeit - ein grotesker Theaterabend, der in seiner apokalyptischen Anmut die dunklen Seiten des Menschen beschreibt.
Unter der Regie von Anna Waibel und Lorenz Dauber wird in spielerischer Leichtigkeit der Versuch gewagt, zwei unterschiedliche Ansätze sich gegenüber zu stellen und Geschichten von Selbstfindung und Nächstenliebe aber auch Angst, Paranoia und Stress zu erzählen. Die Zerrissenheit Emilias und ihre Angst vor Entscheidungen stehen in Anna Waibels Inszenierung von Die letzte Show/Lutz Hübner im Vordergrund:“ Es gibt Momente im Leben, in denen man sich entscheiden muss, wie man weiter macht. Und dabei ist es vollkommen egal, ob man 16 oder 53 Jahre alt ist.“ sagt Anna Waibel zu ihrem Stück.

Was haben ein Profi-Anbagger-Typ, eine persische Starregisseurin, ein illegaler Apfelpflücker und vier Schauspielerinnen auf der Bühne gemeinsam? Sie alle sind Abulkasem. Abulkasem? Ja, Abulkasem. Man weiß nicht viel über ihn, doch er wird bleiben, an allen erdenklichen Orten der Welt auftauchen, wie ein Virus um die Erde wandern. Wir wissen zunächst nicht viel. Der Name
wird zum ersten Mal in Europa aufgeschnappt und von da an verändert er sich und seine Bedeutung mit jedem Mal, mit dem er ausgesprochen wird. Er wird Hoffnung, Schmerz, Freude und Frustration auslösen. Man sieht in ihm das Ungeheuerliche, das Abenteuer, das Fremde, das Anderssein und die Liebe. Alle glauben ihn zu kennen, doch niemand hat ihn je gesehen. Wirklich
nicht? Eine Forschergruppe geht dem Phänomen auf die Spur, radikalisiert sich zunehmend und plötzlich wird Abulkasem, was als unschuldiges Kult Wort begann zum international gesuchten Attentäter: "Die westliche Welt sieht in ihm einen potenziellen Terroristen. Die arabische Welt einen Verräter.“

In INVASION! spielen vier junge Frauen in 16 Rollen eine radikale fast-forward Theaterfarce. Es geht um Identität, Gender, Rassismus und die Macht von Sprache. Schnell und rasant, mal zynisch und brutal, dann wieder zärtlich und ganz nah. Dabei immer ehrlich und pur, mit einer Prise Pop und einem Hauch Melancholie.

Abgeträumt ist ein Spektakel der gescheiterten Konversationen, der unheimlichen Maskeraden und der gebrochenen Persönlichkeiten. Psychologische Widersprüchlichkeit - ein grotesker Theaterabend, der in seiner apokalyptischen Anmut die dunklen Seiten des Menschen beschreibt.
Unter der Regie von Anna Waibel und Lorenz Dauber wird in spielerischer Leichtigkeit der Versuch gewagt, zwei unterschiedliche Ansätze sich gegenüber zu stellen und Geschichten von Selbstfindung und Nächstenliebe aber auch Angst, Paranoia und Stress zu erzählen. Die Zerrissenheit Emilias und ihre Angst vor Entscheidungen stehen in Anna Waibels Inszenierung von Die letzte Show/Lutz Hübner im Vordergrund:“ Es gibt Momente im Leben, in denen man sich entscheiden muss, wie man weiter macht. Und dabei ist es vollkommen egal, ob man 16 oder 53 Jahre alt ist.“ sagt Anna Waibel zu ihrem Stück.

Was haben ein Profi-Anbagger-Typ, eine persische Starregisseurin, ein illegaler Apfelpflücker und vier Schauspielerinnen auf der Bühne gemeinsam? Sie alle sind Abulkasem. Abulkasem? Ja, Abulkasem. Man weiß nicht viel über ihn, doch er wird bleiben, an allen erdenklichen Orten der Welt auftauchen, wie ein Virus um die Erde wandern. Wir wissen zunächst nicht viel. Der Name
wird zum ersten Mal in Europa aufgeschnappt und von da an verändert er sich und seine Bedeutung mit jedem Mal, mit dem er ausgesprochen wird. Er wird Hoffnung, Schmerz, Freude und Frustration auslösen. Man sieht in ihm das Ungeheuerliche, das Abenteuer, das Fremde, das Anderssein und die Liebe. Alle glauben ihn zu kennen, doch niemand hat ihn je gesehen. Wirklich
nicht? Eine Forschergruppe geht dem Phänomen auf die Spur, radikalisiert sich zunehmend und plötzlich wird Abulkasem, was als unschuldiges Kult Wort begann zum international gesuchten Attentäter: "Die westliche Welt sieht in ihm einen potenziellen Terroristen. Die arabische Welt einen Verräter.“

In INVASION! spielen vier junge Frauen in 16 Rollen eine radikale fast-forward Theaterfarce. Es geht um Identität, Gender, Rassismus und die Macht von Sprache. Schnell und rasant, mal zynisch und brutal, dann wieder zärtlich und ganz nah. Dabei immer ehrlich und pur, mit einer Prise Pop und einem Hauch Melancholie.

Was haben ein Profi-Anbagger-Typ, eine persische Starregisseurin, ein illegaler Apfelpflücker und vier Schauspielerinnen auf der Bühne gemeinsam? Sie alle sind Abulkasem. Abulkasem? Ja, Abulkasem. Man weiß nicht viel über ihn, doch er wird bleiben, an allen erdenklichen Orten der Welt auftauchen, wie ein Virus um die Erde wandern. Wir wissen zunächst nicht viel. Der Name
wird zum ersten Mal in Europa aufgeschnappt und von da an verändert er sich und seine Bedeutung mit jedem Mal, mit dem er ausgesprochen wird. Er wird Hoffnung, Schmerz, Freude und Frustration auslösen. Man sieht in ihm das Ungeheuerliche, das Abenteuer, das Fremde, das Anderssein und die Liebe. Alle glauben ihn zu kennen, doch niemand hat ihn je gesehen. Wirklich
nicht? Eine Forschergruppe geht dem Phänomen auf die Spur, radikalisiert sich zunehmend und plötzlich wird Abulkasem, was als unschuldiges Kult Wort begann zum international gesuchten Attentäter: "Die westliche Welt sieht in ihm einen potenziellen Terroristen. Die arabische Welt einen Verräter.“

In INVASION! spielen vier junge Frauen in 16 Rollen eine radikale fast-forward Theaterfarce. Es geht um Identität, Gender, Rassismus und die Macht von Sprache. Schnell und rasant, mal zynisch und brutal, dann wieder zärtlich und ganz nah. Dabei immer ehrlich und pur, mit einer Prise Pop und einem Hauch Melancholie.

Was haben ein Profi-Anbagger-Typ, eine persische Starregisseurin, ein illegaler Apfelpflücker und vier Schauspielerinnen auf der Bühne gemeinsam? Sie alle sind Abulkasem. Abulkasem? Ja, Abulkasem. Man weiß nicht viel über ihn, doch er wird bleiben, an allen erdenklichen Orten der Welt auftauchen, wie ein Virus um die Erde wandern. Wir wissen zunächst nicht viel. Der Name
wird zum ersten Mal in Europa aufgeschnappt und von da an verändert er sich und seine Bedeutung mit jedem Mal, mit dem er ausgesprochen wird. Er wird Hoffnung, Schmerz, Freude und Frustration auslösen. Man sieht in ihm das Ungeheuerliche, das Abenteuer, das Fremde, das Anderssein und die Liebe. Alle glauben ihn zu kennen, doch niemand hat ihn je gesehen. Wirklich
nicht? Eine Forschergruppe geht dem Phänomen auf die Spur, radikalisiert sich zunehmend und plötzlich wird Abulkasem, was als unschuldiges Kult Wort begann zum international gesuchten Attentäter: "Die westliche Welt sieht in ihm einen potenziellen Terroristen. Die arabische Welt einen Verräter.“

In INVASION! spielen vier junge Frauen in 16 Rollen eine radikale fast-forward Theaterfarce. Es geht um Identität, Gender, Rassismus und die Macht von Sprache. Schnell und rasant, mal zynisch und brutal, dann wieder zärtlich und ganz nah. Dabei immer ehrlich und pur, mit einer Prise Pop und einem Hauch Melancholie.

Was haben ein Profi-Anbagger-Typ, eine persische Starregisseurin, ein illegaler Apfelpflücker und vier Schauspielerinnen auf der Bühne gemeinsam? Sie alle sind Abulkasem. Abulkasem? Ja, Abulkasem. Man weiß nicht viel über ihn, doch er wird bleiben, an allen erdenklichen Orten der Welt auftauchen, wie ein Virus um die Erde wandern. Wir wissen zunächst nicht viel. Der Name
wird zum ersten Mal in Europa aufgeschnappt und von da an verändert er sich und seine Bedeutung mit jedem Mal, mit dem er ausgesprochen wird. Er wird Hoffnung, Schmerz, Freude und Frustration auslösen. Man sieht in ihm das Ungeheuerliche, das Abenteuer, das Fremde, das Anderssein und die Liebe. Alle glauben ihn zu kennen, doch niemand hat ihn je gesehen. Wirklich
nicht? Eine Forschergruppe geht dem Phänomen auf die Spur, radikalisiert sich zunehmend und plötzlich wird Abulkasem, was als unschuldiges Kult Wort begann zum international gesuchten Attentäter: "Die westliche Welt sieht in ihm einen potenziellen Terroristen. Die arabische Welt einen Verräter.“

In INVASION! spielen vier junge Frauen in 16 Rollen eine radikale fast-forward Theaterfarce. Es geht um Identität, Gender, Rassismus und die Macht von Sprache. Schnell und rasant, mal zynisch und brutal, dann wieder zärtlich und ganz nah. Dabei immer ehrlich und pur, mit einer Prise Pop und einem Hauch Melancholie.

Tauchen wir ein in vier komplett unterschiedliche Welten, alle bewohnt von strebenden und getriebenen Figuren, die versuchen ihre Wünsche wahr werden zu lassen. Durch den Abend leitet eine Figur von unbekannter Herkunft, eine Kreatur in Gestalt eines Menschen, gebannt zu Erzählen. Er ist der Mann, der ganz klar, ganz offen, so ehrlich es geht zeigen will, wie der Mensch zu leben hat.

Macbeth: Alles ist in Dunkelheit getrieft, eine Welt voller Gedanken und Illusionen. Durch die Augen von

Macbeth und seiner Gefährtin, Lady Macbeth erlebt der Zuschauer deren Geschichte. Lady Macbeth beharrt darauf, Besseres von dem gemeinen Schicksal zu verlangen, dass ihr aufgezwungen wurde. Macbeth muss sich zwischen der Realität und seinem Wahn entscheiden.

NORA!: Eine dystopische Welt! Es herrscht das vollkommene und grausame Patriarchat, worin Frauen ihre Unterwürfigkeit beweisen müssen. Dazu werden sie ein Theater-Stück spielen, um zu zeigen, dass sie gehorchen können. Nur Nora nicht, sie spielt ein anderes Spiel.

Don Juan: ein Mann, der genau weiß, was er will: Frauen. Wenn sich ein Mann nur von seinen Trieben leiten lässt, kann man dann von Liebe sprechen? Sein Gehilfe Sganarelle und seine Frau Donna Elvira, tun alles in ihrer Macht, um Don Juan zu verändern, ohne dass er es überhaupt bemerkt.

Leonce & Lena: Im Reiche Pipi und Popo ist nichts los, da ist das Spannendste ein Stein. Allein, fängt das leblose Ehepaar Leonce & Lena zu hinterfragen, was Liebe ist und wie es die Schuld Anderer ist. Ein Reenactment, erzählt von Zweien und gespielt von Zweien, zeigt, dass man sich nicht freiwillig füreinander entscheiden muss, um zu heiraten.

Alle vier Geschichten zeigen den wundesten Punkt des Menschen, in Angst, Wut, Lust und Langeweile. Herzlich Willkommen zum Abend der weißen Fäden, hier spielt das Echte mit dem Gedachten.

Tauchen wir ein in vier komplett unterschiedliche Welten, alle bewohnt von strebenden und getriebenen Figuren, die versuchen ihre Wünsche wahr werden zu lassen. Durch den Abend leitet eine Figur von unbekannter Herkunft, eine Kreatur in Gestalt eines Menschen, gebannt zu Erzählen. Er ist der Mann, der ganz klar, ganz offen, so ehrlich es geht zeigen will, wie der Mensch zu leben hat.

Macbeth: Alles ist in Dunkelheit getrieft, eine Welt voller Gedanken und Illusionen. Durch die Augen von

Macbeth und seiner Gefährtin, Lady Macbeth erlebt der Zuschauer deren Geschichte. Lady Macbeth beharrt darauf, Besseres von dem gemeinen Schicksal zu verlangen, dass ihr aufgezwungen wurde. Macbeth muss sich zwischen der Realität und seinem Wahn entscheiden.

NORA!: Eine dystopische Welt! Es herrscht das vollkommene und grausame Patriarchat, worin Frauen ihre Unterwürfigkeit beweisen müssen. Dazu werden sie ein Theater-Stück spielen, um zu zeigen, dass sie gehorchen können. Nur Nora nicht, sie spielt ein anderes Spiel.

Don Juan: ein Mann, der genau weiß, was er will: Frauen. Wenn sich ein Mann nur von seinen Trieben leiten lässt, kann man dann von Liebe sprechen? Sein Gehilfe Sganarelle und seine Frau Donna Elvira, tun alles in ihrer Macht, um Don Juan zu verändern, ohne dass er es überhaupt bemerkt.

Leonce & Lena: Im Reiche Pipi und Popo ist nichts los, da ist das Spannendste ein Stein. Allein, fängt das leblose Ehepaar Leonce & Lena zu hinterfragen, was Liebe ist und wie es die Schuld Anderer ist. Ein Reenactment, erzählt von Zweien und gespielt von Zweien, zeigt, dass man sich nicht freiwillig füreinander entscheiden muss, um zu heiraten.

Alle vier Geschichten zeigen den wundesten Punkt des Menschen, in Angst, Wut, Lust und Langeweile. Herzlich Willkommen zum Abend der weißen Fäden, hier spielt das Echte mit dem Gedachten.

11 Frauen und Männer, die hoffen – oder hofften – , die träumen und damit untergehen. Ist der Mensch so wesentlich ein Träumender, ein „homo sperans“, dass im Scheitern der Hoffnung er selbst oder ein Teil von ihm stirbt? Und was ist schlimmer: am Traum festhalten bis in den Tod oder traumlos weiterleben, reduziert auf das IST, die Bescheidenheit des Aufgebens?

Die Collage „Exiles of Hope“ lässt sie alle aufmarschieren: irre Träumer, kämpferisch Hoffende, vorsichtig Wünschende: von der Antike bis zur Moderne spannt sich der Bogen des Scheiterns. Warum fehlt die Gegenwart, das späte 20. und frühe 21. Jahrhundert? Was hat sich verändert in den letzten 30, 40 Jahren? Vielleicht hat man dazugelernt, was Seelenhygiene betrifft und wagt sich nicht mehr so naiv in den wilden Ozean des Hoffens? Es wird das Absurde und – ja, vielleicht auch – die Komik und eigene Tragik des Kleinen seziert. Nicht so an diesem Abend: die Hoffnung ist heftig, lebensnotwendig und das Scheitern stellt die 11 Menschen vor das Nichts.

Der 2. Jahrgang der Athanor Akademie spielt seine Monologe nicht als einsame Rede an sich selbst; jede Figur ist begleitet von jenen Gespenstern, die Projektionsfläche ihrer Hoffnungen und Befürchtungen sind. Jeder Traum ist ein Kampf. Und so ist jede Figur – obschon umringt und herausgefordert von anderen – im eigentlichen Sinn des Wortes ALLEIN.

11 Frauen und Männer, die hoffen – oder hofften – , die träumen und damit untergehen. Ist der Mensch so wesentlich ein Träumender, ein „homo sperans“, dass im Scheitern der Hoffnung er selbst oder ein Teil von ihm stirbt? Und was ist schlimmer: am Traum festhalten bis in den Tod oder traumlos weiterleben, reduziert auf das IST, die Bescheidenheit des Aufgebens?

Die Collage „Exiles of Hope“ lässt sie alle aufmarschieren: irre Träumer, kämpferisch Hoffende, vorsichtig Wünschende: von der Antike bis zur Moderne spannt sich der Bogen des Scheiterns. Warum fehlt die Gegenwart, das späte 20. und frühe 21. Jahrhundert? Was hat sich verändert in den letzten 30, 40 Jahren? Vielleicht hat man dazugelernt, was Seelenhygiene betrifft und wagt sich nicht mehr so naiv in den wilden Ozean des Hoffens? Es wird das Absurde und – ja, vielleicht auch – die Komik und eigene Tragik des Kleinen seziert. Nicht so an diesem Abend: die Hoffnung ist heftig, lebensnotwendig und das Scheitern stellt die 11 Menschen vor das Nichts.

Der 2. Jahrgang der Athanor Akademie spielt seine Monologe nicht als einsame Rede an sich selbst; jede Figur ist begleitet von jenen Gespenstern, die Projektionsfläche ihrer Hoffnungen und Befürchtungen sind. Jeder Traum ist ein Kampf. Und so ist jede Figur – obschon umringt und herausgefordert von anderen – im eigentlichen Sinn des Wortes ALLEIN.

Tauchen wir ein in vier komplett unterschiedliche Welten, alle bewohnt von strebenden und getriebenen Figuren, die versuchen ihre Wünsche wahr werden zu lassen. Durch den Abend leitet eine Figur von unbekannter Herkunft, eine Kreatur in Gestalt eines Menschen, gebannt zu Erzählen. Er ist der Mann, der ganz klar, ganz offen, so ehrlich es geht zeigen will, wie der Mensch zu leben hat.

Macbeth: Alles ist in Dunkelheit getrieft, eine Welt voller Gedanken und Illusionen. Durch die Augen von

Macbeth und seiner Gefährtin, Lady Macbeth erlebt der Zuschauer deren Geschichte. Lady Macbeth beharrt darauf, Besseres von dem gemeinen Schicksal zu verlangen, dass ihr aufgezwungen wurde. Macbeth muss sich zwischen der Realität und seinem Wahn entscheiden.

NORA!: Eine dystopische Welt! Es herrscht das vollkommene und grausame Patriarchat, worin Frauen ihre Unterwürfigkeit beweisen müssen. Dazu werden sie ein Theater-Stück spielen, um zu zeigen, dass sie gehorchen können. Nur Nora nicht, sie spielt ein anderes Spiel.

Don Juan: ein Mann, der genau weiß, was er will: Frauen. Wenn sich ein Mann nur von seinen Trieben leiten lässt, kann man dann von Liebe sprechen? Sein Gehilfe Sganarelle und seine Frau Donna Elvira, tun alles in ihrer Macht, um Don Juan zu verändern, ohne dass er es überhaupt bemerkt.

Leonce & Lena: Im Reiche Pipi und Popo ist nichts los, da ist das Spannendste ein Stein. Allein, fängt das leblose Ehepaar Leonce & Lena zu hinterfragen, was Liebe ist und wie es die Schuld Anderer ist. Ein Reenactment, erzählt von Zweien und gespielt von Zweien, zeigt, dass man sich nicht freiwillig füreinander entscheiden muss, um zu heiraten.

Alle vier Geschichten zeigen den wundesten Punkt des Menschen, in Angst, Wut, Lust und Langeweile. Herzlich Willkommen zum Abend der weißen Fäden, hier spielt das Echte mit dem Gedachten.

11 Frauen und Männer, die hoffen – oder hofften – , die träumen und damit untergehen. Ist der Mensch so wesentlich ein Träumender, ein „homo sperans“, dass im Scheitern der Hoffnung er selbst oder ein Teil von ihm stirbt? Und was ist schlimmer: am Traum festhalten bis in den Tod oder traumlos weiterleben, reduziert auf das IST, die Bescheidenheit des Aufgebens?

Die Collage „Exiles of Hope“ lässt sie alle aufmarschieren: irre Träumer, kämpferisch Hoffende, vorsichtig Wünschende: von der Antike bis zur Moderne spannt sich der Bogen des Scheiterns. Warum fehlt die Gegenwart, das späte 20. und frühe 21. Jahrhundert? Was hat sich verändert in den letzten 30, 40 Jahren? Vielleicht hat man dazugelernt, was Seelenhygiene betrifft und wagt sich nicht mehr so naiv in den wilden Ozean des Hoffens? Es wird das Absurde und – ja, vielleicht auch – die Komik und eigene Tragik des Kleinen seziert. Nicht so an diesem Abend: die Hoffnung ist heftig, lebensnotwendig und das Scheitern stellt die 11 Menschen vor das Nichts.

Der 2. Jahrgang der Athanor Akademie spielt seine Monologe nicht als einsame Rede an sich selbst; jede Figur ist begleitet von jenen Gespenstern, die Projektionsfläche ihrer Hoffnungen und Befürchtungen sind. Jeder Traum ist ein Kampf. Und so ist jede Figur – obschon umringt und herausgefordert von anderen – im eigentlichen Sinn des Wortes ALLEIN.

Tauchen wir ein in vier komplett unterschiedliche Welten, alle bewohnt von strebenden und getriebenen Figuren, die versuchen ihre Wünsche wahr werden zu lassen. Durch den Abend leitet eine Figur von unbekannter Herkunft, eine Kreatur in Gestalt eines Menschen, gebannt zu Erzählen. Er ist der Mann, der ganz klar, ganz offen, so ehrlich es geht zeigen will, wie der Mensch zu leben hat.

Macbeth: Alles ist in Dunkelheit getrieft, eine Welt voller Gedanken und Illusionen. Durch die Augen von

Macbeth und seiner Gefährtin, Lady Macbeth erlebt der Zuschauer deren Geschichte. Lady Macbeth beharrt darauf, Besseres von dem gemeinen Schicksal zu verlangen, dass ihr aufgezwungen wurde. Macbeth muss sich zwischen der Realität und seinem Wahn entscheiden.

NORA!: Eine dystopische Welt! Es herrscht das vollkommene und grausame Patriarchat, worin Frauen ihre Unterwürfigkeit beweisen müssen. Dazu werden sie ein Theater-Stück spielen, um zu zeigen, dass sie gehorchen können. Nur Nora nicht, sie spielt ein anderes Spiel.

Don Juan: ein Mann, der genau weiß, was er will: Frauen. Wenn sich ein Mann nur von seinen Trieben leiten lässt, kann man dann von Liebe sprechen? Sein Gehilfe Sganarelle und seine Frau Donna Elvira, tun alles in ihrer Macht, um Don Juan zu verändern, ohne dass er es überhaupt bemerkt.

Leonce & Lena: Im Reiche Pipi und Popo ist nichts los, da ist das Spannendste ein Stein. Allein, fängt das leblose Ehepaar Leonce & Lena zu hinterfragen, was Liebe ist und wie es die Schuld Anderer ist. Ein Reenactment, erzählt von Zweien und gespielt von Zweien, zeigt, dass man sich nicht freiwillig füreinander entscheiden muss, um zu heiraten.

Alle vier Geschichten zeigen den wundesten Punkt des Menschen, in Angst, Wut, Lust und Langeweile. Herzlich Willkommen zum Abend der weißen Fäden, hier spielt das Echte mit dem Gedachten.

11 Frauen und Männer, die hoffen – oder hofften – , die träumen und damit untergehen. Ist der Mensch so wesentlich ein Träumender, ein „homo sperans“, dass im Scheitern der Hoffnung er selbst oder ein Teil von ihm stirbt? Und was ist schlimmer: am Traum festhalten bis in den Tod oder traumlos weiterleben, reduziert auf das IST, die Bescheidenheit des Aufgebens?

Die Collage „Exiles of Hope“ lässt sie alle aufmarschieren: irre Träumer, kämpferisch Hoffende, vorsichtig Wünschende: von der Antike bis zur Moderne spannt sich der Bogen des Scheiterns. Warum fehlt die Gegenwart, das späte 20. und frühe 21. Jahrhundert? Was hat sich verändert in den letzten 30, 40 Jahren? Vielleicht hat man dazugelernt, was Seelenhygiene betrifft und wagt sich nicht mehr so naiv in den wilden Ozean des Hoffens? Es wird das Absurde und – ja, vielleicht auch – die Komik und eigene Tragik des Kleinen seziert. Nicht so an diesem Abend: die Hoffnung ist heftig, lebensnotwendig und das Scheitern stellt die 11 Menschen vor das Nichts.

Der 2. Jahrgang der Athanor Akademie spielt seine Monologe nicht als einsame Rede an sich selbst; jede Figur ist begleitet von jenen Gespenstern, die Projektionsfläche ihrer Hoffnungen und Befürchtungen sind. Jeder Traum ist ein Kampf. Und so ist jede Figur – obschon umringt und herausgefordert von anderen – im eigentlichen Sinn des Wortes ALLEIN.

Endlich ist es so weit: Die “Neuen”, d.h. die Studierenden im ersten Semester an der Athanor Akademie stehen kurz vor ihrer ersten Premiere. Nach dem ersten halben Jahr der Ausbildung, deren Schwerpunkte die Auseinandersetzungen mit sich selbst, mit dem Körper, mit Rhythmus und gesellschaftlichen Themen waren, eint alle Studierenden der Wille zur Professionalität. In ihrem Improvisationsstück gibt es einige Kollisionen mit unerwarteten Folgen:
Ein Bahnhof in einer der Großstadt. Züge kommen und gehen. Laut, rastlos und Mäuse tapsend leer. So wie die Menschen. Es ist ein Übergangsraum, an dem Zeit und Ort verloren zu gehen scheinen. Ein Vakuum. Die Materie des Alltags, die Menschen hierherschleppen, verflüchtigt sich - herausgerissen aus ihrer gewohnten Umgebung scheint sie mit diesem sonderbaren Kosmos zu verschmelzen. Der Bahnhof als Lebensraum auf Zeit. Ein urbanes Tierreich.
Die Menschen, die diesen Ort betreten, scheinen in einen komischen Zustand zu geraten. Sie werden Teil dieses Vakuums und ganz abgetrennt von dem ganzen Rest, in dem Zustand des Übergangs zwischen dem was war und dem Kommenden werden sie zu Wartenden. Aber worauf warten sie eigentlich. Und warum warten sie. Wie unter einer Käseglocke, hermetisch abgeriegelt, prallen in diesem seltsamen Bahnhofs Biotop diese Gestalten aufeinander. Planeten, die sich in ihren Umlaufbahnen kreuzen. Hier können sie nicht weiter. Sie müssen warten. Ein schwebender Zustand. Sich begegnende Kosmonauten im Übergangsraum. Eine Frau mit Perücke, ein Kleinkrimineller mit großen Träumen, eine am Chaos dieser Welt zugrunde Gehende und zwei Schwestern, die sich hassen. Nichts verbindet all diese Gestalten und doch macht sie der Raum, der Zustand des Wartens zu Komplizen, zu Feinden, zu Liebenden. In freier Natur würden sie sich aus dem Weg gehen und doch zwingen ihre Umlaufbahnen sie mit voller Wucht aufeinander zu prallen.

Endlich ist es so weit: Die “Neuen”, d.h. die Studierenden im ersten Semester an der Athanor Akademie stehen kurz vor ihrer ersten Premiere. Nach dem ersten halben Jahr der Ausbildung, deren Schwerpunkte die Auseinandersetzungen mit sich selbst, mit dem Körper, mit Rhythmus und gesellschaftlichen Themen waren, eint alle Studierenden der Wille zur Professionalität. In ihrem Improvisationsstück gibt es einige Kollisionen mit unerwarteten Folgen:
Ein Bahnhof in einer der Großstadt. Züge kommen und gehen. Laut, rastlos und Mäuse tapsend leer. So wie die Menschen. Es ist ein Übergangsraum, an dem Zeit und Ort verloren zu gehen scheinen. Ein Vakuum. Die Materie des Alltags, die Menschen hierherschleppen, verflüchtigt sich - herausgerissen aus ihrer gewohnten Umgebung scheint sie mit diesem sonderbaren Kosmos zu verschmelzen. Der Bahnhof als Lebensraum auf Zeit. Ein urbanes Tierreich.
Die Menschen, die diesen Ort betreten, scheinen in einen komischen Zustand zu geraten. Sie werden Teil dieses Vakuums und ganz abgetrennt von dem ganzen Rest, in dem Zustand des Übergangs zwischen dem was war und dem Kommenden werden sie zu Wartenden. Aber worauf warten sie eigentlich. Und warum warten sie. Wie unter einer Käseglocke, hermetisch abgeriegelt, prallen in diesem seltsamen Bahnhofs Biotop diese Gestalten aufeinander. Planeten, die sich in ihren Umlaufbahnen kreuzen. Hier können sie nicht weiter. Sie müssen warten. Ein schwebender Zustand. Sich begegnende Kosmonauten im Übergangsraum. Eine Frau mit Perücke, ein Kleinkrimineller mit großen Träumen, eine am Chaos dieser Welt zugrunde Gehende und zwei Schwestern, die sich hassen. Nichts verbindet all diese Gestalten und doch macht sie der Raum, der Zustand des Wartens zu Komplizen, zu Feinden, zu Liebenden. In freier Natur würden sie sich aus dem Weg gehen und doch zwingen ihre Umlaufbahnen sie mit voller Wucht aufeinander zu prallen.

Mit Beginn der Proben unter Autor, Regisseur und Gastdozent Marcus Everding am 10. Januar startete für die Absolventen die alles entscheidende Phase: Wie im richtigen Leben als Schauspieler*in müssen sie sich auf einen unbekannten Regisseur einlassen und von der ersten Minute an abliefern: Power Play in real time! Begleitende Dozierende und natürlich Marcus Everding, der seit über 30 Jahren als Regisseur und Schauspieldirektor arbeitet, bewerten nicht nur die sechswöchige Probenarbeit, sondern auch alles, was ein Schauspieler können muss. Das Erlernte steht auf dem Prüfstand.
Es liest sich so easy: Abschluss-Inszenierung, dahinter steckt aber viel mehr als man glauben möchte. Acht Semester haben die Schauspiel- und Regiestudierenden nun (fast) hinter sich und sie haben in den vier Jahren alles gelernt, was man für einen qualifizierten Abschluss an der Athanor Akademie und in der späteren Berufslaufbahn braucht. Dazu haben sie nicht nur Theorie in Theater-, Kunst- und Musikgeschichte gebüffelt, sondern ein sehr breites Spektrum an Unterrichtseinheiten durchlaufen. Von Gesang, Akrobatik, Tanz, Sprechen, Stimmbildung, Clownerie, Bühnenkampf bis hin zu Schauspiel- und Regiekunst. In jedem Semester haben sie verschiedene Aufführungen einstudiert und vorgestellt: Improvisation, Monologe, Klassisches Schauspiel der alten Meister oder moderne Stücke. Lernen unter Produktionsbedingungen, hochkarätige Dozierende und das zweigleisige Angebot Theater und Film/Neue Medien sind Besonderheit und Auszeichnung der Athanor Akademie.

Am Tag der Premiere wird das Lampenfieber wohl doppelt so hoch sein: Es ist Premiere, es ist die Uraufführung des Stückes FAKE OR FACT und neben den Gästen sitzt dann auch noch das
Prüfungsgremium im Publikum. Nun gilt es nur noch Daumen halten und TOI TOi TOI!

Zum Inhalt:
Drei angebliche griechische Götter, Bewohner einer gewöhnlichen WG, treffen auf einen Showmaster, einen Gott seines Faches. Der kann sein Glück gar nicht fassen, denn drei "Götter" kommen ihm für seine neue Reality Show "Fake or Fact" genau richtig. So werden dem Fernsehpublikum Hermes, Aphrodite und Demeter präsentiert. Das Publikum darf entscheiden, ob es Götter sind oder lächerliche Hochstapler. Und für eine Million Euro Preisgeld kann man sich schon mal zum Gott machen. Wer wird was glauben?

Mit Beginn der Proben unter Autor, Regisseur und Gastdozent Marcus Everding am 10. Januar startete für die Absolventen die alles entscheidende Phase: Wie im richtigen Leben als Schauspieler*in müssen sie sich auf einen unbekannten Regisseur einlassen und von der ersten Minute an abliefern: Power Play in real time! Begleitende Dozierende und natürlich Marcus Everding, der seit über 30 Jahren als Regisseur und Schauspieldirektor arbeitet, bewerten nicht nur die sechswöchige Probenarbeit, sondern auch alles, was ein Schauspieler können muss. Das Erlernte steht auf dem Prüfstand.
Es liest sich so easy: Abschluss-Inszenierung, dahinter steckt aber viel mehr als man glauben möchte. Acht Semester haben die Schauspiel- und Regiestudierenden nun (fast) hinter sich und sie haben in den vier Jahren alles gelernt, was man für einen qualifizierten Abschluss an der Athanor Akademie und in der späteren Berufslaufbahn braucht. Dazu haben sie nicht nur Theorie in Theater-, Kunst- und Musikgeschichte gebüffelt, sondern ein sehr breites Spektrum an Unterrichtseinheiten durchlaufen. Von Gesang, Akrobatik, Tanz, Sprechen, Stimmbildung, Clownerie, Bühnenkampf bis hin zu Schauspiel- und Regiekunst. In jedem Semester haben sie verschiedene Aufführungen einstudiert und vorgestellt: Improvisation, Monologe, Klassisches Schauspiel der alten Meister oder moderne Stücke. Lernen unter Produktionsbedingungen, hochkarätige Dozierende und das zweigleisige Angebot Theater und Film/Neue Medien sind Besonderheit und Auszeichnung der Athanor Akademie.

Am Tag der Premiere wird das Lampenfieber wohl doppelt so hoch sein: Es ist Premiere, es ist die Uraufführung des Stückes FAKE OR FACT und neben den Gästen sitzt dann auch noch das
Prüfungsgremium im Publikum. Nun gilt es nur noch Daumen halten und TOI TOi TOI!

Zum Inhalt:
Drei angebliche griechische Götter, Bewohner einer gewöhnlichen WG, treffen auf einen Showmaster, einen Gott seines Faches. Der kann sein Glück gar nicht fassen, denn drei "Götter" kommen ihm für seine neue Reality Show "Fake or Fact" genau richtig. So werden dem Fernsehpublikum Hermes, Aphrodite und Demeter präsentiert. Das Publikum darf entscheiden, ob es Götter sind oder lächerliche Hochstapler. Und für eine Million Euro Preisgeld kann man sich schon mal zum Gott machen. Wer wird was glauben?

Mit Beginn der Proben unter Autor, Regisseur und Gastdozent Marcus Everding am 10. Januar startete für die Absolventen die alles entscheidende Phase: Wie im richtigen Leben als Schauspieler*in müssen sie sich auf einen unbekannten Regisseur einlassen und von der ersten Minute an abliefern: Power Play in real time! Begleitende Dozierende und natürlich Marcus Everding, der seit über 30 Jahren als Regisseur und Schauspieldirektor arbeitet, bewerten nicht nur die sechswöchige Probenarbeit, sondern auch alles, was ein Schauspieler können muss. Das Erlernte steht auf dem Prüfstand.
Es liest sich so easy: Abschluss-Inszenierung, dahinter steckt aber viel mehr als man glauben möchte. Acht Semester haben die Schauspiel- und Regiestudierenden nun (fast) hinter sich und sie haben in den vier Jahren alles gelernt, was man für einen qualifizierten Abschluss an der Athanor Akademie und in der späteren Berufslaufbahn braucht. Dazu haben sie nicht nur Theorie in Theater-, Kunst- und Musikgeschichte gebüffelt, sondern ein sehr breites Spektrum an Unterrichtseinheiten durchlaufen. Von Gesang, Akrobatik, Tanz, Sprechen, Stimmbildung, Clownerie, Bühnenkampf bis hin zu Schauspiel- und Regiekunst. In jedem Semester haben sie verschiedene Aufführungen einstudiert und vorgestellt: Improvisation, Monologe, Klassisches Schauspiel der alten Meister oder moderne Stücke. Lernen unter Produktionsbedingungen, hochkarätige Dozierende und das zweigleisige Angebot Theater und Film/Neue Medien sind Besonderheit und Auszeichnung der Athanor Akademie.

Am Tag der Premiere wird das Lampenfieber wohl doppelt so hoch sein: Es ist Premiere, es ist die Uraufführung des Stückes FAKE OR FACT und neben den Gästen sitzt dann auch noch das
Prüfungsgremium im Publikum. Nun gilt es nur noch Daumen halten und TOI TOi TOI!

Zum Inhalt:
Drei angebliche griechische Götter, Bewohner einer gewöhnlichen WG, treffen auf einen Showmaster, einen Gott seines Faches. Der kann sein Glück gar nicht fassen, denn drei "Götter" kommen ihm für seine neue Reality Show "Fake or Fact" genau richtig. So werden dem Fernsehpublikum Hermes, Aphrodite und Demeter präsentiert. Das Publikum darf entscheiden, ob es Götter sind oder lächerliche Hochstapler. Und für eine Million Euro Preisgeld kann man sich schon mal zum Gott machen. Wer wird was glauben?

Aufgrund von Lockdown, Verschiebungen und anderen Projekten arbeiten die Studierenden des zweiten Jahrgangs seit mittlerweile einem Jahr an der Inszenierung mehrerer klassischer Theaterstoffe und müssen sich dabei enormen Herausforderungen stellen. Alles beginnt mit dem Lesen von diversen Stücken: von Molière bis Schiller und Werke der griechischen Antike. Die Stücke werden ausgewählt, die Rollen verteilt. Das Patriarchat soll zentrales Thema dieses klassischen Abends sein: Elektra, Lysistrata, Der eingebildete Kranke sowie Tartuffe und Turandot nehmen uns mit in eine Reise in die Geschichte. Die Klassiker von Aristophanes, Sophokles, Molière und Schiller haben alle eins gemeinsam: Die Frauen begehren aus unterschiedlichen Gründen und Motiven genauso unterschiedlich gegen die männlichen Strukturen auf. Zeitgenössische Stücke oder das psychologische Drama – das als nächstes auf dem Lehrplan für den 2. Jahrgang steht – sind natürlich leichter greifbar, die Figuren irgendwie näher an uns dran, aber eine Elektra zu verkörpern, die ihren Vater rächen und die Mutter tot sehen will, erfordert viel Reife und das Vermögen, sich in eine Figur hineinzufühlen, die Person nicht nur zu spielen, sondern zu verkörpern. Die Arbeit an der Rolle, deren Motive, Interpretation und glaubwürdige Darstellung stellen eine große Herausforderung an das eigene ICH – manch eine*n führt das an ihre*seine Grenzen, die es zu überschreiten gilt.

Obwohl die Stoffe teilweise so weit von uns weg sind und wir mit den unterschiedlichen Göttern und Mythen vielleicht nicht mehr so viel anfangen können, sind sie auf der anderen Seite erschreckend aktuell. So z.B. in Lysistrata: Es gilt in dem Stück Mittel und Wege zu finden, den Krieg zu beenden. Man muss das Geschehen auf der Bühne nicht einmal in die Jetzt-Zeit transponieren – das Publikum ist gefragt seine eigenen Gedanken damit zu verknüpfen. Eine weitere Besonderheit an diesem Projekt ist das chorische Sprechen. Im Unterricht steht es erst im 3. Jahr auf dem Lehrplan, aber sowohl bei Elektra als auch bei Lysistrata kommt es zum Einsatz und entfaltet seine beeindruckende Wirkung. Um die Erzählungen für das Publikum greifbarer zu machen, spannen die Darsteller*innen einen Bogen und erzählen in den 30-40 Minuten langen Passagen eine jeweils geschlossene Geschichte.

Die Studierenden haben mindestens zwei Rollen in den unterschiedlichen Stücken, manche – weil sie Teil eines Chores sind – sogar drei. Nach der teils sehr intensiven und anstrengenden Probenarbeit sind die jungen Schauspieler*innen voller Vorfreude auf die Aufführungen und hoffen auf zahlreiche Besucher*innen!

Aufgrund von Lockdown, Verschiebungen und anderen Projekten arbeiten die Studierenden des zweiten Jahrgangs seit mittlerweile einem Jahr an der Inszenierung mehrerer klassischer Theaterstoffe und müssen sich dabei enormen Herausforderungen stellen. Alles beginnt mit dem Lesen von diversen Stücken: von Molière bis Schiller und Werke der griechischen Antike. Die Stücke werden ausgewählt, die Rollen verteilt. Das Patriarchat soll zentrales Thema dieses klassischen Abends sein: Elektra, Lysistrata, Der eingebildete Kranke sowie Tartuffe und Turandot nehmen uns mit in eine Reise in die Geschichte. Die Klassiker von Aristophanes, Sophokles, Molière und Schiller haben alle eins gemeinsam: Die Frauen begehren aus unterschiedlichen Gründen und Motiven genauso unterschiedlich gegen die männlichen Strukturen auf. Zeitgenössische Stücke oder das psychologische Drama – das als nächstes auf dem Lehrplan für den 2. Jahrgang steht – sind natürlich leichter greifbar, die Figuren irgendwie näher an uns dran, aber eine Elektra zu verkörpern, die ihren Vater rächen und die Mutter tot sehen will, erfordert viel Reife und das Vermögen, sich in eine Figur hineinzufühlen, die Person nicht nur zu spielen, sondern zu verkörpern. Die Arbeit an der Rolle, deren Motive, Interpretation und glaubwürdige Darstellung stellen eine große Herausforderung an das eigene ICH – manch eine*n führt das an ihre*seine Grenzen, die es zu überschreiten gilt.

Obwohl die Stoffe teilweise so weit von uns weg sind und wir mit den unterschiedlichen Göttern und Mythen vielleicht nicht mehr so viel anfangen können, sind sie auf der anderen Seite erschreckend aktuell. So z.B. in Lysistrata: Es gilt in dem Stück Mittel und Wege zu finden, den Krieg zu beenden. Man muss das Geschehen auf der Bühne nicht einmal in die Jetzt-Zeit transponieren – das Publikum ist gefragt seine eigenen Gedanken damit zu verknüpfen. Eine weitere Besonderheit an diesem Projekt ist das chorische Sprechen. Im Unterricht steht es erst im 3. Jahr auf dem Lehrplan, aber sowohl bei Elektra als auch bei Lysistrata kommt es zum Einsatz und entfaltet seine beeindruckende Wirkung. Um die Erzählungen für das Publikum greifbarer zu machen, spannen die Darsteller*innen einen Bogen und erzählen in den 30-40 Minuten langen Passagen eine jeweils geschlossene Geschichte. Die Studierenden haben mindestens zwei Rollen in den unterschiedlichen Stücken, manche – weil sie Teil eines Chores sind – sogar drei. Nach der teils sehr intensiven und anstrengenden Probenarbeit sind die jungen Schauspieler*innen voller Vorfreude auf die Aufführungen und hoffen auf zahlreiche Besucher*innen!

Zum Inhalt:

Tartuffe von Molière
Tartuffe ist ein religiöser Heuchler, der sich das Vertrauen Orgons erschlichen hat. Er wird zum Zankapfel und zur Belastung für die ganze Familie, nachdem ihn Orgon erst dauerhaft im Hause beherbergt und dann sogar mit seiner Tochter vermählen möchte.

Der eingebildete Kranke von Molière
Der Hypochonder Argan, der sich nur einbildet, krank zu sein, zieht diverse Ärzte zu Rate, die die Einzigen sind, die ihm seine eingebildete Krankheit abnehmen und ihn in dieser unterstützen. Er möchte immer einen Doktor an seiner Seite haben und will seine älteste Tochter Angélique deshalb mit einem jungen Mediziner verheiraten.

Aufgrund von Lockdown, Verschiebungen und anderen Projekten arbeiten die Studierenden des zweiten Jahrgangs seit mittlerweile einem Jahr an der Inszenierung mehrerer klassischer Theaterstoffe und müssen sich dabei enormen Herausforderungen stellen. Alles beginnt mit dem Lesen von diversen Stücken: von Molière bis Schiller und Werke der griechischen Antike. Die Stücke werden ausgewählt, die Rollen verteilt. Das Patriarchat soll zentrales Thema dieses klassischen Abends sein: Elektra, Lysistrata, Der eingebildete Kranke sowie Tartuffe und Turandot nehmen uns mit in eine Reise in die Geschichte. Die Klassiker von Aristophanes, Sophokles, Molière und Schiller haben alle eins gemeinsam: Die Frauen begehren aus unterschiedlichen Gründen und Motiven genauso unterschiedlich gegen die männlichen Strukturen auf. Zeitgenössische Stücke oder das psychologische Drama – das als nächstes auf dem Lehrplan für den 2. Jahrgang steht – sind natürlich leichter greifbar, die Figuren irgendwie näher an uns dran, aber eine Elektra zu verkörpern, die ihren Vater rächen und die Mutter tot sehen will, erfordert viel Reife und das Vermögen, sich in eine Figur hineinzufühlen, die Person nicht nur zu spielen, sondern zu verkörpern. Die Arbeit an der Rolle, deren Motive, Interpretation und glaubwürdige Darstellung stellen eine große Herausforderung an das eigene ICH – manch eine*n führt das an ihre*seine Grenzen, die es zu überschreiten gilt.

Obwohl die Stoffe teilweise so weit von uns weg sind und wir mit den unterschiedlichen Göttern und Mythen vielleicht nicht mehr so viel anfangen können, sind sie auf der anderen Seite erschreckend aktuell. So z.B. in Lysistrata: Es gilt in dem Stück Mittel und Wege zu finden, den Krieg zu beenden. Man muss das Geschehen auf der Bühne nicht einmal in die Jetzt-Zeit transponieren – das Publikum ist gefragt seine eigenen Gedanken damit zu verknüpfen. Eine weitere Besonderheit an diesem Projekt ist das chorische Sprechen. Im Unterricht steht es erst im 3. Jahr auf dem Lehrplan, aber sowohl bei Elektra als auch bei Lysistrata kommt es zum Einsatz und entfaltet seine beeindruckende Wirkung. Um die Erzählungen für das Publikum greifbarer zu machen, spannen die Darsteller*innen einen Bogen und erzählen in den 30-40 Minuten langen Passagen eine jeweils geschlossene Geschichte.

Die Studierenden haben mindestens zwei Rollen in den unterschiedlichen Stücken, manche – weil sie Teil eines Chores sind – sogar drei. Nach der teils sehr intensiven und anstrengenden Probenarbeit sind die jungen Schauspieler*innen voller Vorfreude auf die Aufführungen und hoffen auf zahlreiche Besucher*innen!

Aufgrund von Lockdown, Verschiebungen und anderen Projekten arbeiten die Studierenden des zweiten Jahrgangs seit mittlerweile einem Jahr an der Inszenierung mehrerer klassischer Theaterstoffe und müssen sich dabei enormen Herausforderungen stellen. Alles beginnt mit dem Lesen von diversen Stücken: von Molière bis Schiller und Werke der griechischen Antike. Die Stücke werden ausgewählt, die Rollen verteilt. Das Patriarchat soll zentrales Thema dieses klassischen Abends sein: Elektra, Lysistrata, Der eingebildete Kranke sowie Tartuffe und Turandot nehmen uns mit in eine Reise in die Geschichte. Die Klassiker von Aristophanes, Sophokles, Molière und Schiller haben alle eins gemeinsam: Die Frauen begehren aus unterschiedlichen Gründen und Motiven genauso unterschiedlich gegen die männlichen Strukturen auf. Zeitgenössische Stücke oder das psychologische Drama – das als nächstes auf dem Lehrplan für den 2. Jahrgang steht – sind natürlich leichter greifbar, die Figuren irgendwie näher an uns dran, aber eine Elektra zu verkörpern, die ihren Vater rächen und die Mutter tot sehen will, erfordert viel Reife und das Vermögen, sich in eine Figur hineinzufühlen, die Person nicht nur zu spielen, sondern zu verkörpern. Die Arbeit an der Rolle, deren Motive, Interpretation und glaubwürdige Darstellung stellen eine große Herausforderung an das eigene ICH – manch eine*n führt das an ihre*seine Grenzen, die es zu überschreiten gilt.

Obwohl die Stoffe teilweise so weit von uns weg sind und wir mit den unterschiedlichen Göttern und Mythen vielleicht nicht mehr so viel anfangen können, sind sie auf der anderen Seite erschreckend aktuell. So z.B. in Lysistrata: Es gilt in dem Stück Mittel und Wege zu finden, den Krieg zu beenden. Man muss das Geschehen auf der Bühne nicht einmal in die Jetzt-Zeit transponieren – das Publikum ist gefragt seine eigenen Gedanken damit zu verknüpfen. Eine weitere Besonderheit an diesem Projekt ist das chorische Sprechen. Im Unterricht steht es erst im 3. Jahr auf dem Lehrplan, aber sowohl bei Elektra als auch bei Lysistrata kommt es zum Einsatz und entfaltet seine beeindruckende Wirkung. Um die Erzählungen für das Publikum greifbarer zu machen, spannen die Darsteller*innen einen Bogen und erzählen in den 30-40 Minuten langen Passagen eine jeweils geschlossene Geschichte. Die Studierenden haben mindestens zwei Rollen in den unterschiedlichen Stücken, manche – weil sie Teil eines Chores sind – sogar drei. Nach der teils sehr intensiven und anstrengenden Probenarbeit sind die jungen Schauspieler*innen voller Vorfreude auf die Aufführungen und hoffen auf zahlreiche Besucher*innen!

Zum Inhalt:

Tartuffe von Molière
Tartuffe ist ein religiöser Heuchler, der sich das Vertrauen Orgons erschlichen hat. Er wird zum Zankapfel und zur Belastung für die ganze Familie, nachdem ihn Orgon erst dauerhaft im Hause beherbergt und dann sogar mit seiner Tochter vermählen möchte.

Der eingebildete Kranke von Molière
Der Hypochonder Argan, der sich nur einbildet, krank zu sein, zieht diverse Ärzte zu Rate, die die Einzigen sind, die ihm seine eingebildete Krankheit abnehmen und ihn in dieser unterstützen. Er möchte immer einen Doktor an seiner Seite haben und will seine älteste Tochter Angélique deshalb mit einem jungen Mediziner verheiraten.

Aufgrund von Lockdown, Verschiebungen und anderen Projekten arbeiten die Studierenden des zweiten Jahrgangs seit mittlerweile einem Jahr an der Inszenierung mehrerer klassischer Theaterstoffe und müssen sich dabei enormen Herausforderungen stellen. Alles beginnt mit dem Lesen von diversen Stücken: von Molière bis Schiller und Werke der griechischen Antike. Die Stücke werden ausgewählt, die Rollen verteilt. Das Patriarchat soll zentrales Thema dieses klassischen Abends sein: Elektra, Lysistrata, Der eingebildete Kranke sowie Tartuffe und Turandot nehmen uns mit in eine Reise in die Geschichte. Die Klassiker von Aristophanes, Sophokles, Molière und Schiller haben alle eins gemeinsam: Die Frauen begehren aus unterschiedlichen Gründen und Motiven genauso unterschiedlich gegen die männlichen Strukturen auf. Zeitgenössische Stücke oder das psychologische Drama – das als nächstes auf dem Lehrplan für den 2. Jahrgang steht – sind natürlich leichter greifbar, die Figuren irgendwie näher an uns dran, aber eine Elektra zu verkörpern, die ihren Vater rächen und die Mutter tot sehen will, erfordert viel Reife und das Vermögen, sich in eine Figur hineinzufühlen, die Person nicht nur zu spielen, sondern zu verkörpern. Die Arbeit an der Rolle, deren Motive, Interpretation und glaubwürdige Darstellung stellen eine große Herausforderung an das eigene ICH – manch eine*n führt das an ihre*seine Grenzen, die es zu überschreiten gilt.

Obwohl die Stoffe teilweise so weit von uns weg sind und wir mit den unterschiedlichen Göttern und Mythen vielleicht nicht mehr so viel anfangen können, sind sie auf der anderen Seite erschreckend aktuell. So z.B. in Lysistrata: Es gilt in dem Stück Mittel und Wege zu finden, den Krieg zu beenden. Man muss das Geschehen auf der Bühne nicht einmal in die Jetzt-Zeit transponieren – das Publikum ist gefragt seine eigenen Gedanken damit zu verknüpfen. Eine weitere Besonderheit an diesem Projekt ist das chorische Sprechen. Im Unterricht steht es erst im 3. Jahr auf dem Lehrplan, aber sowohl bei Elektra als auch bei Lysistrata kommt es zum Einsatz und entfaltet seine beeindruckende Wirkung. Um die Erzählungen für das Publikum greifbarer zu machen, spannen die Darsteller*innen einen Bogen und erzählen in den 30-40 Minuten langen Passagen eine jeweils geschlossene Geschichte.

Die Studierenden haben mindestens zwei Rollen in den unterschiedlichen Stücken, manche – weil sie Teil eines Chores sind – sogar drei. Nach der teils sehr intensiven und anstrengenden Probenarbeit sind die jungen Schauspieler*innen voller Vorfreude auf die Aufführungen und hoffen auf zahlreiche Besucher*innen!

Aufgrund von Lockdown, Verschiebungen und anderen Projekten arbeiten die Studierenden des zweiten Jahrgangs seit mittlerweile einem Jahr an der Inszenierung mehrerer klassischer Theaterstoffe und müssen sich dabei enormen Herausforderungen stellen. Alles beginnt mit dem Lesen von diversen Stücken: von Molière bis Schiller und Werke der griechischen Antike. Die Stücke werden ausgewählt, die Rollen verteilt. Das Patriarchat soll zentrales Thema dieses klassischen Abends sein: Elektra, Lysistrata, Der eingebildete Kranke sowie Tartuffe und Turandot nehmen uns mit in eine Reise in die Geschichte. Die Klassiker von Aristophanes, Sophokles, Molière und Schiller haben alle eins gemeinsam: Die Frauen begehren aus unterschiedlichen Gründen und Motiven genauso unterschiedlich gegen die männlichen Strukturen auf. Zeitgenössische Stücke oder das psychologische Drama – das als nächstes auf dem Lehrplan für den 2. Jahrgang steht – sind natürlich leichter greifbar, die Figuren irgendwie näher an uns dran, aber eine Elektra zu verkörpern, die ihren Vater rächen und die Mutter tot sehen will, erfordert viel Reife und das Vermögen, sich in eine Figur hineinzufühlen, die Person nicht nur zu spielen, sondern zu verkörpern. Die Arbeit an der Rolle, deren Motive, Interpretation und glaubwürdige Darstellung stellen eine große Herausforderung an das eigene ICH – manch eine*n führt das an ihre*seine Grenzen, die es zu überschreiten gilt.

Obwohl die Stoffe teilweise so weit von uns weg sind und wir mit den unterschiedlichen Göttern und Mythen vielleicht nicht mehr so viel anfangen können, sind sie auf der anderen Seite erschreckend aktuell. So z.B. in Lysistrata: Es gilt in dem Stück Mittel und Wege zu finden, den Krieg zu beenden. Man muss das Geschehen auf der Bühne nicht einmal in die Jetzt-Zeit transponieren – das Publikum ist gefragt seine eigenen Gedanken damit zu verknüpfen. Eine weitere Besonderheit an diesem Projekt ist das chorische Sprechen. Im Unterricht steht es erst im 3. Jahr auf dem Lehrplan, aber sowohl bei Elektra als auch bei Lysistrata kommt es zum Einsatz und entfaltet seine beeindruckende Wirkung. Um die Erzählungen für das Publikum greifbarer zu machen, spannen die Darsteller*innen einen Bogen und erzählen in den 30-40 Minuten langen Passagen eine jeweils geschlossene Geschichte. Die Studierenden haben mindestens zwei Rollen in den unterschiedlichen Stücken, manche – weil sie Teil eines Chores sind – sogar drei. Nach der teils sehr intensiven und anstrengenden Probenarbeit sind die jungen Schauspieler*innen voller Vorfreude auf die Aufführungen und hoffen auf zahlreiche Besucher*innen!

Zum Inhalt:

Tartuffe von Molière
Tartuffe ist ein religiöser Heuchler, der sich das Vertrauen Orgons erschlichen hat. Er wird zum Zankapfel und zur Belastung für die ganze Familie, nachdem ihn Orgon erst dauerhaft im Hause beherbergt und dann sogar mit seiner Tochter vermählen möchte.

Der eingebildete Kranke von Molière
Der Hypochonder Argan, der sich nur einbildet, krank zu sein, zieht diverse Ärzte zu Rate, die die Einzigen sind, die ihm seine eingebildete Krankheit abnehmen und ihn in dieser unterstützen. Er möchte immer einen Doktor an seiner Seite haben und will seine älteste Tochter Angélique deshalb mit einem jungen Mediziner verheiraten.

Aufgrund von Lockdown, Verschiebungen und anderen Projekten arbeiten die Studierenden des zweiten Jahrgangs seit mittlerweile einem Jahr an der Inszenierung mehrerer klassischer Theaterstoffe und müssen sich dabei enormen Herausforderungen stellen. Alles beginnt mit dem Lesen von diversen Stücken: von Molière bis Schiller und Werke der griechischen Antike. Die Stücke werden ausgewählt, die Rollen verteilt. Das Patriarchat soll zentrales Thema dieses klassischen Abends sein: Elektra, Lysistrata, Der eingebildete Kranke sowie Tartuffe und Turandot nehmen uns mit in eine Reise in die Geschichte. Die Klassiker von Aristophanes, Sophokles, Molière und Schiller haben alle eins gemeinsam: Die Frauen begehren aus unterschiedlichen Gründen und Motiven genauso unterschiedlich gegen die männlichen Strukturen auf. Zeitgenössische Stücke oder das psychologische Drama – das als nächstes auf dem Lehrplan für den 2. Jahrgang steht – sind natürlich leichter greifbar, die Figuren irgendwie näher an uns dran, aber eine Elektra zu verkörpern, die ihren Vater rächen und die Mutter tot sehen will, erfordert viel Reife und das Vermögen, sich in eine Figur hineinzufühlen, die Person nicht nur zu spielen, sondern zu verkörpern. Die Arbeit an der Rolle, deren Motive, Interpretation und glaubwürdige Darstellung stellen eine große Herausforderung an das eigene ICH – manch eine*n führt das an ihre*seine Grenzen, die es zu überschreiten gilt.

Obwohl die Stoffe teilweise so weit von uns weg sind und wir mit den unterschiedlichen Göttern und Mythen vielleicht nicht mehr so viel anfangen können, sind sie auf der anderen Seite erschreckend aktuell. So z.B. in Lysistrata: Es gilt in dem Stück Mittel und Wege zu finden, den Krieg zu beenden. Man muss das Geschehen auf der Bühne nicht einmal in die Jetzt-Zeit transponieren – das Publikum ist gefragt seine eigenen Gedanken damit zu verknüpfen. Eine weitere Besonderheit an diesem Projekt ist das chorische Sprechen. Im Unterricht steht es erst im 3. Jahr auf dem Lehrplan, aber sowohl bei Elektra als auch bei Lysistrata kommt es zum Einsatz und entfaltet seine beeindruckende Wirkung. Um die Erzählungen für das Publikum greifbarer zu machen, spannen die Darsteller*innen einen Bogen und erzählen in den 30-40 Minuten langen Passagen eine jeweils geschlossene Geschichte.

Die Studierenden haben mindestens zwei Rollen in den unterschiedlichen Stücken, manche – weil sie Teil eines Chores sind – sogar drei. Nach der teils sehr intensiven und anstrengenden Probenarbeit sind die jungen Schauspieler*innen voller Vorfreude auf die Aufführungen und hoffen auf zahlreiche Besucher*innen!

Aufgrund von Lockdown, Verschiebungen und anderen Projekten arbeiten die Studierenden des zweiten Jahrgangs seit mittlerweile einem Jahr an der Inszenierung mehrerer klassischer Theaterstoffe und müssen sich dabei enormen Herausforderungen stellen. Alles beginnt mit dem Lesen von diversen Stücken: von Molière bis Schiller und Werke der griechischen Antike. Die Stücke werden ausgewählt, die Rollen verteilt. Das Patriarchat soll zentrales Thema dieses klassischen Abends sein: Elektra, Lysistrata, Der eingebildete Kranke sowie Tartuffe und Turandot nehmen uns mit in eine Reise in die Geschichte. Die Klassiker von Aristophanes, Sophokles, Molière und Schiller haben alle eins gemeinsam: Die Frauen begehren aus unterschiedlichen Gründen und Motiven genauso unterschiedlich gegen die männlichen Strukturen auf. Zeitgenössische Stücke oder das psychologische Drama – das als nächstes auf dem Lehrplan für den 2. Jahrgang steht – sind natürlich leichter greifbar, die Figuren irgendwie näher an uns dran, aber eine Elektra zu verkörpern, die ihren Vater rächen und die Mutter tot sehen will, erfordert viel Reife und das Vermögen, sich in eine Figur hineinzufühlen, die Person nicht nur zu spielen, sondern zu verkörpern. Die Arbeit an der Rolle, deren Motive, Interpretation und glaubwürdige Darstellung stellen eine große Herausforderung an das eigene ICH – manch eine*n führt das an ihre*seine Grenzen, die es zu überschreiten gilt.

Obwohl die Stoffe teilweise so weit von uns weg sind und wir mit den unterschiedlichen Göttern und Mythen vielleicht nicht mehr so viel anfangen können, sind sie auf der anderen Seite erschreckend aktuell. So z.B. in Lysistrata: Es gilt in dem Stück Mittel und Wege zu finden, den Krieg zu beenden. Man muss das Geschehen auf der Bühne nicht einmal in die Jetzt-Zeit transponieren – das Publikum ist gefragt seine eigenen Gedanken damit zu verknüpfen. Eine weitere Besonderheit an diesem Projekt ist das chorische Sprechen. Im Unterricht steht es erst im 3. Jahr auf dem Lehrplan, aber sowohl bei Elektra als auch bei Lysistrata kommt es zum Einsatz und entfaltet seine beeindruckende Wirkung. Um die Erzählungen für das Publikum greifbarer zu machen, spannen die Darsteller*innen einen Bogen und erzählen in den 30-40 Minuten langen Passagen eine jeweils geschlossene Geschichte. Die Studierenden haben mindestens zwei Rollen in den unterschiedlichen Stücken, manche – weil sie Teil eines Chores sind – sogar drei. Nach der teils sehr intensiven und anstrengenden Probenarbeit sind die jungen Schauspieler*innen voller Vorfreude auf die Aufführungen und hoffen auf zahlreiche Besucher*innen!

Zum Inhalt:

Tartuffe von Molière
Tartuffe ist ein religiöser Heuchler, der sich das Vertrauen Orgons erschlichen hat. Er wird zum Zankapfel und zur Belastung für die ganze Familie, nachdem ihn Orgon erst dauerhaft im Hause beherbergt und dann sogar mit seiner Tochter vermählen möchte.

Der eingebildete Kranke von Molière
Der Hypochonder Argan, der sich nur einbildet, krank zu sein, zieht diverse Ärzte zu Rate, die die Einzigen sind, die ihm seine eingebildete Krankheit abnehmen und ihn in dieser unterstützen. Er möchte immer einen Doktor an seiner Seite haben und will seine älteste Tochter Angélique deshalb mit einem jungen Mediziner verheiraten.

Aufgrund von Lockdown, Verschiebungen und anderen Projekten arbeiten die Studierenden des zweiten Jahrgangs seit mittlerweile einem Jahr an der Inszenierung mehrerer klassischer Theaterstoffe und müssen sich dabei enormen Herausforderungen stellen. Alles beginnt mit dem Lesen von diversen Stücken: von Molière bis Schiller und Werke der griechischen Antike. Die Stücke werden ausgewählt, die Rollen verteilt. Das Patriarchat soll zentrales Thema dieses klassischen Abends sein: Elektra, Lysistrata, Der eingebildete Kranke sowie Tartuffe und Turandot nehmen uns mit in eine Reise in die Geschichte. Die Klassiker von Aristophanes, Sophokles, Molière und Schiller haben alle eins gemeinsam: Die Frauen begehren aus unterschiedlichen Gründen und Motiven genauso unterschiedlich gegen die männlichen Strukturen auf. Zeitgenössische Stücke oder das psychologische Drama – das als nächstes auf dem Lehrplan für den 2. Jahrgang steht – sind natürlich leichter greifbar, die Figuren irgendwie näher an uns dran, aber eine Elektra zu verkörpern, die ihren Vater rächen und die Mutter tot sehen will, erfordert viel Reife und das Vermögen, sich in eine Figur hineinzufühlen, die Person nicht nur zu spielen, sondern zu verkörpern. Die Arbeit an der Rolle, deren Motive, Interpretation und glaubwürdige Darstellung stellen eine große Herausforderung an das eigene ICH – manch eine*n führt das an ihre*seine Grenzen, die es zu überschreiten gilt.

Obwohl die Stoffe teilweise so weit von uns weg sind und wir mit den unterschiedlichen Göttern und Mythen vielleicht nicht mehr so viel anfangen können, sind sie auf der anderen Seite erschreckend aktuell. So z.B. in Lysistrata: Es gilt in dem Stück Mittel und Wege zu finden, den Krieg zu beenden. Man muss das Geschehen auf der Bühne nicht einmal in die Jetzt-Zeit transponieren – das Publikum ist gefragt seine eigenen Gedanken damit zu verknüpfen. Eine weitere Besonderheit an diesem Projekt ist das chorische Sprechen. Im Unterricht steht es erst im 3. Jahr auf dem Lehrplan, aber sowohl bei Elektra als auch bei Lysistrata kommt es zum Einsatz und entfaltet seine beeindruckende Wirkung. Um die Erzählungen für das Publikum greifbarer zu machen, spannen die Darsteller*innen einen Bogen und erzählen in den 30-40 Minuten langen Passagen eine jeweils geschlossene Geschichte.

Die Studierenden haben mindestens zwei Rollen in den unterschiedlichen Stücken, manche – weil sie Teil eines Chores sind – sogar drei. Nach der teils sehr intensiven und anstrengenden Probenarbeit sind die jungen Schauspieler*innen voller Vorfreude auf die Aufführungen und hoffen auf zahlreiche Besucher*innen!

Aufgrund von Lockdown, Verschiebungen und anderen Projekten arbeiten die Studierenden des zweiten Jahrgangs seit mittlerweile einem Jahr an der Inszenierung mehrerer klassischer Theaterstoffe und müssen sich dabei enormen Herausforderungen stellen. Alles beginnt mit dem Lesen von diversen Stücken: von Molière bis Schiller und Werke der griechischen Antike. Die Stücke werden ausgewählt, die Rollen verteilt. Das Patriarchat soll zentrales Thema dieses klassischen Abends sein: Elektra, Lysistrata, Der eingebildete Kranke sowie Tartuffe und Turandot nehmen uns mit in eine Reise in die Geschichte. Die Klassiker von Aristophanes, Sophokles, Molière und Schiller haben alle eins gemeinsam: Die Frauen begehren aus unterschiedlichen Gründen und Motiven genauso unterschiedlich gegen die männlichen Strukturen auf. Zeitgenössische Stücke oder das psychologische Drama – das als nächstes auf dem Lehrplan für den 2. Jahrgang steht – sind natürlich leichter greifbar, die Figuren irgendwie näher an uns dran, aber eine Elektra zu verkörpern, die ihren Vater rächen und die Mutter tot sehen will, erfordert viel Reife und das Vermögen, sich in eine Figur hineinzufühlen, die Person nicht nur zu spielen, sondern zu verkörpern. Die Arbeit an der Rolle, deren Motive, Interpretation und glaubwürdige Darstellung stellen eine große Herausforderung an das eigene ICH – manch eine*n führt das an ihre*seine Grenzen, die es zu überschreiten gilt.

Obwohl die Stoffe teilweise so weit von uns weg sind und wir mit den unterschiedlichen Göttern und Mythen vielleicht nicht mehr so viel anfangen können, sind sie auf der anderen Seite erschreckend aktuell. So z.B. in Lysistrata: Es gilt in dem Stück Mittel und Wege zu finden, den Krieg zu beenden. Man muss das Geschehen auf der Bühne nicht einmal in die Jetzt-Zeit transponieren – das Publikum ist gefragt seine eigenen Gedanken damit zu verknüpfen. Eine weitere Besonderheit an diesem Projekt ist das chorische Sprechen. Im Unterricht steht es erst im 3. Jahr auf dem Lehrplan, aber sowohl bei Elektra als auch bei Lysistrata kommt es zum Einsatz und entfaltet seine beeindruckende Wirkung. Um die Erzählungen für das Publikum greifbarer zu machen, spannen die Darsteller*innen einen Bogen und erzählen in den 30-40 Minuten langen Passagen eine jeweils geschlossene Geschichte. Die Studierenden haben mindestens zwei Rollen in den unterschiedlichen Stücken, manche – weil sie Teil eines Chores sind – sogar drei. Nach der teils sehr intensiven und anstrengenden Probenarbeit sind die jungen Schauspieler*innen voller Vorfreude auf die Aufführungen und hoffen auf zahlreiche Besucher*innen!

Zum Inhalt:

Tartuffe von Molière
Tartuffe ist ein religiöser Heuchler, der sich das Vertrauen Orgons erschlichen hat. Er wird zum Zankapfel und zur Belastung für die ganze Familie, nachdem ihn Orgon erst dauerhaft im Hause beherbergt und dann sogar mit seiner Tochter vermählen möchte.

Der eingebildete Kranke von Molière
Der Hypochonder Argan, der sich nur einbildet, krank zu sein, zieht diverse Ärzte zu Rate, die die Einzigen sind, die ihm seine eingebildete Krankheit abnehmen und ihn in dieser unterstützen. Er möchte immer einen Doktor an seiner Seite haben und will seine älteste Tochter Angélique deshalb mit einem jungen Mediziner verheiraten.

Aufgrund von Lockdown, Verschiebungen und anderen Projekten arbeiten die Studierenden des zweiten Jahrgangs seit mittlerweile einem Jahr an der Inszenierung mehrerer klassischer Theaterstoffe und müssen sich dabei enormen Herausforderungen stellen. Alles beginnt mit dem Lesen von diversen Stücken: von Molière bis Schiller und Werke der griechischen Antike. Die Stücke werden ausgewählt, die Rollen verteilt. Das Patriarchat soll zentrales Thema dieses klassischen Abends sein: Elektra, Lysistrata, Der eingebildete Kranke sowie Tartuffe und Turandot nehmen uns mit in eine Reise in die Geschichte. Die Klassiker von Aristophanes, Sophokles, Molière und Schiller haben alle eins gemeinsam: Die Frauen begehren aus unterschiedlichen Gründen und Motiven genauso unterschiedlich gegen die männlichen Strukturen auf. Zeitgenössische Stücke oder das psychologische Drama – das als nächstes auf dem Lehrplan für den 2. Jahrgang steht – sind natürlich leichter greifbar, die Figuren irgendwie näher an uns dran, aber eine Elektra zu verkörpern, die ihren Vater rächen und die Mutter tot sehen will, erfordert viel Reife und das Vermögen, sich in eine Figur hineinzufühlen, die Person nicht nur zu spielen, sondern zu verkörpern. Die Arbeit an der Rolle, deren Motive, Interpretation und glaubwürdige Darstellung stellen eine große Herausforderung an das eigene ICH – manch eine*n führt das an ihre*seine Grenzen, die es zu überschreiten gilt.

Obwohl die Stoffe teilweise so weit von uns weg sind und wir mit den unterschiedlichen Göttern und Mythen vielleicht nicht mehr so viel anfangen können, sind sie auf der anderen Seite erschreckend aktuell. So z.B. in Lysistrata: Es gilt in dem Stück Mittel und Wege zu finden, den Krieg zu beenden. Man muss das Geschehen auf der Bühne nicht einmal in die Jetzt-Zeit transponieren – das Publikum ist gefragt seine eigenen Gedanken damit zu verknüpfen. Eine weitere Besonderheit an diesem Projekt ist das chorische Sprechen. Im Unterricht steht es erst im 3. Jahr auf dem Lehrplan, aber sowohl bei Elektra als auch bei Lysistrata kommt es zum Einsatz und entfaltet seine beeindruckende Wirkung. Um die Erzählungen für das Publikum greifbarer zu machen, spannen die Darsteller*innen einen Bogen und erzählen in den 30-40 Minuten langen Passagen eine jeweils geschlossene Geschichte.

Die Studierenden haben mindestens zwei Rollen in den unterschiedlichen Stücken, manche – weil sie Teil eines Chores sind – sogar drei. Nach der teils sehr intensiven und anstrengenden Probenarbeit sind die jungen Schauspieler*innen voller Vorfreude auf die Aufführungen und hoffen auf zahlreiche Besucher*innen!

Aufgrund von Lockdown, Verschiebungen und anderen Projekten arbeiten die Studierenden des zweiten Jahrgangs seit mittlerweile einem Jahr an der Inszenierung mehrerer klassischer Theaterstoffe und müssen sich dabei enormen Herausforderungen stellen. Alles beginnt mit dem Lesen von diversen Stücken: von Molière bis Schiller und Werke der griechischen Antike. Die Stücke werden ausgewählt, die Rollen verteilt. Das Patriarchat soll zentrales Thema dieses klassischen Abends sein: Elektra, Lysistrata, Der eingebildete Kranke sowie Tartuffe und Turandot nehmen uns mit in eine Reise in die Geschichte. Die Klassiker von Aristophanes, Sophokles, Molière und Schiller haben alle eins gemeinsam: Die Frauen begehren aus unterschiedlichen Gründen und Motiven genauso unterschiedlich gegen die männlichen Strukturen auf. Zeitgenössische Stücke oder das psychologische Drama – das als nächstes auf dem Lehrplan für den 2. Jahrgang steht – sind natürlich leichter greifbar, die Figuren irgendwie näher an uns dran, aber eine Elektra zu verkörpern, die ihren Vater rächen und die Mutter tot sehen will, erfordert viel Reife und das Vermögen, sich in eine Figur hineinzufühlen, die Person nicht nur zu spielen, sondern zu verkörpern. Die Arbeit an der Rolle, deren Motive, Interpretation und glaubwürdige Darstellung stellen eine große Herausforderung an das eigene ICH – manch eine*n führt das an ihre*seine Grenzen, die es zu überschreiten gilt.

Obwohl die Stoffe teilweise so weit von uns weg sind und wir mit den unterschiedlichen Göttern und Mythen vielleicht nicht mehr so viel anfangen können, sind sie auf der anderen Seite erschreckend aktuell. So z.B. in Lysistrata: Es gilt in dem Stück Mittel und Wege zu finden, den Krieg zu beenden. Man muss das Geschehen auf der Bühne nicht einmal in die Jetzt-Zeit transponieren – das Publikum ist gefragt seine eigenen Gedanken damit zu verknüpfen. Eine weitere Besonderheit an diesem Projekt ist das chorische Sprechen. Im Unterricht steht es erst im 3. Jahr auf dem Lehrplan, aber sowohl bei Elektra als auch bei Lysistrata kommt es zum Einsatz und entfaltet seine beeindruckende Wirkung. Um die Erzählungen für das Publikum greifbarer zu machen, spannen die Darsteller*innen einen Bogen und erzählen in den 30-40 Minuten langen Passagen eine jeweils geschlossene Geschichte. Die Studierenden haben mindestens zwei Rollen in den unterschiedlichen Stücken, manche – weil sie Teil eines Chores sind – sogar drei. Nach der teils sehr intensiven und anstrengenden Probenarbeit sind die jungen Schauspieler*innen voller Vorfreude auf die Aufführungen und hoffen auf zahlreiche Besucher*innen!

Zum Inhalt:

Tartuffe von Molière
Tartuffe ist ein religiöser Heuchler, der sich das Vertrauen Orgons erschlichen hat. Er wird zum Zankapfel und zur Belastung für die ganze Familie, nachdem ihn Orgon erst dauerhaft im Hause beherbergt und dann sogar mit seiner Tochter vermählen möchte.

Der eingebildete Kranke von Molière
Der Hypochonder Argan, der sich nur einbildet, krank zu sein, zieht diverse Ärzte zu Rate, die die Einzigen sind, die ihm seine eingebildete Krankheit abnehmen und ihn in dieser unterstützen. Er möchte immer einen Doktor an seiner Seite haben und will seine älteste Tochter Angélique deshalb mit einem jungen Mediziner verheiraten.

Passau, Grubweg, Athanor Akademie, Theatersaal. Die Erde vom Atomkrieg zerstört, die Polarkappen geschmolzen, alle Ressourcen schon seit Ewigkeiten aufgebraucht. Unsere Welt, wie wir sie kennen, ist schon längst Vergangenheit. – Nichts gibt es mehr, nirgends gibt es mehr. Hier und jetzt. Was wird von uns bleiben, wenn wir mal nicht mehr sind?

Dieser Frage stellt sich Thomas Köck, zweifacher Preisträger des Mühlheimer Dramatikerpreises, in seinem neusten Stück: „eure paläste sind leer (all we ever wanted). eine missa in cantu“ Ein namenloses Ich wandelt durch die Hallen einer untergegangenen Kultur, konfrontiert mit den Geistern der Vergangenheit. Diese erscheinen als Konquistadoren, die unter dem Kreuz der
katholischen Kirche, auf der Suche nach Eldorado, immer tiefer in den Dschungel eindringen und dabei den Grundstein für die Ausbeutung der Welt legen. Oder als diese vermeintlich ganz normalen Menschen der Mittelschicht, die von der Profitgier der Pharma-Industrie zu Opiatjunkies gemacht werden.

In der Abschlussinszenierung von Florian Beck begibt sich eine Gruppe junger Theaterschaffender auf die Suche nach eben diesen leeren Palästen, um jene Geister der Vergangenheit zu beschwören und den Theaterritus aufrecht zu erhalten. Und sie spielen trotzdem. Sie spielen trotz alledem, was passieren wird oder schon passiert ist. Florian Beck übersetzt Köcks
hochmusikalische Sprache durch einen Klangteppich, der mehr ist als bloße Untermalung. Popsongs, Hymnen, Choräle – Köck greift tief hinein in unser kulturelles Gedächtnis und dreht das poetische Radio auf volle Lautstärke. Ein akustischer Spielplatz für das Ensemble, dass den ganzen Abend also nicht nur ein Stück, sondern auch ein musikalisches Mosaik performt: Musik, die das Unaussprechliche hör- und sagbar macht.

Dass Florian Beck dieses Werk, das erst vor Kurzem seine Premiere an den Münchner Kammerspielen feierte, als Abschlussinszenierung machen wollte, war ihm bereits nach dem ersten Lesen klar: „Köcks Stück ist ein wahnsinnig dichter und vielschichtiger Text und vor allem einer, der aktueller nicht sein könnte. Er ist meiner Ansicht nach für mich und meine Generation
geschrieben: Wir, die wir vieles – wie etwa den voranschreitenden Klimawandel – nicht mehr grundlegend ändern können. Die aufgewachsen sind in Denkstrukturen und Systemen, die alternativlos erscheinen oder zumindest als so postuliert. „eure Paläste sind leer“ stellt die Sinnfragen, die uns beschäftigen und liefert keine einfachen Antworten. Vielmehr ein sprachliches und dramaturgisches Feuerwerk, das mich vom ersten Moment an begeistert hat. Wir freuen uns sehr, dass wir – mit ausdrücklicher Erlaubnis des Autors – diesen Text, den Köck während des Lockdowns geschrieben hat, in Passau nun auf die Bühne bringen dürfen.“

Passau, Grubweg, Athanor Akademie, Theatersaal. Die Erde vom Atomkrieg zerstört, die Polarkappen geschmolzen, alle Ressourcen schon seit Ewigkeiten aufgebraucht. Unsere Welt, wie wir sie kennen, ist schon längst Vergangenheit. – Nichts gibt es mehr, nirgends gibt es mehr. Hier und jetzt. Was wird von uns bleiben, wenn wir mal nicht mehr sind?

Dieser Frage stellt sich Thomas Köck, zweifacher Preisträger des Mühlheimer Dramatikerpreises, in seinem neusten Stück: „eure paläste sind leer (all we ever wanted). eine missa in cantu“ Ein namenloses Ich wandelt durch die Hallen einer untergegangenen Kultur, konfrontiert mit den Geistern der Vergangenheit. Diese erscheinen als Konquistadoren, die unter dem Kreuz der
katholischen Kirche, auf der Suche nach Eldorado, immer tiefer in den Dschungel eindringen und dabei den Grundstein für die Ausbeutung der Welt legen. Oder als diese vermeintlich ganz normalen Menschen der Mittelschicht, die von der Profitgier der Pharma-Industrie zu Opiatjunkies gemacht werden.

In der Abschlussinszenierung von Florian Beck begibt sich eine Gruppe junger Theaterschaffender auf die Suche nach eben diesen leeren Palästen, um jene Geister der Vergangenheit zu beschwören und den Theaterritus aufrecht zu erhalten. Und sie spielen trotzdem. Sie spielen trotz alledem, was passieren wird oder schon passiert ist. Florian Beck übersetzt Köcks
hochmusikalische Sprache durch einen Klangteppich, der mehr ist als bloße Untermalung. Popsongs, Hymnen, Choräle – Köck greift tief hinein in unser kulturelles Gedächtnis und dreht das poetische Radio auf volle Lautstärke. Ein akustischer Spielplatz für das Ensemble, dass den ganzen Abend also nicht nur ein Stück, sondern auch ein musikalisches Mosaik performt: Musik, die das Unaussprechliche hör- und sagbar macht.

Dass Florian Beck dieses Werk, das erst vor Kurzem seine Premiere an den Münchner Kammerspielen feierte, als Abschlussinszenierung machen wollte, war ihm bereits nach dem ersten Lesen klar: „Köcks Stück ist ein wahnsinnig dichter und vielschichtiger Text und vor allem einer, der aktueller nicht sein könnte. Er ist meiner Ansicht nach für mich und meine Generation
geschrieben: Wir, die wir vieles – wie etwa den voranschreitenden Klimawandel – nicht mehr grundlegend ändern können. Die aufgewachsen sind in Denkstrukturen und Systemen, die alternativlos erscheinen oder zumindest als so postuliert. „eure Paläste sind leer“ stellt die Sinnfragen, die uns beschäftigen und liefert keine einfachen Antworten. Vielmehr ein sprachliches und dramaturgisches Feuerwerk, das mich vom ersten Moment an begeistert hat. Wir freuen uns sehr, dass wir – mit ausdrücklicher Erlaubnis des Autors – diesen Text, den Köck während des Lockdowns geschrieben hat, in Passau nun auf die Bühne bringen dürfen.“

Passau, Grubweg, Athanor Akademie, Theatersaal. Die Erde vom Atomkrieg zerstört, die Polarkappen geschmolzen, alle Ressourcen schon seit Ewigkeiten aufgebraucht. Unsere Welt, wie wir sie kennen, ist schon längst Vergangenheit. – Nichts gibt es mehr, nirgends gibt es mehr. Hier und jetzt. Was wird von uns bleiben, wenn wir mal nicht mehr sind?

Dieser Frage stellt sich Thomas Köck, zweifacher Preisträger des Mühlheimer Dramatikerpreises, in seinem neusten Stück: „eure paläste sind leer (all we ever wanted). eine missa in cantu“ Ein namenloses Ich wandelt durch die Hallen einer untergegangenen Kultur, konfrontiert mit den Geistern der Vergangenheit. Diese erscheinen als Konquistadoren, die unter dem Kreuz der
katholischen Kirche, auf der Suche nach Eldorado, immer tiefer in den Dschungel eindringen und dabei den Grundstein für die Ausbeutung der Welt legen. Oder als diese vermeintlich ganz normalen Menschen der Mittelschicht, die von der Profitgier der Pharma-Industrie zu Opiatjunkies gemacht werden.

In der Abschlussinszenierung von Florian Beck begibt sich eine Gruppe junger Theaterschaffender auf die Suche nach eben diesen leeren Palästen, um jene Geister der Vergangenheit zu beschwören und den Theaterritus aufrecht zu erhalten. Und sie spielen trotzdem. Sie spielen trotz alledem, was passieren wird oder schon passiert ist. Florian Beck übersetzt Köcks
hochmusikalische Sprache durch einen Klangteppich, der mehr ist als bloße Untermalung. Popsongs, Hymnen, Choräle – Köck greift tief hinein in unser kulturelles Gedächtnis und dreht das poetische Radio auf volle Lautstärke. Ein akustischer Spielplatz für das Ensemble, dass den ganzen Abend also nicht nur ein Stück, sondern auch ein musikalisches Mosaik performt: Musik, die das Unaussprechliche hör- und sagbar macht.

Dass Florian Beck dieses Werk, das erst vor Kurzem seine Premiere an den Münchner Kammerspielen feierte, als Abschlussinszenierung machen wollte, war ihm bereits nach dem ersten Lesen klar: „Köcks Stück ist ein wahnsinnig dichter und vielschichtiger Text und vor allem einer, der aktueller nicht sein könnte. Er ist meiner Ansicht nach für mich und meine Generation
geschrieben: Wir, die wir vieles – wie etwa den voranschreitenden Klimawandel – nicht mehr grundlegend ändern können. Die aufgewachsen sind in Denkstrukturen und Systemen, die alternativlos erscheinen oder zumindest als so postuliert. „eure Paläste sind leer“ stellt die Sinnfragen, die uns beschäftigen und liefert keine einfachen Antworten. Vielmehr ein sprachliches und dramaturgisches Feuerwerk, das mich vom ersten Moment an begeistert hat. Wir freuen uns sehr, dass wir – mit ausdrücklicher Erlaubnis des Autors – diesen Text, den Köck während des Lockdowns geschrieben hat, in Passau nun auf die Bühne bringen dürfen.“

Passau, Grubweg, Athanor Akademie, Theatersaal. Die Erde vom Atomkrieg zerstört, die Polarkappen geschmolzen, alle Ressourcen schon seit Ewigkeiten aufgebraucht. Unsere Welt, wie wir sie kennen, ist schon längst Vergangenheit. – Nichts gibt es mehr, nirgends gibt es mehr. Hier und jetzt. Was wird von uns bleiben, wenn wir mal nicht mehr sind?

Dieser Frage stellt sich Thomas Köck, zweifacher Preisträger des Mühlheimer Dramatikerpreises, in seinem neusten Stück: „eure paläste sind leer (all we ever wanted). eine missa in cantu“ Ein namenloses Ich wandelt durch die Hallen einer untergegangenen Kultur, konfrontiert mit den Geistern der Vergangenheit. Diese erscheinen als Konquistadoren, die unter dem Kreuz der
katholischen Kirche, auf der Suche nach Eldorado, immer tiefer in den Dschungel eindringen und dabei den Grundstein für die Ausbeutung der Welt legen. Oder als diese vermeintlich ganz normalen Menschen der Mittelschicht, die von der Profitgier der Pharma-Industrie zu Opiatjunkies gemacht werden.

In der Abschlussinszenierung von Florian Beck begibt sich eine Gruppe junger Theaterschaffender auf die Suche nach eben diesen leeren Palästen, um jene Geister der Vergangenheit zu beschwören und den Theaterritus aufrecht zu erhalten. Und sie spielen trotzdem. Sie spielen trotz alledem, was passieren wird oder schon passiert ist. Florian Beck übersetzt Köcks
hochmusikalische Sprache durch einen Klangteppich, der mehr ist als bloße Untermalung. Popsongs, Hymnen, Choräle – Köck greift tief hinein in unser kulturelles Gedächtnis und dreht das poetische Radio auf volle Lautstärke. Ein akustischer Spielplatz für das Ensemble, dass den ganzen Abend also nicht nur ein Stück, sondern auch ein musikalisches Mosaik performt: Musik, die das Unaussprechliche hör- und sagbar macht.

Dass Florian Beck dieses Werk, das erst vor Kurzem seine Premiere an den Münchner Kammerspielen feierte, als Abschlussinszenierung machen wollte, war ihm bereits nach dem ersten Lesen klar: „Köcks Stück ist ein wahnsinnig dichter und vielschichtiger Text und vor allem einer, der aktueller nicht sein könnte. Er ist meiner Ansicht nach für mich und meine Generation
geschrieben: Wir, die wir vieles – wie etwa den voranschreitenden Klimawandel – nicht mehr grundlegend ändern können. Die aufgewachsen sind in Denkstrukturen und Systemen, die alternativlos erscheinen oder zumindest als so postuliert. „eure Paläste sind leer“ stellt die Sinnfragen, die uns beschäftigen und liefert keine einfachen Antworten. Vielmehr ein sprachliches und dramaturgisches Feuerwerk, das mich vom ersten Moment an begeistert hat. Wir freuen uns sehr, dass wir – mit ausdrücklicher Erlaubnis des Autors – diesen Text, den Köck während des Lockdowns geschrieben hat, in Passau nun auf die Bühne bringen dürfen.“

Jeder begibt sich auf seine künstlerische Reise, arbeitet individuell für sich, an seiner Geschichte. Am Schluss gibt es eine kollektive Präsentation. Wir laden die Zuschauer an diesem Wochenende ein, durch die Akademie zu wandern und sich überraschen zu lassen. Der 3. Jahrgang - 11 Künstler - Theater, Performance, Musik...

Die Studierenden bestimmen selbst, wohin die Reise geht. Was ist ihr Thema? Woher nehmen Sie ihre Inspiration? Welche Form wählen Sie? Sie stellen sich selbst einem Experiment, probieren etwas aus, was man noch nie gemacht hat, denken um die Ecke und finden eine eigene künstlerische Übersetzung. Ein Monolog, ein Kunstwerk, ein Song, ein Gedicht, ein philosophischer Satz, ein Zeitungsartikel, ein Bild, ein historisches Gemälde, ein Film, ein Traum, ein Tanz...???

Jede*r inszeniert sich selbst - alleine oder mit einem Kollegen, oder nur den Kollegen, oder den Busfahrer, oder den eigenen Therapeuten, wechseln die Seiten (Schauspiel-Regie), auf der Bühne - alles ist Bühne: alles kann, nichts muss!

Kunst ist Chef.
Scheitern ist erlaubt. Sie haben den Mut, roh zu sein, nicht fertig, utopisch zu sein. SPIELEN! STAUNEN! MACHEN!

Jeder begibt sich auf seine künstlerische Reise, arbeitet individuell für sich, an seiner Geschichte. Am Schluss gibt es eine kollektive Präsentation. Wir laden die Zuschauer an diesem Wochenende ein, durch die Akademie zu wandern und sich überraschen zu lassen. Der 3. Jahrgang - 11 Künstler - Theater, Performance, Musik...

Die Studierenden bestimmen selbst, wohin die Reise geht. Was ist ihr Thema? Woher nehmen Sie ihre Inspiration? Welche Form wählen Sie? Sie stellen sich selbst einem Experiment, probieren etwas aus, was man noch nie gemacht hat, denken um die Ecke und finden eine eigene künstlerische Übersetzung. Ein Monolog, ein Kunstwerk, ein Song, ein Gedicht, ein philosophischer Satz, ein Zeitungsartikel, ein Bild, ein historisches Gemälde, ein Film, ein Traum, ein Tanz...???

Jede*r inszeniert sich selbst - alleine oder mit einem Kollegen, oder nur den Kollegen, oder den Busfahrer, oder den eigenen Therapeuten, wechseln die Seiten (Schauspiel-Regie), auf der Bühne - alles ist Bühne: alles kann, nichts muss!

Kunst ist Chef.
Scheitern ist erlaubt. Sie haben den Mut, roh zu sein, nicht fertig, utopisch zu sein. SPIELEN! STAUNEN! MACHEN!

Der zweite Jahrgang der Athanor Akademie präsentiert „Der Sturm“ von William Shakespeare und „Die Vögel“ von Aristophanes. Unter der Regie von Anna Waibel und Lorenz Dauber sollen die Klassiker der Weltliteratur in einer bisher noch nie dagewesenen Form stattfinden. Eine Insel der geheimnisvollen Mächte und ein Zufluchtsort für ausgestoßenen Vögel. Die Zuschauer sind eingeladen sich einer Reise durch die Geschichte anzuschließen. Durch eine Welt der Wunder, der Hoffnung, der Liebe aber auch des Ungeheuren, des Mystischen und des Fanatischen.

“Der Sturm” von Shakespeare erzählt von dem Schicksal des ehemaligen Herzog Mailands Prospero. Prospero ist durch eine Intrige seines Bruders auf einer Insel gestrandet, auf der der Luftgeist Ariel und der Hexensohn Caliban ihr Unwesen treiben. Mit dabei hat er nur seine Zauberbücher und seine Tochter Miranda, die er die letzten 12 Jahre auf der Insel großzog. Prospero befiehlt Ariel, einen Sturm heraufzubeschwören, der das Schiff des Königs von Neapel kentern und den Prinzen Ferdinand auf der Insel stranden lässt. Prosperos Absicht ist es, Miranda und Ferdinand zusammenzubringen, um Miranda das Leben zu ermöglichen, welches ihr eigentlich von Geburt an zustand.

Besonders wichtig in der Inszenierung ist für die Regisseurin Anna Waibel die Frage, wie weit man gehen und andere Personen schädigen darf, um an sein Ziel zu gelangen. Die antike Komödie “Die Vögel” vom griechischen Dichter Aristophanes erzählt die Machtergreifung der Vögel über die Menschen. Ursprünglich als Kritik an Perikles gedacht, hat der Stoff über die Jahre nichts von seiner Aktualität verloren. Euelpides und Pisthetairos, zwei gescheiterte Athener, begeben sich auf die Reise zum Wiedehopf. Ihre Hoffnung dabei ist, dass er ihnen einen Ort nennen kann, “wo weich und warm man in der Wolle sitzt.”

Für den Regisseur Lorenz Dauber geht es bei der Inszenierung vor allem darum, wie gerade die Ausgestoßenen der Gesellschaft durch nette Versprechungen beeinflusst werden können. Und dabei wird so manche dumme Idee auf einmal zu einem scheinbar genialen Einfall. “Was macht - fernab von biologischen Tatsachen - einen Vogel zum Vogel? Was macht einen Menschen zum Menschen? ‘Die Vögel’ ist ein Versuch, sich dieser Frage mit einem Augenzwinkern anzunähern.”

Der zweite Jahrgang der Athanor Akademie präsentiert „Der Sturm“ von William Shakespeare und „Die Vögel“ von Aristophanes. Unter der Regie von Anna Waibel und Lorenz Dauber sollen die Klassiker der Weltliteratur in einer bisher noch nie dagewesenen Form stattfinden. Eine Insel der geheimnisvollen Mächte und ein Zufluchtsort für ausgestoßenen Vögel. Die Zuschauer sind eingeladen sich einer Reise durch die Geschichte anzuschließen. Durch eine Welt der Wunder, der Hoffnung, der Liebe aber auch des Ungeheuren, des Mystischen und des Fanatischen.

“Der Sturm” von Shakespeare erzählt von dem Schicksal des ehemaligen Herzog Mailands Prospero. Prospero ist durch eine Intrige seines Bruders auf einer Insel gestrandet, auf der der Luftgeist Ariel und der Hexensohn Caliban ihr Unwesen treiben. Mit dabei hat er nur seine Zauberbücher und seine Tochter Miranda, die er die letzten 12 Jahre auf der Insel großzog. Prospero befiehlt Ariel, einen Sturm heraufzubeschwören, der das Schiff des Königs von Neapel kentern und den Prinzen Ferdinand auf der Insel stranden lässt. Prosperos Absicht ist es, Miranda und Ferdinand zusammenzubringen, um Miranda das Leben zu ermöglichen, welches ihr eigentlich von Geburt an zustand.

Besonders wichtig in der Inszenierung ist für die Regisseurin Anna Waibel die Frage, wie weit man gehen und andere Personen schädigen darf, um an sein Ziel zu gelangen. Die antike Komödie “Die Vögel” vom griechischen Dichter Aristophanes erzählt die Machtergreifung der Vögel über die Menschen. Ursprünglich als Kritik an Perikles gedacht, hat der Stoff über die Jahre nichts von seiner Aktualität verloren. Euelpides und Pisthetairos, zwei gescheiterte Athener, begeben sich auf die Reise zum Wiedehopf. Ihre Hoffnung dabei ist, dass er ihnen einen Ort nennen kann, “wo weich und warm man in der Wolle sitzt.”

Für den Regisseur Lorenz Dauber geht es bei der Inszenierung vor allem darum, wie gerade die Ausgestoßenen der Gesellschaft durch nette Versprechungen beeinflusst werden können. Und dabei wird so manche dumme Idee auf einmal zu einem scheinbar genialen Einfall. “Was macht - fernab von biologischen Tatsachen - einen Vogel zum Vogel? Was macht einen Menschen zum Menschen? ‘Die Vögel’ ist ein Versuch, sich dieser Frage mit einem Augenzwinkern anzunähern.”

Der zweite Jahrgang der Athanor Akademie präsentiert „Der Sturm“ von William Shakespeare und „Die Vögel“ von Aristophanes. Unter der Regie von Anna Waibel und Lorenz Dauber sollen die Klassiker der Weltliteratur in einer bisher noch nie dagewesenen Form stattfinden. Eine Insel der geheimnisvollen Mächte und ein Zufluchtsort für ausgestoßenen Vögel. Die Zuschauer sind eingeladen sich einer Reise durch die Geschichte anzuschließen. Durch eine Welt der Wunder, der Hoffnung, der Liebe aber auch des Ungeheuren, des Mystischen und des Fanatischen.

“Der Sturm” von Shakespeare erzählt von dem Schicksal des ehemaligen Herzog Mailands Prospero. Prospero ist durch eine Intrige seines Bruders auf einer Insel gestrandet, auf der der Luftgeist Ariel und der Hexensohn Caliban ihr Unwesen treiben. Mit dabei hat er nur seine Zauberbücher und seine Tochter Miranda, die er die letzten 12 Jahre auf der Insel großzog. Prospero befiehlt Ariel, einen Sturm heraufzubeschwören, der das Schiff des Königs von Neapel kentern und den Prinzen Ferdinand auf der Insel stranden lässt. Prosperos Absicht ist es, Miranda und Ferdinand zusammenzubringen, um Miranda das Leben zu ermöglichen, welches ihr eigentlich von Geburt an zustand.

Besonders wichtig in der Inszenierung ist für die Regisseurin Anna Waibel die Frage, wie weit man gehen und andere Personen schädigen darf, um an sein Ziel zu gelangen. Die antike Komödie “Die Vögel” vom griechischen Dichter Aristophanes erzählt die Machtergreifung der Vögel über die Menschen. Ursprünglich als Kritik an Perikles gedacht, hat der Stoff über die Jahre nichts von seiner Aktualität verloren. Euelpides und Pisthetairos, zwei gescheiterte Athener, begeben sich auf die Reise zum Wiedehopf. Ihre Hoffnung dabei ist, dass er ihnen einen Ort nennen kann, “wo weich und warm man in der Wolle sitzt.”

Für den Regisseur Lorenz Dauber geht es bei der Inszenierung vor allem darum, wie gerade die Ausgestoßenen der Gesellschaft durch nette Versprechungen beeinflusst werden können. Und dabei wird so manche dumme Idee auf einmal zu einem scheinbar genialen Einfall. “Was macht - fernab von biologischen Tatsachen - einen Vogel zum Vogel? Was macht einen Menschen zum Menschen? ‘Die Vögel’ ist ein Versuch, sich dieser Frage mit einem Augenzwinkern anzunähern.”

»ypsilós« kreist um Nietzsches Begriff der Dionysischen, um die Idee also, dass der Mensch einen Zustand erreichen kann, in dem er nicht länger ein individuelles Ich oder eine Identität ist, sondern in einer ursprünglichen Einheit aufgeht, von der Nietzsche sagt, dass sie in »Schauern des Rausches« lebt. Wir werden die Implikationen verfolgen, die dieser Begriff für unsere
heutige Gesellschaft hat – und für die Idee der Liebe.

Der Begriff des Dionysischen verweist auf den Versuch, eine Erfahrung jenseits des Selbst und des eigenen Status zu machen. In welchem Verhältnis steht das Dionysische zu der Art und Weise, wie wir Liebe und Beziehungen heute erfahren? Wenn wir von Liebe sprechen, denken wir oft an Vervollkommnung. Die Vorstellung, dass der andere Teil unseres Ego werden könnte, dass wir irgendwie »eins werden« können.

Ist diese Suche nach »Einheit« in unserer Gesellschaft und in unseren Beziehungen heute noch relevant? Suchen wir wirklich nach Liebe, Zusammenhalt und Gemeinschaft? Sind wir eher nach der Idee eines Gefühls süchtig als nach dem Gefühl selbst. Verzehren wir uns nicht nach Ekstase, Verzauberung, Erschütterung?

»ypsilós« ist eine Tanzperformance die das menschliche Streben danach, »etwas zu spüren«, nach »Rausch« infrage stellt. Wir durchleben im »ypsilós« die Frustrationen und die Freuden der Jagd, wir portraitieren die Verzweifelten, die Heiligen und Gesegneten, die Defätisten und die Eskapisten, in einem Stoss von reiner Körperlichkeit und Gefühlsporno.

»ypsilós« ist eine Ode an das Hemmungslose, an die Entgrenzung, die ursprüngliche Einheit, heißt aufrichtig versuchen, sich zu vereinen und zu verbinden. »ypsilós« ist eine Reflexion auf das Chaos in der Suche nach Rausch und Liebe. Machst du also mit, in unserem Schauer des Rausches?

»ypsilós« kreist um Nietzsches Begriff der Dionysischen, um die Idee also, dass der Mensch einen Zustand erreichen kann, in dem er nicht länger ein individuelles Ich oder eine Identität ist, sondern in einer ursprünglichen Einheit aufgeht, von der Nietzsche sagt, dass sie in »Schauern des Rausches« lebt. Wir werden die Implikationen verfolgen, die dieser Begriff für unsere
heutige Gesellschaft hat – und für die Idee der Liebe.

Der Begriff des Dionysischen verweist auf den Versuch, eine Erfahrung jenseits des Selbst und des eigenen Status zu machen. In welchem Verhältnis steht das Dionysische zu der Art und Weise, wie wir Liebe und Beziehungen heute erfahren? Wenn wir von Liebe sprechen, denken wir oft an Vervollkommnung. Die Vorstellung, dass der andere Teil unseres Ego werden könnte, dass wir irgendwie »eins werden« können.

Ist diese Suche nach »Einheit« in unserer Gesellschaft und in unseren Beziehungen heute noch relevant? Suchen wir wirklich nach Liebe, Zusammenhalt und Gemeinschaft? Sind wir eher nach der Idee eines Gefühls süchtig als nach dem Gefühl selbst. Verzehren wir uns nicht nach Ekstase, Verzauberung, Erschütterung?

»ypsilós« ist eine Tanzperformance die das menschliche Streben danach, »etwas zu spüren«, nach »Rausch« infrage stellt. Wir durchleben im »ypsilós« die Frustrationen und die Freuden der Jagd, wir portraitieren die Verzweifelten, die Heiligen und Gesegneten, die Defätisten und die Eskapisten, in einem Stoss von reiner Körperlichkeit und Gefühlsporno.

»ypsilós« ist eine Ode an das Hemmungslose, an die Entgrenzung, die ursprüngliche Einheit, heißt aufrichtig versuchen, sich zu vereinen und zu verbinden. »ypsilós« ist eine Reflexion auf das Chaos in der Suche nach Rausch und Liebe. Machst du also mit, in unserem Schauer des Rausches?

Erby-Theater präsentiert stolz die Produktion „Der Geizige“, von Moliére. Nach zwei erfolgreichen Tourneejahren mit dem Kulturmobil des Bezirks Niederbayern freut sich das eingeschweißte Ensemble auf eine neue Runde - diese liebeswert bekloppten Figuren haben noch lange nicht genug. Sie wollen doch nur SPIELEN! Es geht weiter!

Mit den Dozierenden und Ehemaligen Athanor Studierenden hat sich ein Ensemble gefunden, welches mit seiner Spielfreude und Virtuosität gerne weiter die Theater-Fetzen fliegen lassen möchte. Sie werden nicht müde, die tragisch-komischen Sehnsüchte und Abgründe ihrer Figuren weiter zu treiben und ihre Fantasie und Humorfabrik auf Hochtouren laufen zu lassen.

Zum Sommerfest anlässlich des Abschlusses des Akademiejahres möchten wir alle Kultur-, Schauspiel- oder RegieInteressierten aus unserer Region herzlich zum Sommerfest mit Akademieführungen, Workshops, Konzerten und Theater Vorstellung einladen.

Akademieleiter Sebastian Goller führt durch die Räume der Akademie, lässt hinter die Kulissen blicken und gibt einen Einblick in die Arbeit der Schauspiel- und Regiestudierenden und deren Dozent*innen. Regiedozent und stellv. Akademieleiter Achim Bieler startet um 14 Uhr mit einem Workshop „Schauspiel“, in den Sie unbedingt reinschnuppern sollten, egal ob als Aktive*r oder als Zuschauer*in. Dauer: ca. 1 Stunde.

Um 15 Uhr hält Dozent Walter Anichhofer einen Workshop zum Thema "Spiel mit der Maske". Gemeinsam mit den Schauspielstudierenden des 2.Jahrgangs gibt er einen Einblick in die spannende Welt des Maskenspiels. Die Besucherinnen und Besucher haben die Möglichkeit mitzumachen. Dauer: ca. 1 Stunde.

Bevor das Abendprogramm startet, gibt es viel Zeit und Gelegenheit sich mit den Studierenden und Dozierenden auszutauschen, Fragen zu stellen, oder sich von den Künstlern inspirieren zu lassen.
Die Athanor Akademie versteht sich selbst als freier, künstlerischer Raum, als Labor für einen schöpferischen Erkenntnisweg, der das Gewissen unserer Zeit in unterschiedlichen Formen und Stilen repräsentiert. Gerade deshalb möchten wir auch unsere Verbundenheit zu Künstler*innen aus der Region zeigen, und freuen uns um 17 Uhr auf das Konzert des „Nachwuchs-Duos“
Barbara Dorsch und Darwin Schloer, die man in Passau bestimmt nicht mehr vorstellen muss. Sie stellen Ihr Konzert unter das Motto „Sprachverfall“ und interpretieren einen dadaistischen Text.

Um 19:30 Uhr wird es exklusiv, klassisch – und lustig: Erby-Theater präsentiert stolz die Produktion „Der Geizige“, von Moliére. Mit den Dozierenden und ehemaligen Athanor Studierenden hat sich ein Ensemble gefunden, welches mit seiner Spielfreude und Virtuosität gerne weiter die Theater-Fetzen fliegen lassen möchte. Sie werden nicht müde, die tragisch-komischen
Sehnsüchte und Abgründe ihrer Figuren weiter zu treiben und ihre Fantasie und Humorfabrik auf Hochtouren laufen zu lassen. Wohlbekannt ist das Ensemble mit ihrem Stück von zwei erfolgreichen Tourneejahren mit dem Kulturmobil des Bezirks Niederbayern, bei dem sie wahre Begeisterungsstürme kreierten. Das eingeschweißte Ensemble unter der Regie von Athanor
Dozent Florian von Hoermann freut sich auf eine neue Runde - diese liebenswert-bekloppten Figuren haben noch lange nicht genug. Sie wollen doch nur SPIELEN.

Den Ausklang des Tages gestaltet ab ca. 21:30 das Duo BE COOL – ihr Bandname und die beste Art, die beiden zu beschreiben. Dieses Duo ist Kult. Die bayerische Songwriterin, Sängerin und Pianist Katharina Müller (Knusprige Wimpern) trifft auf den tschechischen Multiinstrumentalisten Jan Korinek (Groove, George Freeman, Sharon Lewis). Sie überraschen mit einem
ungewöhnlichen Setting, um eine wundervolle und nachhaltig-wirkende Performance mit Eigenkompositionen und Interpretationen zu geben. Come, see & listen.

Erby-Theater präsentiert stolz die Produktion „Der Geizige“, von Moliére. Nach zwei erfolgreichen Tourneejahren mit dem Kulturmobil des Bezirks Niederbayern freut sich das eingeschweißte Ensemble auf eine neue Runde - diese liebeswert bekloppten Figuren haben noch lange nicht genug. Sie wollen doch nur SPIELEN! Es geht weiter!

Mit den Dozierenden und Ehemaligen Athanor Studierenden hat sich ein Ensemble gefunden, welches mit seiner Spielfreude und Virtuosität gerne weiter die Theater-Fetzen fliegen lassen möchte. Sie werden nicht müde, die tragisch-komischen Sehnsüchte und Abgründe ihrer Figuren weiter zu treiben und ihre Fantasie und Humorfabrik auf Hochtouren laufen zu lassen.

Ein Blick auf die niederschmetternden Statistiken der UN-Webseite genügt, um die katastrophalen Ursachen zu erahnen. die täglich Millionen Menschen zwingen, sich auf den Weg zu machen und sich, Schutz flehend, unvorstellbar gefährlichen Situationen auszusetzen. Sie alle hoffen zu überleben und einen Neuanfang wagen zu können. Oft mit tödlichem Ende.

Haben sie eine Chance? Ist das Schicksal der Menschheit eine Einbahnstraße?

The Powers That Be: Das sind fünf fiktiven Biografie-Spuren von Geflüchteten aus div. Ländern und Kontinenten. (Eine der Biografien hat eine reale Basis). Es kommt zur Konfrontation zwischen drei privilegierten, ausgebrannt und ohnmächtig agierenden Helfer*innen und den Gedanken Sehnsüchten und Ängsten der Geflüchteten. Die Helfer*innen sind dabei in einer Mitleidskultur gefangen und scheitern an ihren dubiosen Ansprüchen. Eine von ihnen entschließt sich jedoch das Land zu verlassen, um sich auf die Suche nach dem Ort zu begeben, “ wo man die Freiheit spüren kann”.

In 11 Episoden werden sie flankiert von einer fahnenschwenkenden Geister-Armee, deren omnipräsenter Fanatismus sich auf Parolen stützt. Man findet sie auf US-Dollar-Banknoten: “This note is tender for all debts, public and private”. Sie sind lebendes Geld, seltsame Gespenster, die immer und erneut die Frage aufwerfen, wie nutz- und hilflos wir versuchen, unseren eigenen humanitären Ansprüchen zu genügen.

Ein Blick auf die niederschmetternden Statistiken der UN-Webseite genügt, um die katastrophalen Ursachen zu erahnen. die täglich Millionen Menschen zwingen, sich auf den Weg zu machen und sich, Schutz flehend, unvorstellbar gefährlichen Situationen auszusetzen. Sie alle hoffen zu überleben und einen Neuanfang wagen zu können. Oft mit tödlichem Ende.

Haben sie eine Chance? Ist das Schicksal der Menschheit eine Einbahnstraße?

The Powers That Be: Das sind fünf fiktiven Biografie-Spuren von Geflüchteten aus div. Ländern und Kontinenten. (Eine der Biografien hat eine reale Basis). Es kommt zur Konfrontation zwischen drei privilegierten, ausgebrannt und ohnmächtig agierenden Helfer*innen und den Gedanken Sehnsüchten und Ängsten der Geflüchteten. Die Helfer*innen sind dabei in einer Mitleidskultur gefangen und scheitern an ihren dubiosen Ansprüchen. Eine von ihnen entschließt sich jedoch das Land zu verlassen, um sich auf die Suche nach dem Ort zu begeben, “ wo man die Freiheit spüren kann”.

In 11 Episoden werden sie flankiert von einer fahnenschwenkenden Geister-Armee, deren omnipräsenter Fanatismus sich auf Parolen stützt. Man findet sie auf US-Dollar-Banknoten: “This note is tender for all debts, public and private”. Sie sind lebendes Geld, seltsame Gespenster, die immer und erneut die Frage aufwerfen, wie nutz- und hilflos wir versuchen, unseren eigenen humanitären Ansprüchen zu genügen.

Auch wenn morgen ein neues Leben auf uns wartet, würden wir dann alles ändern?
Bob und Helena sind beide Mitte Dreißig und stecken mitten in ganz unterschiedlichen
Lebenskrisen – sie eine einsame Scheidungsanwältin, er ein glückloser Kleinganove. In
einer schicksalhaften Nacht treffen die beiden aufeinander. Obwohl er wirklich nicht ihr und
sie wirklich nicht sein Typ ist, kreuzen sich die Wege dieser beiden Menschen immer wieder
– bis sie sich entscheiden, die Feier ihres Lebens zu feiern, um ihrem eigentlichen Leben zu
entkommen. Und sie streifen los, um die Stadt aufzureißen...
In der Inszenierung von Liam Krumstroh spielen zwei junge Schauspielerinnen die beiden
verkrachten Existenzen Bob und Helena und stellen sich dabei die Frage, ob sie selbst so
enden werden wie die beiden. Mithilfe von Kamera, Licht und Leinwand erschaffen die
Darstellerinnen eine Welt für ihre zwei Figuren, in der alles möglich scheint. Alle Mittel
werden eingesetzt, nichts wird ausgelassen, um die Antwort auf die Frage aller Fragen zu
finden: Wofür das Ganze? Gibt es im Leben eine freie Wahl, ist überhaupt WECHSELN
MÖGLICH?

David Greigs Stück springt virtuos und voller Witz durch Zeitebenen und Erzählperspektiven
und ist eine herrliche Vorlage für die spielfreudigen Darstellerinnen – ein Grund, weshalb
die Wahl des Regisseurs auf diesen Text fiel. Mindestens genauso interessieren ihn jedoch
die Themen, die unter der komödiantischen Oberfläche stecken: die Frage nach dem freien
Willen des Einzelnen und dem sozialen Druck unserer Gesellschaft. „Meine Generation lebt
gerade in zwei Realitäten gleichzeitig: in der digitalen des Bildschirms und in der rauen,
kratzigen, echten, wo es Krankheiten, Toiletten und unterschiedliche Meinungen gibt. Ich
möchte in meiner Inszenierung untersuchen, ob die Imagination eines ganz neuen, anderen
Lebens die Kraft entwickeln kann, dass wir aus unserem Trott ausbrechen. Können wir
über unser Schicksal bestimmen – und wollen wir das überhaupt?“

Auch wenn morgen ein neues Leben auf uns wartet, würden wir dann alles ändern?
Bob und Helena sind beide Mitte Dreißig und stecken mitten in ganz unterschiedlichen
Lebenskrisen – sie eine einsame Scheidungsanwältin, er ein glückloser Kleinganove. In
einer schicksalhaften Nacht treffen die beiden aufeinander. Obwohl er wirklich nicht ihr und
sie wirklich nicht sein Typ ist, kreuzen sich die Wege dieser beiden Menschen immer wieder
– bis sie sich entscheiden, die Feier ihres Lebens zu feiern, um ihrem eigentlichen Leben zu
entkommen. Und sie streifen los, um die Stadt aufzureißen...
In der Inszenierung von Liam Krumstroh spielen zwei junge Schauspielerinnen die beiden
verkrachten Existenzen Bob und Helena und stellen sich dabei die Frage, ob sie selbst so
enden werden wie die beiden. Mithilfe von Kamera, Licht und Leinwand erschaffen die
Darstellerinnen eine Welt für ihre zwei Figuren, in der alles möglich scheint. Alle Mittel
werden eingesetzt, nichts wird ausgelassen, um die Antwort auf die Frage aller Fragen zu
finden: Wofür das Ganze? Gibt es im Leben eine freie Wahl, ist überhaupt WECHSELN
MÖGLICH?

David Greigs Stück springt virtuos und voller Witz durch Zeitebenen und Erzählperspektiven
und ist eine herrliche Vorlage für die spielfreudigen Darstellerinnen – ein Grund, weshalb
die Wahl des Regisseurs auf diesen Text fiel. Mindestens genauso interessieren ihn jedoch
die Themen, die unter der komödiantischen Oberfläche stecken: die Frage nach dem freien
Willen des Einzelnen und dem sozialen Druck unserer Gesellschaft. „Meine Generation lebt
gerade in zwei Realitäten gleichzeitig: in der digitalen des Bildschirms und in der rauen,
kratzigen, echten, wo es Krankheiten, Toiletten und unterschiedliche Meinungen gibt. Ich
möchte in meiner Inszenierung untersuchen, ob die Imagination eines ganz neuen, anderen
Lebens die Kraft entwickeln kann, dass wir aus unserem Trott ausbrechen. Können wir
über unser Schicksal bestimmen – und wollen wir das überhaupt?“

Auch wenn morgen ein neues Leben auf uns wartet, würden wir dann alles ändern?
Bob und Helena sind beide Mitte Dreißig und stecken mitten in ganz unterschiedlichen
Lebenskrisen – sie eine einsame Scheidungsanwältin, er ein glückloser Kleinganove. In
einer schicksalhaften Nacht treffen die beiden aufeinander. Obwohl er wirklich nicht ihr und
sie wirklich nicht sein Typ ist, kreuzen sich die Wege dieser beiden Menschen immer wieder
– bis sie sich entscheiden, die Feier ihres Lebens zu feiern, um ihrem eigentlichen Leben zu
entkommen. Und sie streifen los, um die Stadt aufzureißen...
In der Inszenierung von Liam Krumstroh spielen zwei junge Schauspielerinnen die beiden
verkrachten Existenzen Bob und Helena und stellen sich dabei die Frage, ob sie selbst so
enden werden wie die beiden. Mithilfe von Kamera, Licht und Leinwand erschaffen die
Darstellerinnen eine Welt für ihre zwei Figuren, in der alles möglich scheint. Alle Mittel
werden eingesetzt, nichts wird ausgelassen, um die Antwort auf die Frage aller Fragen zu
finden: Wofür das Ganze? Gibt es im Leben eine freie Wahl, ist überhaupt WECHSELN
MÖGLICH?

David Greigs Stück springt virtuos und voller Witz durch Zeitebenen und Erzählperspektiven
und ist eine herrliche Vorlage für die spielfreudigen Darstellerinnen – ein Grund, weshalb
die Wahl des Regisseurs auf diesen Text fiel. Mindestens genauso interessieren ihn jedoch
die Themen, die unter der komödiantischen Oberfläche stecken: die Frage nach dem freien
Willen des Einzelnen und dem sozialen Druck unserer Gesellschaft. „Meine Generation lebt
gerade in zwei Realitäten gleichzeitig: in der digitalen des Bildschirms und in der rauen,
kratzigen, echten, wo es Krankheiten, Toiletten und unterschiedliche Meinungen gibt. Ich
möchte in meiner Inszenierung untersuchen, ob die Imagination eines ganz neuen, anderen
Lebens die Kraft entwickeln kann, dass wir aus unserem Trott ausbrechen. Können wir
über unser Schicksal bestimmen – und wollen wir das überhaupt?“

Auf das Fest des Gastgebers K treffen die unterschiedlichsten Gestalten ein. Manche kennen sich, aber die meisten sind sich fremd. Das tut der Stimmung keinen Abbruch - im Gegenteil: Essen, Trinken und Musik sorgen für Ausgelassenheit. Auch die Tatsache, dass man sich danach nie mehr begegnen wird, insbesondere aber die persönliche Last, die jede Figur mit sich trägt, bewirkt, dass das Fest immer wilder, orgiastischer, vulgärer und brutaler wird. Jeder und jede will im Fest sich und ihr Leben vergessen, es ganz und gar auslöschen oder neu erfinden. Auf diesem Fest suchen alle das Tabula-rasa-Gefühl!

Und doch muss jede Figur nach und nach ins gleißende Licht ihres eigenen Lebens und dort vor uns auskippen, was so dringend nach Vergessen ruft. Vorne, vor dem Publikum, ist jeder Gast des Festes allein und den eigenen Dämonen übergeben, um danach nur umso ekstatischer wieder in den Trubel des Vergessens, ins FEST, einzutauchen. Bis schließlich das Fest an die Rampe kommt und in einem Akt kollektiver Brutalität die Außenseiterin und letzte Beichtende vor dem Publikum auslöscht. Ihr Leiden erinnert alle an ihr eigenes, das doch vernichtet, im Fest eingeschmolzen werden sollte. Dieses Leiden muss also weg, um das Vergessen des eigenen nicht zu stören.

Der 3. Jahrgang der Athanor Akademie präsentiert seine Monologe der Moderne eingebettet in den dionysischen Rausch eines Festes, das den Hintergrund, Ausgangs- und Fluchtpunkt jeder Figur und ihres persönlichen Dramas bildet.
Wie unterschiedlich sind wir doch, je nachdem, ob wir allein auf uns gestellt mit unserem Leben kämpfen oder uns in der Masse und im Rausch des Vergessens gehen lassen können! Welches Ich ist das wahre? Wer wollen wir sein? Wer müssen wir sein?

Es ist ein Abend von Opfern und Tätern, von unerbittlich heller Wahrheit und dunklem Rausch.

Den Namen kennt man. Das ist doch der von Romeo & Julia und das mit dem Sommer und der Nacht und dem Traum hat der doch auch geschrieben. Und so’n paar andere Sachen. Ist doch der, oder? Braucht man den überhaupt noch? Sind doch immer die gleichen Themen, oder nicht? Also irgendwas mit Liebe und Hass und Rivalität und Sehnsucht und Macht. Da ist so’n Typ zum Beispiel, der rast dann vor Eifersucht und seine arme Frau liebt den trotzdem und warum ist das eigentlich so, also warum dürfen Männer leidenschaftlich sein und Affären haben und Frauen nicht? Und ein Typ wird gedemütigt und lässt sich das gefallen – warum kann der nicht einfach aufhören zu lieben und gehen? Und was ist Liebe? Also das ist doch auch irgendwie Abhängigkeit und ein ineinander verwoben und verschlungen sein und sich gegenseitig verletzen. Verdammt, warum ist das so? Also warum ist das alles so kompliziert? Aber das ist ja auch das Schöne und Tragische und Brutale daran, an dem großen Ganzen, in dem wir so drinstecken und ganz klein und verdutzt schauen – der Mensch in der sich ewig wiederholenden, nie enden wollenden, immer weitergehenden Dauerschleife von Liebe, Hass, Sehnsucht und Macht.

Das wird halt immer ein Rätsel bleiben. So wie Shakespeare halt auch, irgendwie.

Auf das Fest des Gastgebers K treffen die unterschiedlichsten Gestalten ein. Manche kennen sich, aber die meisten sind sich fremd. Das tut der Stimmung keinen Abbruch - im Gegenteil: Essen, Trinken und Musik sorgen für Ausgelassenheit. Auch die Tatsache, dass man sich danach nie mehr begegnen wird, insbesondere aber die persönliche Last, die jede Figur mit sich trägt, bewirkt, dass das Fest immer wilder, orgiastischer, vulgärer und brutaler wird. Jeder und jede will im Fest sich und ihr Leben vergessen, es ganz und gar auslöschen oder neu erfinden. Auf diesem Fest suchen alle das Tabula-rasa-Gefühl!

Und doch muss jede Figur nach und nach ins gleißende Licht ihres eigenen Lebens und dort vor uns auskippen, was so dringend nach Vergessen ruft. Vorne, vor dem Publikum, ist jeder Gast des Festes allein und den eigenen Dämonen übergeben, um danach nur umso ekstatischer wieder in den Trubel des Vergessens, ins FEST, einzutauchen. Bis schließlich das Fest an die Rampe kommt und in einem Akt kollektiver Brutalität die Außenseiterin und letzte Beichtende vor dem Publikum auslöscht. Ihr Leiden erinnert alle an ihr eigenes, das doch vernichtet, im Fest eingeschmolzen werden sollte. Dieses Leiden muss also weg, um das Vergessen des eigenen nicht zu stören.

Der 3. Jahrgang der Athanor Akademie präsentiert seine Monologe der Moderne eingebettet in den dionysischen Rausch eines Festes, das den Hintergrund, Ausgangs- und Fluchtpunkt jeder Figur und ihres persönlichen Dramas bildet.
Wie unterschiedlich sind wir doch, je nachdem, ob wir allein auf uns gestellt mit unserem Leben kämpfen oder uns in der Masse und im Rausch des Vergessens gehen lassen können! Welches Ich ist das wahre? Wer wollen wir sein? Wer müssen wir sein?

Es ist ein Abend von Opfern und Tätern, von unerbittlich heller Wahrheit und dunklem Rausch.

Den Namen kennt man. Das ist doch der von Romeo & Julia und das mit dem Sommer und der Nacht und dem Traum hat der doch auch geschrieben. Und so’n paar andere Sachen. Ist doch der, oder? Braucht man den überhaupt noch? Sind doch immer die gleichen Themen, oder nicht? Also irgendwas mit Liebe und Hass und Rivalität und Sehnsucht und Macht. Da ist so’n Typ zum Beispiel, der rast dann vor Eifersucht und seine arme Frau liebt den trotzdem und warum ist das eigentlich so, also warum dürfen Männer leidenschaftlich sein und Affären haben und Frauen nicht? Und ein Typ wird gedemütigt und lässt sich das gefallen – warum kann der nicht einfach aufhören zu lieben und gehen? Und was ist Liebe? Also das ist doch auch irgendwie Abhängigkeit und ein ineinander verwoben und verschlungen sein und sich gegenseitig verletzen. Verdammt, warum ist das so? Also warum ist das alles so kompliziert? Aber das ist ja auch das Schöne und Tragische und Brutale daran, an dem großen Ganzen, in dem wir so drinstecken und ganz klein und verdutzt schauen – der Mensch in der sich ewig wiederholenden, nie enden wollenden, immer weitergehenden Dauerschleife von Liebe, Hass, Sehnsucht und Macht.

Das wird halt immer ein Rätsel bleiben. So wie Shakespeare halt auch, irgendwie.

Auf das Fest des Gastgebers K treffen die unterschiedlichsten Gestalten ein. Manche kennen sich, aber die meisten sind sich fremd. Das tut der Stimmung keinen Abbruch - im Gegenteil: Essen, Trinken und Musik sorgen für Ausgelassenheit. Auch die Tatsache, dass man sich danach nie mehr begegnen wird, insbesondere aber die persönliche Last, die jede Figur mit sich trägt, bewirkt, dass das Fest immer wilder, orgiastischer, vulgärer und brutaler wird. Jeder und jede will im Fest sich und ihr Leben vergessen, es ganz und gar auslöschen oder neu erfinden. Auf diesem Fest suchen alle das Tabula-rasa-Gefühl!

Und doch muss jede Figur nach und nach ins gleißende Licht ihres eigenen Lebens und dort vor uns auskippen, was so dringend nach Vergessen ruft. Vorne, vor dem Publikum, ist jeder Gast des Festes allein und den eigenen Dämonen übergeben, um danach nur umso ekstatischer wieder in den Trubel des Vergessens, ins FEST, einzutauchen. Bis schließlich das Fest an die Rampe kommt und in einem Akt kollektiver Brutalität die Außenseiterin und letzte Beichtende vor dem Publikum auslöscht. Ihr Leiden erinnert alle an ihr eigenes, das doch vernichtet, im Fest eingeschmolzen werden sollte. Dieses Leiden muss also weg, um das Vergessen des eigenen nicht zu stören.

Der 3. Jahrgang der Athanor Akademie präsentiert seine Monologe der Moderne eingebettet in den dionysischen Rausch eines Festes, das den Hintergrund, Ausgangs- und Fluchtpunkt jeder Figur und ihres persönlichen Dramas bildet.
Wie unterschiedlich sind wir doch, je nachdem, ob wir allein auf uns gestellt mit unserem Leben kämpfen oder uns in der Masse und im Rausch des Vergessens gehen lassen können! Welches Ich ist das wahre? Wer wollen wir sein? Wer müssen wir sein?

Es ist ein Abend von Opfern und Tätern, von unerbittlich heller Wahrheit und dunklem Rausch.

Den Namen kennt man. Das ist doch der von Romeo & Julia und das mit dem Sommer und der Nacht und dem Traum hat der doch auch geschrieben. Und so’n paar andere Sachen. Ist doch der, oder? Braucht man den überhaupt noch? Sind doch immer die gleichen Themen, oder nicht? Also irgendwas mit Liebe und Hass und Rivalität und Sehnsucht und Macht. Da ist so’n Typ zum Beispiel, der rast dann vor Eifersucht und seine arme Frau liebt den trotzdem und warum ist das eigentlich so, also warum dürfen Männer leidenschaftlich sein und Affären haben und Frauen nicht? Und ein Typ wird gedemütigt und lässt sich das gefallen – warum kann der nicht einfach aufhören zu lieben und gehen? Und was ist Liebe? Also das ist doch auch irgendwie Abhängigkeit und ein ineinander verwoben und verschlungen sein und sich gegenseitig verletzen. Verdammt, warum ist das so? Also warum ist das alles so kompliziert? Aber das ist ja auch das Schöne und Tragische und Brutale daran, an dem großen Ganzen, in dem wir so drinstecken und ganz klein und verdutzt schauen – der Mensch in der sich ewig wiederholenden, nie enden wollenden, immer weitergehenden Dauerschleife von Liebe, Hass, Sehnsucht und Macht.

Das wird halt immer ein Rätsel bleiben. So wie Shakespeare halt auch, irgendwie.

Wer bin ich, wenn ich kein Objekt mehr bin?

Eurydike stirbt und findet sich in der Schattenwelt wieder. Wie schaut sie auf ihr Leben zurück? Eigentlich war sie immer nur Objekt ihres Mannes, des berühmten Sängers, in dessen Schatten sie zeit ihres Lebens stand. Je länger sie darüber nachdenkt, desto weniger schrecklich erscheint ihr der Tod. Doch gerade als Eurydike ihr Schicksal akzeptiert hat, taucht der Sänger auf, um sie zurückzuholen...

Elfriede Jelinek gibt der sprachlosen Eurydike des antiken Mythos‘ eine Stimme. Lara Jung stellt ihr in ihrer Inszenierung einen betörenden Schattenchor gegenüber, der sich auf Eurydikes Seite schlägt und ihr Schattenwelt und Tod schmackhaft macht. Die fünf Darstellerinnen arbeiten sich dabei nicht nur sprachlich, sondern auch mithilfe virtuoser Choreografien an Jelineks wortmächtigem Text ab.

Lara Jung hat sich schon lange zum Mythos von Orpheus und Eurydike hingezogen gefühlt. „Als ich auf Jelineks Interpretation gestoßen bin, ist mir aufgefallen, dass wir im antiken Mythos wenig bis gar nichts von Eurydikes Standpunkt erfahren. In Jelineks Text berührt mich darüber hinaus die Thematik der Objektifizierung von Frauen und die erschütternde Erkenntnis, dass man am Ende seines Lebens stehen und merken kann, dass man zutiefst unglücklich war.”

Wer bin ich, wenn ich kein Objekt mehr bin?

Eurydike stirbt und findet sich in der Schattenwelt wieder. Wie schaut sie auf ihr Leben zurück? Eigentlich war sie immer nur Objekt ihres Mannes, des berühmten Sängers, in dessen Schatten sie zeit ihres Lebens stand. Je länger sie darüber nachdenkt, desto weniger schrecklich erscheint ihr der Tod. Doch gerade als Eurydike ihr Schicksal akzeptiert hat, taucht der Sänger auf, um sie zurückzuholen...

Elfriede Jelinek gibt der sprachlosen Eurydike des antiken Mythos‘ eine Stimme. Lara Jung stellt ihr in ihrer Inszenierung einen betörenden Schattenchor gegenüber, der sich auf Eurydikes Seite schlägt und ihr Schattenwelt und Tod schmackhaft macht. Die fünf Darstellerinnen arbeiten sich dabei nicht nur sprachlich, sondern auch mithilfe virtuoser Choreografien an Jelineks wortmächtigem Text ab.

Lara Jung hat sich schon lange zum Mythos von Orpheus und Eurydike hingezogen gefühlt. „Als ich auf Jelineks Interpretation gestoßen bin, ist mir aufgefallen, dass wir im antiken Mythos wenig bis gar nichts von Eurydikes Standpunkt erfahren. In Jelineks Text berührt mich darüber hinaus die Thematik der Objektifizierung von Frauen und die erschütternde Erkenntnis, dass man am Ende seines Lebens stehen und merken kann, dass man zutiefst unglücklich war.”

Wer bin ich, wenn ich kein Objekt mehr bin?

Eurydike stirbt und findet sich in der Schattenwelt wieder. Wie schaut sie auf ihr Leben zurück? Eigentlich war sie immer nur Objekt ihres Mannes, des berühmten Sängers, in dessen Schatten sie zeit ihres Lebens stand. Je länger sie darüber nachdenkt, desto weniger schrecklich erscheint ihr der Tod. Doch gerade als Eurydike ihr Schicksal akzeptiert hat, taucht der Sänger auf, um sie zurückzuholen...

Elfriede Jelinek gibt der sprachlosen Eurydike des antiken Mythos‘ eine Stimme. Lara Jung stellt ihr in ihrer Inszenierung einen betörenden Schattenchor gegenüber, der sich auf Eurydikes Seite schlägt und ihr Schattenwelt und Tod schmackhaft macht. Die fünf Darstellerinnen arbeiten sich dabei nicht nur sprachlich, sondern auch mithilfe virtuoser Choreografien an Jelineks wortmächtigem Text ab.

Lara Jung hat sich schon lange zum Mythos von Orpheus und Eurydike hingezogen gefühlt. „Als ich auf Jelineks Interpretation gestoßen bin, ist mir aufgefallen, dass wir im antiken Mythos wenig bis gar nichts von Eurydikes Standpunkt erfahren. In Jelineks Text berührt mich darüber hinaus die Thematik der Objektifizierung von Frauen und die erschütternde Erkenntnis, dass man am Ende seines Lebens stehen und merken kann, dass man zutiefst unglücklich war.”

Der zweite Jahrgang Regie der Athanor Akademie präsentiert einen Doppelabend mit „Das Hotel zu den zwei Welten“ von Eric Emmanuel Schmitt und „Ist das nicht mein Leben“ von Brian Clark.

Unter der Regie von Benedikt Buchecker und Jawad Jafari werden hier zwei Theaterstücke vorgestellt, die auf den ersten Blick nicht unterschiedlicher sein können und doch bald ihre Gemeinsamkeit offenbaren- die immer aktuelle Frage: Was ist ein lebenswertes Leben?

Ob an einem Ort zwischen Leben und Tod, in dem die Seelen aller Komapatienten auf ein Urteil warten müssen, oder am Bett eines querschnittsgelähmten Patienten, in beiden Fällen müssen die Protagonisten ihre Entscheidung treffen, was dies für sie bedeuten könnte.

Beide Erzählungen nähern sich den großen Fragen nach individueller Freiheit, dem Umgang mit dem Tod und damit auch mit unseren Entscheidungen im Leben mit einer unverkrampften Neugier. Die Zuschauer sind eingeladen sich
dieser Erkundung anzuschließen und den, auf den ersten Blick, schweren Themen ebenso offen zu begegnen.

Der zweite Jahrgang Regie der Athanor Akademie präsentiert einen Doppelabend mit „Das Hotel zu den zwei Welten“ von Eric Emmanuel Schmitt und „Ist das nicht mein Leben“ von Brian Clark.

Unter der Regie von Benedikt Buchecker und Jawad Jafari werden hier zwei Theaterstücke vorgestellt, die auf den ersten Blick nicht unterschiedlicher sein können und doch bald ihre Gemeinsamkeit offenbaren- die immer aktuelle Frage: Was ist ein lebenswertes Leben?

Ob an einem Ort zwischen Leben und Tod, in dem die Seelen aller Komapatienten auf ein Urteil warten müssen, oder am Bett eines querschnittsgelähmten Patienten, in beiden Fällen müssen die Protagonisten ihre Entscheidung treffen, was dies für sie bedeuten könnte.

Beide Erzählungen nähern sich den großen Fragen nach individueller Freiheit, dem Umgang mit dem Tod und damit auch mit unseren Entscheidungen im Leben mit einer unverkrampften Neugier. Die Zuschauer sind eingeladen sich
dieser Erkundung anzuschließen und den, auf den ersten Blick, schweren Themen ebenso offen zu begegnen.

Der zweite Jahrgang Regie der Athanor Akademie präsentiert einen Doppelabend mit „Das Hotel zu den zwei Welten“ von Eric Emmanuel Schmitt und „Ist das nicht mein Leben“ von Brian Clark.

Unter der Regie von Benedikt Buchecker und Jawad Jafari werden hier zwei Theaterstücke vorgestellt, die auf den ersten Blick nicht unterschiedlicher sein können und doch bald ihre Gemeinsamkeit offenbaren- die immer aktuelle Frage: Was ist ein lebenswertes Leben?

Ob an einem Ort zwischen Leben und Tod, in dem die Seelen aller Komapatienten auf ein Urteil warten müssen, oder am Bett eines querschnittsgelähmten Patienten, in beiden Fällen müssen die Protagonisten ihre Entscheidung treffen, was dies für sie bedeuten könnte.

Beide Erzählungen nähern sich den großen Fragen nach individueller Freiheit, dem Umgang mit dem Tod und damit auch mit unseren Entscheidungen im Leben mit einer unverkrampften Neugier. Die Zuschauer sind eingeladen sich
dieser Erkundung anzuschließen und den, auf den ersten Blick, schweren Themen ebenso offen zu begegnen.

Eine Performance von uns, für euch, mit uns, mit euch, über mICH ICH ICH ICH.
Huch war da ein Geist? Ein einsamer Clown, ein Spielemacher, kein Schauspieler, ein irrer Chaot, eine Denkerin, eine Verlorene, eine Suchende, eine Reflektion ihrer Selbst, eine Meinung über Meinungen, eine Nachfühlende, eine Wandelnde und keine Regisseurin. Ein Weg durch fremde Welten, einBlick in unsere Köpfe. Kommt vorbei, schaut zu, nehmt Teil, seid Teil. Kein Theater, kein Film, kein Schauspiel, kein Märchen, kein Musical – nur ICH ICH ICH ICH. Da war doch ein Geist.

Ist das Performance?

„Ist alles in Ordnung?“ ist die erste Frage, die Robyn ihrer Frau Helen stellt, als sie sich ans Ufer retten. Ihr Boot ist untergegangen. In der Euphorie des Überlebens suchen sie nach Orientierung auf dieser seltsamen Insel. Doch nichts ist in Ordnung. Und bald setzen bei Robyn erste Erinnerungen ein – Erinnerungen an eine Zeit lange nach dem Unglück, eine Zeit, die noch ungeschriebene Zukunft sein müsste. Und sie ist in Trauer und sie ist allein.

Ist ihre Rettung auf der Insel nur eine Illusion? Eine Seifenblase, die durch ihre Liebe aufrechterhalten wird?

Gemeinsam mit dem Bühnenmusiker Tom Schreyer schaffen Anna Michel und Katharina Engelmann eine Erlebniswelt voller Klänge und Stimmungen. Eine Reise durch Gedanken- und Gefühlswelten mit einem lebensnahen Dialog zweier starker Frauenpersönlichkeiten.

„Mich fasziniert die Geschichte, die in einer Welt zwischen brutaler Realität und traumhafter Illusion spielt“, erzählt der Regisseur Achim Bieler, „mit einer Liebe, die so stark ist, dass selbst der Tod ins Zögern kommt, sie zu zerstören.“ Die mehrfach preisgekrönte Autorin Zinnie Harris lehnt ihr Theaterstück über die beiden gestrandeten Frauen bewusst an die Orpheus und Eurydike Erzählung an.

Wenn du einen Wunsch frei hättest, welcher wäre es? Und mit wem teilst du ihn?

„Ist alles in Ordnung?“ ist die erste Frage, die Robyn ihrer Frau Helen stellt, als sie sich ans Ufer retten. Ihr Boot ist untergegangen. In der Euphorie des Überlebens suchen sie nach Orientierung auf dieser seltsamen Insel. Doch nichts ist in Ordnung. Und bald setzen bei Robyn erste Erinnerungen ein – Erinnerungen an eine Zeit lange nach dem Unglück, eine Zeit, die noch ungeschriebene Zukunft sein müsste. Und sie ist in Trauer und sie ist allein.

Ist ihre Rettung auf der Insel nur eine Illusion? Eine Seifenblase, die durch ihre Liebe aufrechterhalten wird?

Gemeinsam mit dem Bühnenmusiker Tom Schreyer schaffen Anna Michel und Katharina Engelmann eine Erlebniswelt voller Klänge und Stimmungen. Eine Reise durch Gedanken- und Gefühlswelten mit einem lebensnahen Dialog zweier starker Frauenpersönlichkeiten.

„Mich fasziniert die Geschichte, die in einer Welt zwischen brutaler Realität und traumhafter Illusion spielt“, erzählt der Regisseur Achim Bieler, „mit einer Liebe, die so stark ist, dass selbst der Tod ins Zögern kommt, sie zu zerstören.“ Die mehrfach preisgekrönte Autorin Zinnie Harris lehnt ihr Theaterstück über die beiden gestrandeten Frauen bewusst an die Orpheus und Eurydike Erzählung an.

Wenn du einen Wunsch frei hättest, welcher wäre es? Und mit wem teilst du ihn?

„Ist alles in Ordnung?“ ist die erste Frage, die Robyn ihrer Frau Helen stellt, als sie sich ans Ufer retten. Ihr Boot ist untergegangen. In der Euphorie des Überlebens suchen sie nach Orientierung auf dieser seltsamen Insel. Doch nichts ist in Ordnung. Und bald setzen bei Robyn erste Erinnerungen ein – Erinnerungen an eine Zeit lange nach dem Unglück, eine Zeit, die noch ungeschriebene Zukunft sein müsste. Und sie ist in Trauer und sie ist allein.

Ist ihre Rettung auf der Insel nur eine Illusion? Eine Seifenblase, die durch ihre Liebe aufrechterhalten wird?

Gemeinsam mit dem Bühnenmusiker Tom Schreyer schaffen Anna Michel und Katharina Engelmann eine Erlebniswelt voller Klänge und Stimmungen. Eine Reise durch Gedanken- und Gefühlswelten mit einem lebensnahen Dialog zweier starker Frauenpersönlichkeiten.

„Mich fasziniert die Geschichte, die in einer Welt zwischen brutaler Realität und traumhafter Illusion spielt“, erzählt der Regisseur Achim Bieler, „mit einer Liebe, die so stark ist, dass selbst der Tod ins Zögern kommt, sie zu zerstören.“ Die mehrfach preisgekrönte Autorin Zinnie Harris lehnt ihr Theaterstück über die beiden gestrandeten Frauen bewusst an die Orpheus und Eurydike Erzählung an.

Wenn du einen Wunsch frei hättest, welcher wäre es? Und mit wem teilst du ihn?

Die Bar zum Krokodil? Der blaue Engel oder sind wir hier Im weißen Rössl?
Nein, wir heißen Sie willkommen in der Kneipe „Zum schwarzen Schaf!“
Kommen Sie herein und trinken Sie ein Bier mit uns; und während Sie eine Halbe exen, machen wir aber keine halben Sachen, sondern wir schöpfen aus dem prallen Leben:

Hier treffen Schauspieler auf Soldaten, Ex-Ehefrauen auf leichte Mädchen, Stammgäste auf die Schickeria, Wissenschaftler auf Spekulanten… und über Allem liegt die Angst, dass es dieses Refugium der müden Seelen vielleicht bald nicht mehr gibt.
Aber heute Abend wird noch gefeiert, gestritten, gespielt und gelacht, Hochzeiten geplant, aber auch Morde, von der großen Karriere geträumt und doch oftmals Schiffbruch erlitten.

Lassen Sie sich hineinziehen in den wilden Kosmos dieser schummrigen Kaschemme, seien Sie dabei, wenn der Abend immer wilder wird und manchmal vielleicht auch etwas aus dem Ruder läuft. Begleiten Sie den ersten Jahrgang Schauspiel und Regie der Athanor Akademie Passau bei ihren ersten Gehversuchen im Rampenlicht.

Es erwarten Sie selbstgeschriebene Szenen mit skurrilen Figuren und verrückten Geschichten, ein buntes Kaleidoskop Leben, es wird witzig, tragisch, poetisch und auf jeden Fall nicht alltäglich! Denn Unschuldslämmer sind sie alle nicht, schwarze Schafe allemal!

Die Bar zum Krokodil? Der blaue Engel oder sind wir hier Im weißen Rössl?
Nein, wir heißen Sie willkommen in der Kneipe „Zum schwarzen Schaf!“
Kommen Sie herein und trinken Sie ein Bier mit uns; und während Sie eine Halbe exen, machen wir aber keine halben Sachen, sondern wir schöpfen aus dem prallen Leben:

Hier treffen Schauspieler auf Soldaten, Ex-Ehefrauen auf leichte Mädchen, Stammgäste auf die Schickeria, Wissenschaftler auf Spekulanten… und über Allem liegt die Angst, dass es dieses Refugium der müden Seelen vielleicht bald nicht mehr gibt.
Aber heute Abend wird noch gefeiert, gestritten, gespielt und gelacht, Hochzeiten geplant, aber auch Morde, von der großen Karriere geträumt und doch oftmals Schiffbruch erlitten.

Lassen Sie sich hineinziehen in den wilden Kosmos dieser schummrigen Kaschemme, seien Sie dabei, wenn der Abend immer wilder wird und manchmal vielleicht auch etwas aus dem Ruder läuft. Begleiten Sie den ersten Jahrgang Schauspiel und Regie der Athanor Akademie Passau bei ihren ersten Gehversuchen im Rampenlicht.

Es erwarten Sie selbstgeschriebene Szenen mit skurrilen Figuren und verrückten Geschichten, ein buntes Kaleidoskop Leben, es wird witzig, tragisch, poetisch und auf jeden Fall nicht alltäglich! Denn Unschuldslämmer sind sie alle nicht, schwarze Schafe allemal!

"Eleos" ist eine Partitur aus Wut. Ganz leicht, fast flüchtig, ahnungsvoll beginnend, steigert sich die Wut vom Unbedarften hin zum Bösen. Mit poetischer Genauigkeit und filigranem Rhythmus komponiert Caren Jeß aus 36 Miniaturen eine beklemmend schöne Kakophonie der Dunkelheit. Ihre Empörungen erzählen von Frust und Zurückweisung, Niedergeschlagenheit, Angst, Gewalt und Hass. Sie erzählen von ahnungsloser Wut und vorsätzlicher, von Demütigung, Beleidigung und immer wieder von dem Schmerz, der aller Wut zugrunde liegt. Caren Jeß verwandelt dieses abgründige Gefühl in eine verstörend schöne Symphonie aus Sprache, Klang und Form. Unentrinnbar komisch und tragisch zugleich.

"Eleos" ist eine Partitur aus Wut. Ganz leicht, fast flüchtig, ahnungsvoll beginnend, steigert sich die Wut vom Unbedarften hin zum Bösen. Mit poetischer Genauigkeit und filigranem Rhythmus komponiert Caren Jeß aus 36 Miniaturen eine beklemmend schöne Kakophonie der Dunkelheit. Ihre Empörungen erzählen von Frust und Zurückweisung, Niedergeschlagenheit, Angst, Gewalt und Hass. Sie erzählen von ahnungsloser Wut und vorsätzlicher, von Demütigung, Beleidigung und immer wieder von dem Schmerz, der aller Wut zugrunde liegt. Caren Jeß verwandelt dieses abgründige Gefühl in eine verstörend schöne Symphonie aus Sprache, Klang und Form. Unentrinnbar komisch und tragisch zugleich.

"Eleos" ist eine Partitur aus Wut. Ganz leicht, fast flüchtig, ahnungsvoll beginnend, steigert sich die Wut vom Unbedarften hin zum Bösen. Mit poetischer Genauigkeit und filigranem Rhythmus komponiert Caren Jeß aus 36 Miniaturen eine beklemmend schöne Kakophonie der Dunkelheit. Ihre Empörungen erzählen von Frust und Zurückweisung, Niedergeschlagenheit, Angst, Gewalt und Hass. Sie erzählen von ahnungsloser Wut und vorsätzlicher, von Demütigung, Beleidigung und immer wieder von dem Schmerz, der aller Wut zugrunde liegt. Caren Jeß verwandelt dieses abgründige Gefühl in eine verstörend schöne Symphonie aus Sprache, Klang und Form. Unentrinnbar komisch und tragisch zugleich.

Es begegnet uns: Marija Wassiljewna. Seit dreizehn Jahren Lehrerin in einem russischen Provinznest. Alleinstehend, frustriert, desillusioniert. Wir begleiten sie auf einer Kutschfahrt, an einem Morgen im April. Der Frühling hat begonnen, doch Marija Wassiljewna hängt fest in einer Endlosschleife aus trostlosen Gedanken in einer noch trostloseren Realität.

So weit, so deprimierend. Doch AUF DEM WAGEN ist eine Erzählung von Anton Tschechow, dem großen Humanisten und Psychologen der russischen Literatur. Sein Blick auf die Welt ist gnadenlos ehrlich, aber auch empathisch und humorvoll. Und so könnte es für Marija Wassiljewna doch eine Chance geben, ihrem grauen Alltag zu enƞliehen...

Vier Spielerinnen des 3. Jahrgangs der Athanor Akademie wagen sich auf einen theatralen Erkundungsgang durch Tschechows Erzählung. Befragen und untersuchen den Text. Variieren. InterpreƟeren. Drehen frei auf einer leeren Bühne. Und stellen so auch die Frage: was kann Theater?

„Warum kann man im Theater so gut Witze über Arme machen? – Weil sie sich die Karten eh nicht leisten können.“ Unter Regie von Matthias Köhler spielt der 3. Jahrgang der Athanor Akademie Nora Abdel-Maksouds “Cafe Populaire”.

Hospiz Clown Svenja will über ihren Vlog die Kleinstadt Blinden zu einem besseren Ort machen. Da sie aber mit acht Followern nur mäßig Erfolg hat, testet sie ihre Pointen an den Patienten im Hospiz, den “die Toten könne sich ja nicht wehren.” Ihr größter Fan ist Püppi-älteste Hospizpatientin, welche im Netz nach einem bolschewistischen Stahlarbeiter annonciert. Dienstleistungsproletarier Aram muss sich in Blinden um alles kümmern, wofür die verwöhnten Bewohner der Kleinstadt zu fein sind. Und schon meldet sich in Svenja der Don zu Wort - ihr Neoliberales Alter Ego. In seiner Anwesenheit wird Svenja ausfällig gegenüber der Unterschicht. Worte wie ‚Asiproll‘ brechen einfach aus ihr heraus. Wie kann ein Gutmensch nur so etwas sagen? Doch unverhofft sorgt der Don dafür, dass Svenjas Klickzahlen ansteigen. Sie muss sich entscheiden wie sie mit ihrem persönlichen “Man in the Mirror” umgeht.

»Café Populaire« ist eine beißend aktuelle Satire, eine bitterböse Komödie über fehlendes Klassenbewusstsein. In rasanten Dialogen, gewieften Pointen und absurden Situationen hinterfragen die Schauspieler Maximillian Frick, Caroline Bröker, Julia Stang und Lily Schuster knallhart den Zeitgeist und entlarven unseren alltäglichen Klassismus – Vorurteile und die damit einhergehende Diskriminierung aufgrund der sozialen Herkunft. Wie steht es eigentlich wirklich um unsere Weltoffenheit? Welche Rolle spielt Geld, spielt Klasse, spielen soziale Klischees in unserer Gesellschaft?

Es begegnet uns: Marija Wassiljewna. Seit dreizehn Jahren Lehrerin in einem russischen Provinznest. Alleinstehend, frustriert, desillusioniert. Wir begleiten sie auf einer Kutschfahrt, an einem Morgen im April. Der Frühling hat begonnen, doch Marija Wassiljewna hängt fest in einer Endlosschleife aus trostlosen Gedanken in einer noch trostloseren Realität.

So weit, so deprimierend. Doch AUF DEM WAGEN ist eine Erzählung von Anton Tschechow, dem großen Humanisten und Psychologen der russischen Literatur. Sein Blick auf die Welt ist gnadenlos ehrlich, aber auch empathisch und humorvoll. Und so könnte es für Marija Wassiljewna doch eine Chance geben, ihrem grauen Alltag zu enƞliehen...

Vier Spielerinnen des 3. Jahrgangs der Athanor Akademie wagen sich auf einen theatralen Erkundungsgang durch Tschechows Erzählung. Befragen und untersuchen den Text. Variieren. InterpreƟeren. Drehen frei auf einer leeren Bühne. Und stellen so auch die Frage: was kann Theater?

„Warum kann man im Theater so gut Witze über Arme machen? – Weil sie sich die Karten eh nicht leisten können.“ Unter Regie von Matthias Köhler spielt der 3. Jahrgang der Athanor Akademie Nora Abdel-Maksouds “Cafe Populaire”.

Hospiz Clown Svenja will über ihren Vlog die Kleinstadt Blinden zu einem besseren Ort machen. Da sie aber mit acht Followern nur mäßig Erfolg hat, testet sie ihre Pointen an den Patienten im Hospiz, den “die Toten könne sich ja nicht wehren.” Ihr größter Fan ist Püppi-älteste Hospizpatientin, welche im Netz nach einem bolschewistischen Stahlarbeiter annonciert. Dienstleistungsproletarier Aram muss sich in Blinden um alles kümmern, wofür die verwöhnten Bewohner der Kleinstadt zu fein sind. Und schon meldet sich in Svenja der Don zu Wort - ihr Neoliberales Alter Ego. In seiner Anwesenheit wird Svenja ausfällig gegenüber der Unterschicht. Worte wie ‚Asiproll‘ brechen einfach aus ihr heraus. Wie kann ein Gutmensch nur so etwas sagen? Doch unverhofft sorgt der Don dafür, dass Svenjas Klickzahlen ansteigen. Sie muss sich entscheiden wie sie mit ihrem persönlichen “Man in the Mirror” umgeht.

»Café Populaire« ist eine beißend aktuelle Satire, eine bitterböse Komödie über fehlendes Klassenbewusstsein. In rasanten Dialogen, gewieften Pointen und absurden Situationen hinterfragen die Schauspieler Maximillian Frick, Caroline Bröker, Julia Stang und Lily Schuster knallhart den Zeitgeist und entlarven unseren alltäglichen Klassismus – Vorurteile und die damit einhergehende Diskriminierung aufgrund der sozialen Herkunft. Wie steht es eigentlich wirklich um unsere Weltoffenheit? Welche Rolle spielt Geld, spielt Klasse, spielen soziale Klischees in unserer Gesellschaft?

Es begegnet uns: Marija Wassiljewna. Seit dreizehn Jahren Lehrerin in einem russischen Provinznest. Alleinstehend, frustriert, desillusioniert. Wir begleiten sie auf einer Kutschfahrt, an einem Morgen im April. Der Frühling hat begonnen, doch Marija Wassiljewna hängt fest in einer Endlosschleife aus trostlosen Gedanken in einer noch trostloseren Realität.

So weit, so deprimierend. Doch AUF DEM WAGEN ist eine Erzählung von Anton Tschechow, dem großen Humanisten und Psychologen der russischen Literatur. Sein Blick auf die Welt ist gnadenlos ehrlich, aber auch empathisch und humorvoll. Und so könnte es für Marija Wassiljewna doch eine Chance geben, ihrem grauen Alltag zu enƞliehen...

Vier Spielerinnen des 3. Jahrgangs der Athanor Akademie wagen sich auf einen theatralen Erkundungsgang durch Tschechows Erzählung. Befragen und untersuchen den Text. Variieren. InterpreƟeren. Drehen frei auf einer leeren Bühne. Und stellen so auch die Frage: was kann Theater?

„Warum kann man im Theater so gut Witze über Arme machen? – Weil sie sich die Karten eh nicht leisten können.“ Unter Regie von Matthias Köhler spielt der 3. Jahrgang der Athanor Akademie Nora Abdel-Maksouds “Cafe Populaire”.

Hospiz Clown Svenja will über ihren Vlog die Kleinstadt Blinden zu einem besseren Ort machen. Da sie aber mit acht Followern nur mäßig Erfolg hat, testet sie ihre Pointen an den Patienten im Hospiz, den “die Toten könne sich ja nicht wehren.” Ihr größter Fan ist Püppi-älteste Hospizpatientin, welche im Netz nach einem bolschewistischen Stahlarbeiter annonciert. Dienstleistungsproletarier Aram muss sich in Blinden um alles kümmern, wofür die verwöhnten Bewohner der Kleinstadt zu fein sind. Und schon meldet sich in Svenja der Don zu Wort - ihr Neoliberales Alter Ego. In seiner Anwesenheit wird Svenja ausfällig gegenüber der Unterschicht. Worte wie ‚Asiproll‘ brechen einfach aus ihr heraus. Wie kann ein Gutmensch nur so etwas sagen? Doch unverhofft sorgt der Don dafür, dass Svenjas Klickzahlen ansteigen. Sie muss sich entscheiden wie sie mit ihrem persönlichen “Man in the Mirror” umgeht.

»Café Populaire« ist eine beißend aktuelle Satire, eine bitterböse Komödie über fehlendes Klassenbewusstsein. In rasanten Dialogen, gewieften Pointen und absurden Situationen hinterfragen die Schauspieler Maximillian Frick, Caroline Bröker, Julia Stang und Lily Schuster knallhart den Zeitgeist und entlarven unseren alltäglichen Klassismus – Vorurteile und die damit einhergehende Diskriminierung aufgrund der sozialen Herkunft. Wie steht es eigentlich wirklich um unsere Weltoffenheit? Welche Rolle spielt Geld, spielt Klasse, spielen soziale Klischees in unserer Gesellschaft?

Drei Menschen. Zwei Frauen. Ein Mann. Gestorben. Vor Kurzem. Man hat sie in die Hölle geschickt: Kein Gott, kein Gericht - es wurde beschlossen. Die Hölle ist ein heller Raum mit drei Sofas. In drei Farben. Mehr nicht. Was also ist die Hölle? Warum ist das für die drei die Hölle? Genau das müssen die drei Verdammten herausfinden

Drei Menschen. Zwei Frauen. Ein Mann. Gestorben. Vor Kurzem. Man hat sie in die Hölle geschickt: Kein Gott, kein Gericht - es wurde beschlossen. Die Hölle ist ein heller Raum mit drei Sofas. In drei Farben. Mehr nicht. Was also ist die Hölle? Warum ist das für die drei die Hölle? Genau das müssen die drei Verdammten herausfinden

Drei Menschen. Zwei Frauen. Ein Mann. Gestorben. Vor Kurzem. Man hat sie in die Hölle geschickt: Kein Gott, kein Gericht - es wurde beschlossen. Die Hölle ist ein heller Raum mit drei Sofas. In drei Farben. Mehr nicht. Was also ist die Hölle? Warum ist das für die drei die Hölle? Genau das müssen die drei Verdammten herausfinden

What you see is what you get
Liebe und Einsamkeit, Begehren und Macht, erotische Tabus und Voyeurismus – Marie Brassard beleuchtet in „Peepshow“ in 19 Episoden Spielarten menschlicher Sehnsüchte und Abgründe. Assoziativ verknüpft mit Märchenmotiven, reißen die Episoden wie in einer Peepshow schlaglichtartig Fenster zu unterdrückten menschlichen Erfahrungen auf; aufregend, überraschend und berührend.

Ursprünglich von der Autorin als One-Woman-Show angelegt, wird der schillernde Text von Lara Jung für ihre Abschlussinszenierung in Passau mit zwei Schauspielerinnen auf die Bühne gebracht. Auf diese Weise will sie die physische und emotionale Intimität der Szenen, Anziehung und Abstoßung, Neugier und Schmerz der Figuren auf spannungsvolle Weise ausloten. Musik und Choreographie spielen für die Regisseurin dabei auch in dieser Inszenierung eine wesentliche Rolle.

Lara Jung hat an dem Text vor allem die Schönheit des Augenblicks fasziniert, die den Episoden innewohnt: „Die kurzen Momentaufnahmen der einzelnen Geschichten bringen einen oft zugleich zum Lachen und zum Weinen. Jeder und jede wird sich in einzelnen Momenten wiederfinden – und jede*r wird sich anders von dem Stoff berührt fühlen.“

What you see is what you get
Liebe und Einsamkeit, Begehren und Macht, erotische Tabus und Voyeurismus – Marie Brassard beleuchtet in „Peepshow“ in 19 Episoden Spielarten menschlicher Sehnsüchte und Abgründe. Assoziativ verknüpft mit Märchenmotiven, reißen die Episoden wie in einer Peepshow schlaglichtartig Fenster zu unterdrückten menschlichen Erfahrungen auf; aufregend, überraschend und berührend.

Ursprünglich von der Autorin als One-Woman-Show angelegt, wird der schillernde Text von Lara Jung für ihre Abschlussinszenierung in Passau mit zwei Schauspielerinnen auf die Bühne gebracht. Auf diese Weise will sie die physische und emotionale Intimität der Szenen, Anziehung und Abstoßung, Neugier und Schmerz der Figuren auf spannungsvolle Weise ausloten. Musik und Choreographie spielen für die Regisseurin dabei auch in dieser Inszenierung eine wesentliche Rolle.

Lara Jung hat an dem Text vor allem die Schönheit des Augenblicks fasziniert, die den Episoden innewohnt: „Die kurzen Momentaufnahmen der einzelnen Geschichten bringen einen oft zugleich zum Lachen und zum Weinen. Jeder und jede wird sich in einzelnen Momenten wiederfinden – und jede*r wird sich anders von dem Stoff berührt fühlen.“

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Liebe und Einsamkeit, Begehren und Macht, erotische Tabus und Voyeurismus – Marie Brassard beleuchtet in „Peepshow“ in 19 Episoden Spielarten menschlicher Sehnsüchte und Abgründe. Assoziativ verknüpft mit Märchenmotiven, reißen die Episoden wie in einer Peepshow schlaglichtartig Fenster zu unterdrückten menschlichen Erfahrungen auf; aufregend, überraschend und berührend.

Ursprünglich von der Autorin als One-Woman-Show angelegt, wird der schillernde Text von Lara Jung für ihre Abschlussinszenierung in Passau mit zwei Schauspielerinnen auf die Bühne gebracht. Auf diese Weise will sie die physische und emotionale Intimität der Szenen, Anziehung und Abstoßung, Neugier und Schmerz der Figuren auf spannungsvolle Weise ausloten. Musik und Choreographie spielen für die Regisseurin dabei auch in dieser Inszenierung eine wesentliche Rolle.

Lara Jung hat an dem Text vor allem die Schönheit des Augenblicks fasziniert, die den Episoden innewohnt: „Die kurzen Momentaufnahmen der einzelnen Geschichten bringen einen oft zugleich zum Lachen und zum Weinen. Jeder und jede wird sich in einzelnen Momenten wiederfinden – und jede*r wird sich anders von dem Stoff berührt fühlen.“

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Liebe und Einsamkeit, Begehren und Macht, erotische Tabus und Voyeurismus – Marie Brassard beleuchtet in „Peepshow“ in 19 Episoden Spielarten menschlicher Sehnsüchte und Abgründe. Assoziativ verknüpft mit Märchenmotiven, reißen die Episoden wie in einer Peepshow schlaglichtartig Fenster zu unterdrückten menschlichen Erfahrungen auf; aufregend, überraschend und berührend.

Ursprünglich von der Autorin als One-Woman-Show angelegt, wird der schillernde Text von Lara Jung für ihre Abschlussinszenierung in Passau mit zwei Schauspielerinnen auf die Bühne gebracht. Auf diese Weise will sie die physische und emotionale Intimität der Szenen, Anziehung und Abstoßung, Neugier und Schmerz der Figuren auf spannungsvolle Weise ausloten. Musik und Choreographie spielen für die Regisseurin dabei auch in dieser Inszenierung eine wesentliche Rolle.

Lara Jung hat an dem Text vor allem die Schönheit des Augenblicks fasziniert, die den Episoden innewohnt: „Die kurzen Momentaufnahmen der einzelnen Geschichten bringen einen oft zugleich zum Lachen und zum Weinen. Jeder und jede wird sich in einzelnen Momenten wiederfinden – und jede*r wird sich anders von dem Stoff berührt fühlen.“

Schule: Was war – und was wäre, wenn?

Billie und Clara sehen sich bei einem Klassentreffen fünf Jahren nach dem Schulabschluss zum ersten Mal wieder. Was als verlegenes Treffen unter ehemaligen Freundinnen beginnt,
entwickelt sich schnell zu einer emotionalen Zeitreise durch die schlimmsten und schönsten Erlebnisse ihrer Schulzeit. Alte Wunden werden aufgerissen, vermeintliche Gewissheiten wanken, Glaubenssätze werden revidiert, und schließlich blicken die beiden neu auf sich, einander und die Schule als Ort des „Lernens fürs Leben“. In der Inszenierung von Liam Krumstroh spielen zwei Darstellerinnen die ehemaligen Schülerinnen. Das Theaterstudio wird zum Klassenzimmer und lässt uns gemeinsam mit den Figuren schreckliche und komische Momente ihrer Schulzeit erleben, die auch uns allzu bekannt erscheinen. Über Zeitebenen und Schmerzgrenzen hinweg steigen wir mit den Figuren tiefer und tiefer in ihre Erinnerungen hinab und stellen uns mit ihnen die Frage: „Sind wir am Ende noch dieselben - und wird sich je etwas ändern?“

„Fische im Weltall“ ist eine Stückentwicklung von Liam Krumstroh, kreiert aus persönlichen Erlebnissen und Geschichten. Als er zum Thema Schule keinen Text fand, der seine Schulerfahrungen einfangen konnte, entwickelte er kurzerhand selbst ein Stück. Das Thema ist für den Regisseur angesichts chronischer Bildungsmisere, Geld- und Lehrermangel aktueller denn je: „Ich möchte von meinen Erfahrungen berichten, um den Zustand unserer Schulen und dessen Folgen zu thematisieren. Mit meinen persönlichen Geschichten möchte ich die Menschen bei ihren eigenen Erinnerungen packen und sie zum Nachdenken und Diskutieren bringen – damit sich endlich etwas ändern kann.“

Schule: Was war – und was wäre, wenn?

Billie und Clara sehen sich bei einem Klassentreffen fünf Jahren nach dem Schulabschluss zum ersten Mal wieder. Was als verlegenes Treffen unter ehemaligen Freundinnen beginnt,
entwickelt sich schnell zu einer emotionalen Zeitreise durch die schlimmsten und schönsten Erlebnisse ihrer Schulzeit. Alte Wunden werden aufgerissen, vermeintliche Gewissheiten wanken, Glaubenssätze werden revidiert, und schließlich blicken die beiden neu auf sich, einander und die Schule als Ort des „Lernens fürs Leben“. In der Inszenierung von Liam Krumstroh spielen zwei Darstellerinnen die ehemaligen Schülerinnen. Das Theaterstudio wird zum Klassenzimmer und lässt uns gemeinsam mit den Figuren schreckliche und komische Momente ihrer Schulzeit erleben, die auch uns allzu bekannt erscheinen. Über Zeitebenen und Schmerzgrenzen hinweg steigen wir mit den Figuren tiefer und tiefer in ihre Erinnerungen hinab und stellen uns mit ihnen die Frage: „Sind wir am Ende noch dieselben - und wird sich je etwas ändern?“

„Fische im Weltall“ ist eine Stückentwicklung von Liam Krumstroh, kreiert aus persönlichen Erlebnissen und Geschichten. Als er zum Thema Schule keinen Text fand, der seine Schulerfahrungen einfangen konnte, entwickelte er kurzerhand selbst ein Stück. Das Thema ist für den Regisseur angesichts chronischer Bildungsmisere, Geld- und Lehrermangel aktueller denn je: „Ich möchte von meinen Erfahrungen berichten, um den Zustand unserer Schulen und dessen Folgen zu thematisieren. Mit meinen persönlichen Geschichten möchte ich die Menschen bei ihren eigenen Erinnerungen packen und sie zum Nachdenken und Diskutieren bringen – damit sich endlich etwas ändern kann.“

Schule: Was war – und was wäre, wenn?

Billie und Clara sehen sich bei einem Klassentreffen fünf Jahren nach dem Schulabschluss zum ersten Mal wieder. Was als verlegenes Treffen unter ehemaligen Freundinnen beginnt,
entwickelt sich schnell zu einer emotionalen Zeitreise durch die schlimmsten und schönsten Erlebnisse ihrer Schulzeit. Alte Wunden werden aufgerissen, vermeintliche Gewissheiten wanken, Glaubenssätze werden revidiert, und schließlich blicken die beiden neu auf sich, einander und die Schule als Ort des „Lernens fürs Leben“. In der Inszenierung von Liam Krumstroh spielen zwei Darstellerinnen die ehemaligen Schülerinnen. Das Theaterstudio wird zum Klassenzimmer und lässt uns gemeinsam mit den Figuren schreckliche und komische Momente ihrer Schulzeit erleben, die auch uns allzu bekannt erscheinen. Über Zeitebenen und Schmerzgrenzen hinweg steigen wir mit den Figuren tiefer und tiefer in ihre Erinnerungen hinab und stellen uns mit ihnen die Frage: „Sind wir am Ende noch dieselben - und wird sich je etwas ändern?“

„Fische im Weltall“ ist eine Stückentwicklung von Liam Krumstroh, kreiert aus persönlichen Erlebnissen und Geschichten. Als er zum Thema Schule keinen Text fand, der seine Schulerfahrungen einfangen konnte, entwickelte er kurzerhand selbst ein Stück. Das Thema ist für den Regisseur angesichts chronischer Bildungsmisere, Geld- und Lehrermangel aktueller denn je: „Ich möchte von meinen Erfahrungen berichten, um den Zustand unserer Schulen und dessen Folgen zu thematisieren. Mit meinen persönlichen Geschichten möchte ich die Menschen bei ihren eigenen Erinnerungen packen und sie zum Nachdenken und Diskutieren bringen – damit sich endlich etwas ändern kann.“

Die Menschen verstehen das Leben nicht mehr

Die Welt ist aus den Fugen: Man blinzelt und ein See ist verschwunden, Berge stürzen ein, der Frost, der seit Jahrtausenden Sibirien bedeckt, schmilzt und lässt die Toten, die darin ruhten, in einer gewandelten Welt aufwachen. Einer davon, ein 13000 Jahre alter Hund, findet sich in Brandenburg wieder und trifft dort auf die 13jährige Jo, die über einen fast ausgetrockneten See wacht. Der Hund nimmt Jo mit auf seine aussichtslos scheinende Mission, die Entwicklung aufzuhalten, und gemeinsam machen sie sich auf den Weg, das Matterhorn vor dem Einsturz zu retten.

„Grelle Tage“ von Selma Matter erzählt nah an den Fakten, jedoch auf surreal und poetische Weise von der Katastrophe, in der wir leben. Dass diese eigentlich zu groß für die Bühne ist, macht die Autorin durch eine Parallelität von Handlungen und Orten greifbar. Die Inszenierung von Florian Bieri versucht wie seine Hauptfiguren, gespielt von Doris Länglacher und Katharina Engelmann, dennoch das Unmögliche: Sie lässt Berge auf Schuhschachtelgröße schrumpfen und Tomaten riesig werden, um die dramatischen Folgen des Klimawandels dazustellen. Die parallelen Nebenhandlungen an unterschiedlichsten Orten mischen sich per Video in die Bühnenhandlung, in denen Zoë Dobrileit und Evelyn Schulz alle anderen Figuren verkörpern. So wird die im Stück beschriebene Überforderung der Hauptfiguren auch zum Thema der Umsetzung.

Florian Bieri fasziniert an dem Stück der einzigartige Umgang mit dem komplexen Stoff: „Die Folgen des Klimawandels werden in der Kunst oft nur düster und pessimistisch gezeichnet – oder verharmlost. Selma Matter zeigt in ihrem Stück uns Menschen weder als zerstörerische Monster noch als unschuldige Opfer, sondern nimmt die Perspektive der überforderten Menschen ein und führt das Versprechen technischer Rettungsversuche ad absurdum. Sie zeigt zwar die Zerstörung und beschönigt nichts, streckt aber eine empathische Hand aus und versucht, einen Dialog zwischen Mensch und Natur anzustoßen.“

Die Menschen verstehen das Leben nicht mehr

Die Welt ist aus den Fugen: Man blinzelt und ein See ist verschwunden, Berge stürzen ein, der Frost, der seit Jahrtausenden Sibirien bedeckt, schmilzt und lässt die Toten, die darin ruhten, in einer gewandelten Welt aufwachen. Einer davon, ein 13000 Jahre alter Hund, findet sich in Brandenburg wieder und trifft dort auf die 13jährige Jo, die über einen fast ausgetrockneten See wacht. Der Hund nimmt Jo mit auf seine aussichtslos scheinende Mission, die Entwicklung aufzuhalten, und gemeinsam machen sie sich auf den Weg, das Matterhorn vor dem Einsturz zu retten.

„Grelle Tage“ von Selma Matter erzählt nah an den Fakten, jedoch auf surreal und poetische Weise von der Katastrophe, in der wir leben. Dass diese eigentlich zu groß für die Bühne ist, macht die Autorin durch eine Parallelität von Handlungen und Orten greifbar. Die Inszenierung von Florian Bieri versucht wie seine Hauptfiguren, gespielt von Doris Länglacher und Katharina Engelmann, dennoch das Unmögliche: Sie lässt Berge auf Schuhschachtelgröße schrumpfen und Tomaten riesig werden, um die dramatischen Folgen des Klimawandels dazustellen. Die parallelen Nebenhandlungen an unterschiedlichsten Orten mischen sich per Video in die Bühnenhandlung, in denen Zoë Dobrileit und Evelyn Schulz alle anderen Figuren verkörpern. So wird die im Stück beschriebene Überforderung der Hauptfiguren auch zum Thema der Umsetzung.

Florian Bieri fasziniert an dem Stück der einzigartige Umgang mit dem komplexen Stoff: „Die Folgen des Klimawandels werden in der Kunst oft nur düster und pessimistisch gezeichnet – oder verharmlost. Selma Matter zeigt in ihrem Stück uns Menschen weder als zerstörerische Monster noch als unschuldige Opfer, sondern nimmt die Perspektive der überforderten Menschen ein und führt das Versprechen technischer Rettungsversuche ad absurdum. Sie zeigt zwar die Zerstörung und beschönigt nichts, streckt aber eine empathische Hand aus und versucht, einen Dialog zwischen Mensch und Natur anzustoßen.“

Die Menschen verstehen das Leben nicht mehr

Die Welt ist aus den Fugen: Man blinzelt und ein See ist verschwunden, Berge stürzen ein, der Frost, der seit Jahrtausenden Sibirien bedeckt, schmilzt und lässt die Toten, die darin ruhten, in einer gewandelten Welt aufwachen. Einer davon, ein 13000 Jahre alter Hund, findet sich in Brandenburg wieder und trifft dort auf die 13jährige Jo, die über einen fast ausgetrockneten See wacht. Der Hund nimmt Jo mit auf seine aussichtslos scheinende Mission, die Entwicklung aufzuhalten, und gemeinsam machen sie sich auf den Weg, das Matterhorn vor dem Einsturz zu retten.

„Grelle Tage“ von Selma Matter erzählt nah an den Fakten, jedoch auf surreal und poetische Weise von der Katastrophe, in der wir leben. Dass diese eigentlich zu groß für die Bühne ist, macht die Autorin durch eine Parallelität von Handlungen und Orten greifbar. Die Inszenierung von Florian Bieri versucht wie seine Hauptfiguren, gespielt von Doris Länglacher und Katharina Engelmann, dennoch das Unmögliche: Sie lässt Berge auf Schuhschachtelgröße schrumpfen und Tomaten riesig werden, um die dramatischen Folgen des Klimawandels dazustellen. Die parallelen Nebenhandlungen an unterschiedlichsten Orten mischen sich per Video in die Bühnenhandlung, in denen Zoë Dobrileit und Evelyn Schulz alle anderen Figuren verkörpern. So wird die im Stück beschriebene Überforderung der Hauptfiguren auch zum Thema der Umsetzung.

Florian Bieri fasziniert an dem Stück der einzigartige Umgang mit dem komplexen Stoff: „Die Folgen des Klimawandels werden in der Kunst oft nur düster und pessimistisch gezeichnet – oder verharmlost. Selma Matter zeigt in ihrem Stück uns Menschen weder als zerstörerische Monster noch als unschuldige Opfer, sondern nimmt die Perspektive der überforderten Menschen ein und führt das Versprechen technischer Rettungsversuche ad absurdum. Sie zeigt zwar die Zerstörung und beschönigt nichts, streckt aber eine empathische Hand aus und versucht, einen Dialog zwischen Mensch und Natur anzustoßen.“

März 1759. Während der Komet Halley auf die Erde zurast, sollen in einem englischen Dorf neun Frauen als Geschworene in einem Gerichtsprozess das Urteil über eine mutmaßliche Kindsmörderin fällen. Die Schuld der Angeklagten scheint festzustehen; allerdings behauptet sie, seit kurzem schwanger zu sein, was sie zumindest vor dem Galgen retten würde. Doch wie lässt sich in einem so frühen Stadium überprüfen, ob sie lügt oder die Wahrheit sagt? Abrupt herausgerissen aus ihrem Alltag, bedrängt von einem auf der Straße tobenden Mob und konfrontiert mit einem Rechtssystem, das ihnen fremd und feindlich gegenübersteht, müssen die neun ganz unterschiedlichen Frauen über Leben oder Tod entscheiden.

Vernunft trifft dabei auf Aberglauben, gottesfürchtiger Gehorsam auf offene Rebellion, und der weibliche Körper wird zum Schlachtfeld patriarchaler Positionen. (Rowohlt Theater Verlag)

März 1759. Während der Komet Halley auf die Erde zurast, sollen in einem englischen Dorf neun Frauen als Geschworene in einem Gerichtsprozess das Urteil über eine mutmaßliche Kindsmörderin fällen. Die Schuld der Angeklagten scheint festzustehen; allerdings behauptet sie, seit kurzem schwanger zu sein, was sie zumindest vor dem Galgen retten würde. Doch wie lässt sich in einem so frühen Stadium überprüfen, ob sie lügt oder die Wahrheit sagt? Abrupt herausgerissen aus ihrem Alltag, bedrängt von einem auf der Straße tobenden Mob und konfrontiert mit einem Rechtssystem, das ihnen fremd und feindlich gegenübersteht, müssen die neun ganz unterschiedlichen Frauen über Leben oder Tod entscheiden.

Vernunft trifft dabei auf Aberglauben, gottesfürchtiger Gehorsam auf offene Rebellion, und der weibliche Körper wird zum Schlachtfeld patriarchaler Positionen. (Rowohlt Theater Verlag)

Jede der Figuren lebt - so gut es geht - ihr Leben. Für sie selbst ist alles richtig, alles normal: was sie tut, wie sie es tut, warum sie es tut. Nur ihr Universum existiert. In diesem hält sie sich über Wasser. Für jedes andere Wesen ist ihre Welt fremd, falsch - absurd.

Wissen sie überhaupt, wie einsam sie sind? Wie unverständlich für andere? Niemand von ihnen macht sich die Mühe, sich ein anderes Zentrum näher anzuschauen. Jeder geht davon aus, die Wahrheit zu besitzen. Blind und taub für andere Welten gehen sie von sich aus und kommen nie bei anderen an.

Einsam sind sie, ohne es zu merken. Seltsam, ohne es zu empfinden. Seifenblasen, die zerplatzen, wenn sie sich an anderen stoßen.

Der 1. Jahrgang spielt diesen Abend der komischen oder tragischen - der seltsamen - Arten zu leben

März 1759. Während der Komet Halley auf die Erde zurast, sollen in einem englischen Dorf neun Frauen als Geschworene in einem Gerichtsprozess das Urteil über eine mutmaßliche Kindsmörderin fällen. Die Schuld der Angeklagten scheint festzustehen; allerdings behauptet sie, seit kurzem schwanger zu sein, was sie zumindest vor dem Galgen retten würde. Doch wie lässt sich in einem so frühen Stadium überprüfen, ob sie lügt oder die Wahrheit sagt? Abrupt herausgerissen aus ihrem Alltag, bedrängt von einem auf der Straße tobenden Mob und konfrontiert mit einem Rechtssystem, das ihnen fremd und feindlich gegenübersteht, müssen die neun ganz unterschiedlichen Frauen über Leben oder Tod entscheiden.

Vernunft trifft dabei auf Aberglauben, gottesfürchtiger Gehorsam auf offene Rebellion, und der weibliche Körper wird zum Schlachtfeld patriarchaler Positionen. (Rowohlt Theater Verlag)

Jede der Figuren lebt - so gut es geht - ihr Leben. Für sie selbst ist alles richtig, alles normal: was sie tut, wie sie es tut, warum sie es tut. Nur ihr Universum existiert. In diesem hält sie sich über Wasser. Für jedes andere Wesen ist ihre Welt fremd, falsch - absurd.

Wissen sie überhaupt, wie einsam sie sind? Wie unverständlich für andere? Niemand von ihnen macht sich die Mühe, sich ein anderes Zentrum näher anzuschauen. Jeder geht davon aus, die Wahrheit zu besitzen. Blind und taub für andere Welten gehen sie von sich aus und kommen nie bei anderen an.

Einsam sind sie, ohne es zu merken. Seltsam, ohne es zu empfinden. Seifenblasen, die zerplatzen, wenn sie sich an anderen stoßen.

Der 1. Jahrgang spielt diesen Abend der komischen oder tragischen - der seltsamen - Arten zu leben

Das Heer ist fort. Jeder Mann Persiens wurde bewaffnet. Unter Gottkönig Xerxes schlagen die persischen Streitmächte eine Brücke über den Hellespont. Die Rache an Athen soll endlich gelingen. Zurück bleiben nur wenige. „Die Perser” von Aischylos behandelt die erfolgreiche Verteidigung der griechischen Stadtstaaten gegen die übermächtige persische Invasion. Doch Aischylos erzählt aus der Perspektive der Verlierer, zeigt die Folgen eines leichtfertig begonnen Krieges.
Die Inszenierung von Lorenz Dauber fokussiert auf die Konfrontation der gesellschaftlichen Klassen Persiens angesichts der Kriegsniederlage. Vier Darstellerinnen des 3. Jahrgangs verkörpern die zentralen Handlungsträger:innen: Da ist die elitäre Atossa, die allein um Status und Macht fürchtet. Da ist Dareios, der Geist von Xerxes‘ Vater, der trotz seines eigenen Scheiterns alles besser weiß. Da ist der Bote, der als einziger den Krieg wirklich gesehen hat und die Botschaft des Scheiterns überbringen muss. Und da ist Xerxes, der aller menschlichen Verluste zum Trotz bis zuletzt an einem Sieg festhält. Ihre Entscheidungen bestimmen das Schicksal des Volkes, das bei Lorenz Dauber nicht durch den „Chor“ vertreten, sondern zur Unmündigkeit verdammt ist.

„Die täglichen schockierenden Nachrichten aus der Ukraine haben mich dazu gebracht, mich mit dem Thema Krieg auseinanderzusetzen – aber auch mit der Fähigkeit sowie der Unfähigkeit der Kunst in Bezug darauf”, sagt Lorenz Dauber. Aischylos‘ Text wird bei ihm zum modernen (Anti-)Kriegsstück, indem er ihn mit zeitgenössischen Texten zum Krieg ergänzt – wie z.B. Obamas Dankesrede beim Erhalt des Friedensnobelpreises. Oder den schon nach dem Ersten Weltkrieg von Arthur Ponsonby formulierten und bestürzend aktuellen 10 Prinzipien der Kriegspropaganda: „Wir wollen den Krieg nicht! Das gegnerische Lager trägt die Verantwortung!“

Das Heer ist fort. Jeder Mann Persiens wurde bewaffnet. Unter Gottkönig Xerxes schlagen die persischen Streitmächte eine Brücke über den Hellespont. Die Rache an Athen soll endlich gelingen. Zurück bleiben nur wenige. „Die Perser” von Aischylos behandelt die erfolgreiche Verteidigung der griechischen Stadtstaaten gegen die übermächtige persische Invasion. Doch Aischylos erzählt aus der Perspektive der Verlierer, zeigt die Folgen eines leichtfertig begonnen Krieges.
Die Inszenierung von Lorenz Dauber fokussiert auf die Konfrontation der gesellschaftlichen Klassen Persiens angesichts der Kriegsniederlage. Vier Darstellerinnen des 3. Jahrgangs verkörpern die zentralen Handlungsträger:innen: Da ist die elitäre Atossa, die allein um Status und Macht fürchtet. Da ist Dareios, der Geist von Xerxes‘ Vater, der trotz seines eigenen Scheiterns alles besser weiß. Da ist der Bote, der als einziger den Krieg wirklich gesehen hat und die Botschaft des Scheiterns überbringen muss. Und da ist Xerxes, der aller menschlichen Verluste zum Trotz bis zuletzt an einem Sieg festhält. Ihre Entscheidungen bestimmen das Schicksal des Volkes, das bei Lorenz Dauber nicht durch den „Chor“ vertreten, sondern zur Unmündigkeit verdammt ist.

„Die täglichen schockierenden Nachrichten aus der Ukraine haben mich dazu gebracht, mich mit dem Thema Krieg auseinanderzusetzen – aber auch mit der Fähigkeit sowie der Unfähigkeit der Kunst in Bezug darauf”, sagt Lorenz Dauber. Aischylos‘ Text wird bei ihm zum modernen (Anti-)Kriegsstück, indem er ihn mit zeitgenössischen Texten zum Krieg ergänzt – wie z.B. Obamas Dankesrede beim Erhalt des Friedensnobelpreises. Oder den schon nach dem Ersten Weltkrieg von Arthur Ponsonby formulierten und bestürzend aktuellen 10 Prinzipien der Kriegspropaganda: „Wir wollen den Krieg nicht! Das gegnerische Lager trägt die Verantwortung!“

Das Heer ist fort. Jeder Mann Persiens wurde bewaffnet. Unter Gottkönig Xerxes schlagen die persischen Streitmächte eine Brücke über den Hellespont. Die Rache an Athen soll endlich gelingen. Zurück bleiben nur wenige. „Die Perser” von Aischylos behandelt die erfolgreiche Verteidigung der griechischen Stadtstaaten gegen die übermächtige persische Invasion. Doch Aischylos erzählt aus der Perspektive der Verlierer, zeigt die Folgen eines leichtfertig begonnen Krieges.
Die Inszenierung von Lorenz Dauber fokussiert auf die Konfrontation der gesellschaftlichen Klassen Persiens angesichts der Kriegsniederlage. Vier Darstellerinnen des 3. Jahrgangs verkörpern die zentralen Handlungsträger:innen: Da ist die elitäre Atossa, die allein um Status und Macht fürchtet. Da ist Dareios, der Geist von Xerxes‘ Vater, der trotz seines eigenen Scheiterns alles besser weiß. Da ist der Bote, der als einziger den Krieg wirklich gesehen hat und die Botschaft des Scheiterns überbringen muss. Und da ist Xerxes, der aller menschlichen Verluste zum Trotz bis zuletzt an einem Sieg festhält. Ihre Entscheidungen bestimmen das Schicksal des Volkes, das bei Lorenz Dauber nicht durch den „Chor“ vertreten, sondern zur Unmündigkeit verdammt ist.

„Die täglichen schockierenden Nachrichten aus der Ukraine haben mich dazu gebracht, mich mit dem Thema Krieg auseinanderzusetzen – aber auch mit der Fähigkeit sowie der Unfähigkeit der Kunst in Bezug darauf”, sagt Lorenz Dauber. Aischylos‘ Text wird bei ihm zum modernen (Anti-)Kriegsstück, indem er ihn mit zeitgenössischen Texten zum Krieg ergänzt – wie z.B. Obamas Dankesrede beim Erhalt des Friedensnobelpreises. Oder den schon nach dem Ersten Weltkrieg von Arthur Ponsonby formulierten und bestürzend aktuellen 10 Prinzipien der Kriegspropaganda: „Wir wollen den Krieg nicht! Das gegnerische Lager trägt die Verantwortung!“

Athen, um 410 v.Chr. Zwanzig Jahre dauert der Krieg zwischen Athen und seinen Nachbarstädten nun schon und die zurückgebliebenen Frauen haben den ewigen Bruderzwist gründlich satt – aber was tun? Lysistrata ergreift die Initiative. Sie ruft alle Frauen aller Krieg führenden Parteien zusammen und trägt ihnen einen Plan vor, wie man die kriegssüchtigen Männer kurieren könne: Kein Sex- bis Frieden herrscht!

Nach Schwur und Schlachtruf besetzen die Frauen die Akropolis. Die Staatskasse wird unter ihre Kontrolle gebracht und sie wehren Beschimpfungen und Angriffe der Männer erfolgreich ab. Doch mit der Zeit droht die eigene Lust den Widerstand der Frauen zu zersetzen. Aber zusammen bleiben sie standhaft, denn sie kämpfen hier nicht nur gegen den Krieg, sondern auch um die eigene Anerkennung und Gleichberechtigung. Schließlich legen die Männer ihren Krieg bei – körperlich entmachtet, aber mit unwiderlegbaren Argumenten für den Frieden konfrontiert: Sex befriedigt mehr als Krieg und ohne Frauen gibt es gar keine Zukunft, für die es sich zu kämpfen lohnt.

Aristophanes` vor über 2000 Jahren geschriebenes Stück ist leider immer noch hoch aktuell. Neben dem immerwährenden Thema des Krieges sind auch die vielen emanzipatorischen Anspielungen auf die heutigen Beziehungen zwischen Frauen und Männern und die Verhältnisse in der Gesellschaft durchaus übertragbar: Wer hat das Sagen? Wer versorgt die Kinder? Wer verdient das Geld? Wer engagiert sich in der Politik? Wieso herrscht immer noch keine Gleichstellung? Warum gibt es immer noch soviel Gewalt, auch in Beziehungen?

Benedikt Buchecker greift mit seiner Inszenierung diese Gesellschaftskritik auf und erweitert sie geschickt. Lysistrata wird bei ihm zum Vexierspiel zwischen dem Damals und den, scheinbar emanzipierten, Gegebenheiten heute. Denn auch im Hier und Jetzt müssen wir uns weiterhin unbequeme Fragen stellen, zu den Rollen, die Frauen in unserer Zeit einnehmen (dürfen) und ob, auch angesichts der realen Gewalt, der sich Frauen immer noch ausgesetzt sehen, der Kampf der Geschlechter wirklich schon ausgetragen ist, oder es eine weitere Runde braucht, um ihn und unser selbstzerstörerisches Streben nach Macht ein für allemal zu begraben

„Stellt euch einen Zoo vor. Einen Zoo vor vielen Jahren. Einen Schwarzweißfotozoo.“

Im dem Zoo leben Papa Pavian, das Murmeltiermädchen und Herr Mufflon friedlich in ihren Gehegen, bis der neue Bär kommt und Unruhe in ihren Alltag bringt. Er stellt unangenehme Fragen zu den Geschehnissen auf der anderen Seite des Zauns. Die Tiere reagieren reserviert. Natürlich sehen auch sie, wie die „Gestiefelten“ dort die „Gestreiften“ quälen, und nehmen den widerlichen Gestank wahr, der aus dem Schornstein kommt. Aber für Papa Pavian ist klar, dass es nur Ärger bringt, wenn man sich einmischt. Die Tiere arrangieren sich mit den Zuständen, ohne sie zu hinterfragen, solange es ihnen selbst gut geht. Doch der Bär denkt anders. Er kann nicht wegsehen und mischt sich ein. Und dann ist da auch noch das Nashorn und die Frage, was es sah, als es auf die andere Seite des Zauns schaute...

1938 wurde neben dem KZ Buchenwald zur Unterhaltung der SS und ihrer Familien ein Zoo erbaut, der heute wieder besichtigt werden kann. Jens Raschke schafft es in seinem preisgekrönten Stück, Kindern dieses erschütternde Kapitel unserer Geschichte sensibel, poetisch und sogar mit Humor nahezubringen, indem er die Zuschauer:innen durch die Augen der Tiere auf die Geschehnisse jenseits des Zauns schauen lässt. In Anna Waibels phantasievoller, temporeicher Inszenierung schlüpfen Benigna Laurentia Arati Shoba Munsi, Caroline Bröker, Julia Stang und Maximilian Willi Frick abwechselnd in die Rollen der Zootiere und Erzähler:innen. Gemeinsam stellen sie auf spielerische Weise die Frage: Hinschauen wie der Bär – oder wegschauen wie der Pavian?

Während der Vorbereitung zu ihrer Inszenierung war Anna Waibel selbst in Buchenwald. „Als ich das Stück zum ersten Mal las, fand ich die Vorstellung eines Zoos direkt neben einem KZ so unglaublich, dass ich hinfahren musste, um mir selbst ein Bild zu machen,“ sagt sie. „Dort wurde mir wieder einmal vor Augen geführt, wie traurig dieser Teil unserer Geschichte ist und wie wichtig es ist, die nächsten Generationen darüber aufzuklären.“ In ihrer Umsetzung von Jens Raschkes Parabel des kollektiven Wegsehens möchte sie mit viel Spielfreude, Witz und Ernst das Thema Kindern nahebringen.

Das Stück wird ab 10 Jahren empfohlen. Schulaufführungen nach Vereinbarung.

Athen, um 410 v.Chr. Zwanzig Jahre dauert der Krieg zwischen Athen und seinen Nachbarstädten nun schon und die zurückgebliebenen Frauen haben den ewigen Bruderzwist gründlich satt – aber was tun? Lysistrata ergreift die Initiative. Sie ruft alle Frauen aller Krieg führenden Parteien zusammen und trägt ihnen einen Plan vor, wie man die kriegssüchtigen Männer kurieren könne: Kein Sex- bis Frieden herrscht!

Nach Schwur und Schlachtruf besetzen die Frauen die Akropolis. Die Staatskasse wird unter ihre Kontrolle gebracht und sie wehren Beschimpfungen und Angriffe der Männer erfolgreich ab. Doch mit der Zeit droht die eigene Lust den Widerstand der Frauen zu zersetzen. Aber zusammen bleiben sie standhaft, denn sie kämpfen hier nicht nur gegen den Krieg, sondern auch um die eigene Anerkennung und Gleichberechtigung. Schließlich legen die Männer ihren Krieg bei – körperlich entmachtet, aber mit unwiderlegbaren Argumenten für den Frieden konfrontiert: Sex befriedigt mehr als Krieg und ohne Frauen gibt es gar keine Zukunft, für die es sich zu kämpfen lohnt.

Aristophanes` vor über 2000 Jahren geschriebenes Stück ist leider immer noch hoch aktuell. Neben dem immerwährenden Thema des Krieges sind auch die vielen emanzipatorischen Anspielungen auf die heutigen Beziehungen zwischen Frauen und Männern und die Verhältnisse in der Gesellschaft durchaus übertragbar: Wer hat das Sagen? Wer versorgt die Kinder? Wer verdient das Geld? Wer engagiert sich in der Politik? Wieso herrscht immer noch keine Gleichstellung? Warum gibt es immer noch soviel Gewalt, auch in Beziehungen?

Benedikt Buchecker greift mit seiner Inszenierung diese Gesellschaftskritik auf und erweitert sie geschickt. Lysistrata wird bei ihm zum Vexierspiel zwischen dem Damals und den, scheinbar emanzipierten, Gegebenheiten heute. Denn auch im Hier und Jetzt müssen wir uns weiterhin unbequeme Fragen stellen, zu den Rollen, die Frauen in unserer Zeit einnehmen (dürfen) und ob, auch angesichts der realen Gewalt, der sich Frauen immer noch ausgesetzt sehen, der Kampf der Geschlechter wirklich schon ausgetragen ist, oder es eine weitere Runde braucht, um ihn und unser selbstzerstörerisches Streben nach Macht ein für allemal zu begraben

„Stellt euch einen Zoo vor. Einen Zoo vor vielen Jahren. Einen Schwarzweißfotozoo.“

Im dem Zoo leben Papa Pavian, das Murmeltiermädchen und Herr Mufflon friedlich in ihren Gehegen, bis der neue Bär kommt und Unruhe in ihren Alltag bringt. Er stellt unangenehme Fragen zu den Geschehnissen auf der anderen Seite des Zauns. Die Tiere reagieren reserviert. Natürlich sehen auch sie, wie die „Gestiefelten“ dort die „Gestreiften“ quälen, und nehmen den widerlichen Gestank wahr, der aus dem Schornstein kommt. Aber für Papa Pavian ist klar, dass es nur Ärger bringt, wenn man sich einmischt. Die Tiere arrangieren sich mit den Zuständen, ohne sie zu hinterfragen, solange es ihnen selbst gut geht. Doch der Bär denkt anders. Er kann nicht wegsehen und mischt sich ein. Und dann ist da auch noch das Nashorn und die Frage, was es sah, als es auf die andere Seite des Zauns schaute...

1938 wurde neben dem KZ Buchenwald zur Unterhaltung der SS und ihrer Familien ein Zoo erbaut, der heute wieder besichtigt werden kann. Jens Raschke schafft es in seinem preisgekrönten Stück, Kindern dieses erschütternde Kapitel unserer Geschichte sensibel, poetisch und sogar mit Humor nahezubringen, indem er die Zuschauer:innen durch die Augen der Tiere auf die Geschehnisse jenseits des Zauns schauen lässt. In Anna Waibels phantasievoller, temporeicher Inszenierung schlüpfen Benigna Laurentia Arati Shoba Munsi, Caroline Bröker, Julia Stang und Maximilian Willi Frick abwechselnd in die Rollen der Zootiere und Erzähler:innen. Gemeinsam stellen sie auf spielerische Weise die Frage: Hinschauen wie der Bär – oder wegschauen wie der Pavian?

Während der Vorbereitung zu ihrer Inszenierung war Anna Waibel selbst in Buchenwald. „Als ich das Stück zum ersten Mal las, fand ich die Vorstellung eines Zoos direkt neben einem KZ so unglaublich, dass ich hinfahren musste, um mir selbst ein Bild zu machen,“ sagt sie. „Dort wurde mir wieder einmal vor Augen geführt, wie traurig dieser Teil unserer Geschichte ist und wie wichtig es ist, die nächsten Generationen darüber aufzuklären.“ In ihrer Umsetzung von Jens Raschkes Parabel des kollektiven Wegsehens möchte sie mit viel Spielfreude, Witz und Ernst das Thema Kindern nahebringen.

Das Stück wird ab 10 Jahren empfohlen. Schulaufführungen nach Vereinbarung.

Athen, um 410 v.Chr. Zwanzig Jahre dauert der Krieg zwischen Athen und seinen Nachbarstädten nun schon und die zurückgebliebenen Frauen haben den ewigen Bruderzwist gründlich satt – aber was tun? Lysistrata ergreift die Initiative. Sie ruft alle Frauen aller Krieg führenden Parteien zusammen und trägt ihnen einen Plan vor, wie man die kriegssüchtigen Männer kurieren könne: Kein Sex- bis Frieden herrscht!

Nach Schwur und Schlachtruf besetzen die Frauen die Akropolis. Die Staatskasse wird unter ihre Kontrolle gebracht und sie wehren Beschimpfungen und Angriffe der Männer erfolgreich ab. Doch mit der Zeit droht die eigene Lust den Widerstand der Frauen zu zersetzen. Aber zusammen bleiben sie standhaft, denn sie kämpfen hier nicht nur gegen den Krieg, sondern auch um die eigene Anerkennung und Gleichberechtigung. Schließlich legen die Männer ihren Krieg bei – körperlich entmachtet, aber mit unwiderlegbaren Argumenten für den Frieden konfrontiert: Sex befriedigt mehr als Krieg und ohne Frauen gibt es gar keine Zukunft, für die es sich zu kämpfen lohnt.

Aristophanes` vor über 2000 Jahren geschriebenes Stück ist leider immer noch hoch aktuell. Neben dem immerwährenden Thema des Krieges sind auch die vielen emanzipatorischen Anspielungen auf die heutigen Beziehungen zwischen Frauen und Männern und die Verhältnisse in der Gesellschaft durchaus übertragbar: Wer hat das Sagen? Wer versorgt die Kinder? Wer verdient das Geld? Wer engagiert sich in der Politik? Wieso herrscht immer noch keine Gleichstellung? Warum gibt es immer noch soviel Gewalt, auch in Beziehungen?

Benedikt Buchecker greift mit seiner Inszenierung diese Gesellschaftskritik auf und erweitert sie geschickt. Lysistrata wird bei ihm zum Vexierspiel zwischen dem Damals und den, scheinbar emanzipierten, Gegebenheiten heute. Denn auch im Hier und Jetzt müssen wir uns weiterhin unbequeme Fragen stellen, zu den Rollen, die Frauen in unserer Zeit einnehmen (dürfen) und ob, auch angesichts der realen Gewalt, der sich Frauen immer noch ausgesetzt sehen, der Kampf der Geschlechter wirklich schon ausgetragen ist, oder es eine weitere Runde braucht, um ihn und unser selbstzerstörerisches Streben nach Macht ein für allemal zu begraben

„Stellt euch einen Zoo vor. Einen Zoo vor vielen Jahren. Einen Schwarzweißfotozoo.“

Im dem Zoo leben Papa Pavian, das Murmeltiermädchen und Herr Mufflon friedlich in ihren Gehegen, bis der neue Bär kommt und Unruhe in ihren Alltag bringt. Er stellt unangenehme Fragen zu den Geschehnissen auf der anderen Seite des Zauns. Die Tiere reagieren reserviert. Natürlich sehen auch sie, wie die „Gestiefelten“ dort die „Gestreiften“ quälen, und nehmen den widerlichen Gestank wahr, der aus dem Schornstein kommt. Aber für Papa Pavian ist klar, dass es nur Ärger bringt, wenn man sich einmischt. Die Tiere arrangieren sich mit den Zuständen, ohne sie zu hinterfragen, solange es ihnen selbst gut geht. Doch der Bär denkt anders. Er kann nicht wegsehen und mischt sich ein. Und dann ist da auch noch das Nashorn und die Frage, was es sah, als es auf die andere Seite des Zauns schaute...

1938 wurde neben dem KZ Buchenwald zur Unterhaltung der SS und ihrer Familien ein Zoo erbaut, der heute wieder besichtigt werden kann. Jens Raschke schafft es in seinem preisgekrönten Stück, Kindern dieses erschütternde Kapitel unserer Geschichte sensibel, poetisch und sogar mit Humor nahezubringen, indem er die Zuschauer:innen durch die Augen der Tiere auf die Geschehnisse jenseits des Zauns schauen lässt. In Anna Waibels phantasievoller, temporeicher Inszenierung schlüpfen Benigna Laurentia Arati Shoba Munsi, Caroline Bröker, Julia Stang und Maximilian Willi Frick abwechselnd in die Rollen der Zootiere und Erzähler:innen. Gemeinsam stellen sie auf spielerische Weise die Frage: Hinschauen wie der Bär – oder wegschauen wie der Pavian?

Während der Vorbereitung zu ihrer Inszenierung war Anna Waibel selbst in Buchenwald. „Als ich das Stück zum ersten Mal las, fand ich die Vorstellung eines Zoos direkt neben einem KZ so unglaublich, dass ich hinfahren musste, um mir selbst ein Bild zu machen,“ sagt sie. „Dort wurde mir wieder einmal vor Augen geführt, wie traurig dieser Teil unserer Geschichte ist und wie wichtig es ist, die nächsten Generationen darüber aufzuklären.“ In ihrer Umsetzung von Jens Raschkes Parabel des kollektiven Wegsehens möchte sie mit viel Spielfreude, Witz und Ernst das Thema Kindern nahebringen.

Das Stück wird ab 10 Jahren empfohlen. Schulaufführungen nach Vereinbarung.

Der Text von Miru Miroslava Svolikova, mit dem sie den Nestroy Preis 2021 gewann, bewegt sich mit den Tetrissteinen, wir hören ihre Gedanken: „zumindest ich versuche, immer in der Mitte zu sein, weil unten verschwindet man.“ Die Autorin schickt das letzte Einhorn über die Bühne und die Soziologen, die es jagen. „niemand will am Rand sein“, wissen die Tetrissteine, sie wechseln deshalb ohne Unterlass ihre Position. Astronauten blicken aus dem All auf die Menschen, die ihrer
Vernichtung harren. Apokalyptisch mutet der alltägliche Kampf ums Dasein an, in den Augen der anderen, auf der brennenden Welt und Bühne. In der letzten der kurzen Szenen und Prosaminiaturen wird die Zukunft weggeschoben und gemeinsam der Moment gesucht.

Miroslava Svolikova sieht mehrere Wege, sich dem Rand anzunähern: „aus der Mitte heraus, das ist der sozialwissenschaftliche blick; aus dem selbst heraus, dann ist der Rand immer der Rand des eigenen, das andere die Projektion; aus einer existenzialistischen Verfasstheit des Menschen heraus, der immer vom Ausschluss bedroht ist, dem Ausschluss, der Gemeinschaft konstituiert.“

Informationen zu unserem inszenierenden Dozenten Josef Maria Krasanovsky finden sie unter: krasanovsky.at/vita

Der Text von Miru Miroslava Svolikova, mit dem sie den Nestroy Preis 2021 gewann, bewegt sich mit den Tetrissteinen, wir hören ihre Gedanken: „zumindest ich versuche, immer in der Mitte zu sein, weil unten verschwindet man.“ Die Autorin schickt das letzte Einhorn über die Bühne und die Soziologen, die es jagen. „niemand will am Rand sein“, wissen die Tetrissteine, sie wechseln deshalb ohne Unterlass ihre Position. Astronauten blicken aus dem All auf die Menschen, die ihrer
Vernichtung harren. Apokalyptisch mutet der alltägliche Kampf ums Dasein an, in den Augen der anderen, auf der brennenden Welt und Bühne. In der letzten der kurzen Szenen und Prosaminiaturen wird die Zukunft weggeschoben und gemeinsam der Moment gesucht.

Miroslava Svolikova sieht mehrere Wege, sich dem Rand anzunähern: „aus der Mitte heraus, das ist der sozialwissenschaftliche blick; aus dem selbst heraus, dann ist der Rand immer der Rand des eigenen, das andere die Projektion; aus einer existenzialistischen Verfasstheit des Menschen heraus, der immer vom Ausschluss bedroht ist, dem Ausschluss, der Gemeinschaft konstituiert.“

Informationen zu unserem inszenierenden Dozenten Josef Maria Krasanovsky finden sie unter: krasanovsky.at/vita

Der Text von Miru Miroslava Svolikova, mit dem sie den Nestroy Preis 2021 gewann, bewegt sich mit den Tetrissteinen, wir hören ihre Gedanken: „zumindest ich versuche, immer in der Mitte zu sein, weil unten verschwindet man.“ Die Autorin schickt das letzte Einhorn über die Bühne und die Soziologen, die es jagen. „niemand will am Rand sein“, wissen die Tetrissteine, sie wechseln deshalb ohne Unterlass ihre Position. Astronauten blicken aus dem All auf die Menschen, die ihrer
Vernichtung harren. Apokalyptisch mutet der alltägliche Kampf ums Dasein an, in den Augen der anderen, auf der brennenden Welt und Bühne. In der letzten der kurzen Szenen und Prosaminiaturen wird die Zukunft weggeschoben und gemeinsam der Moment gesucht.

Miroslava Svolikova sieht mehrere Wege, sich dem Rand anzunähern: „aus der Mitte heraus, das ist der sozialwissenschaftliche blick; aus dem selbst heraus, dann ist der Rand immer der Rand des eigenen, das andere die Projektion; aus einer existenzialistischen Verfasstheit des Menschen heraus, der immer vom Ausschluss bedroht ist, dem Ausschluss, der Gemeinschaft konstituiert.“

Informationen zu unserem inszenierenden Dozenten Josef Maria Krasanovsky finden sie unter: krasanovsky.at/vita

Unsere Welt geht so schnell,
die dreht so schnell,
dass sie von uns wegrennt.
Was wollen wir denn noch von dieser Welt?
Voneinander?
Wollen wir überhaupt noch etwas voneinander?
Bevor wir verlorene Tiere, Pilze, Pflanzen werden,
Bevor wir wieder zu Algen oder Zellen kernloser Bakterien werden,
wir wissen schon alles,
haben schon alles,
gebt uns noch mehr,
Bevor wir krepieren,
Bevor die Erde unter uns zerrinnt
und wir nicht mehr mitrennen können.
Die Welt geht unter,
aber wann?
ist vielleicht schon untergegangen.
Geht es uns was an?
Muss es uns was angehen?
Lass uns Yoga machen und Ayawasca nehmen
Lass uns fein essen gehen und Wein trinken, Negroni sbagliato,
Lass uns ficken
und lass uns doch bitte einfach was in die Nase ziehen,
lass uns tanzen, Sport machen
und so richtig LEBEN!
Is eh schon zu spät.
Quält uns nicht.
Wir sind müde darüber zu sprechen.
Hören,
immer diesen Pessimismus!
Wir fliegen zum Mars.
Uns geht es gut,
lass uns es doch gut gehen!
Lass uns in Ruhe!
Tot oder lebend!

“Wenn der Wespenmann tschüss sagt” ist ein körperliches, getanztes, gesprochenes, groteskes und unverblümtes Porträt von "Uns". Es reflektiert, wie wir mit der globalen Klimakrise umgehen und was wir spüren als unseres, deren und meine; Verantwortung, Überlebensstrategie, Wahrheit und Welt. “Wespen sind Raubtiere, nur rudimentär sind sie Honigsammler”

Unsere Welt geht so schnell,
die dreht so schnell,
dass sie von uns wegrennt.
Was wollen wir denn noch von dieser Welt?
Voneinander?
Wollen wir überhaupt noch etwas voneinander?
Bevor wir verlorene Tiere, Pilze, Pflanzen werden,
Bevor wir wieder zu Algen oder Zellen kernloser Bakterien werden,
wir wissen schon alles,
haben schon alles,
gebt uns noch mehr,
Bevor wir krepieren,
Bevor die Erde unter uns zerrinnt
und wir nicht mehr mitrennen können.
Die Welt geht unter,
aber wann?
ist vielleicht schon untergegangen.
Geht es uns was an?
Muss es uns was angehen?
Lass uns Yoga machen und Ayawasca nehmen
Lass uns fein essen gehen und Wein trinken, Negroni sbagliato,
Lass uns ficken
und lass uns doch bitte einfach was in die Nase ziehen,
lass uns tanzen, Sport machen
und so richtig LEBEN!
Is eh schon zu spät.
Quält uns nicht.
Wir sind müde darüber zu sprechen.
Hören,
immer diesen Pessimismus!
Wir fliegen zum Mars.
Uns geht es gut,
lass uns es doch gut gehen!
Lass uns in Ruhe!
Tot oder lebend!

“Wenn der Wespenmann tschüss sagt” ist ein körperliches, getanztes, gesprochenes, groteskes und unverblümtes Porträt von "Uns". Es reflektiert, wie wir mit der globalen Klimakrise umgehen und was wir spüren als unseres, deren und meine; Verantwortung, Überlebensstrategie, Wahrheit und Welt. “Wespen sind Raubtiere, nur rudimentär sind sie Honigsammler”

Heute haben wir unsere menschliche Gestalt verloren. Wenn wir den Mut dazu haben, werden wir uns selbst verloren sein lassen. Wir haben versucht, etwas zu finden, es fühlte sich zunächst verzweifelt an und dann besser und besser, es war wie eine Ekstase, die fast in Wahnsinn, in Chaos endet und dann wieder vergeht. Wir werfen unsere Körper in Orte hinein. Und dann: Orientierungslosigkeit. Identitätslosigkeit. Weiß. Nein. Nein. Nein. Weiß. Wo. Wer. Verletzt. Treibend. Körper. Wo. Weg. Irgendwo bin ich schmelzend. Auflösend. Milch. Irgendwo schmilzt mein Selbst, und meine Darstellung bin ich.

Life is a kind of madness that death makes. Long live the dead because we live in them. Suddenly things no longer need to make sense. I’m satisfied with being. Are you? Certainly you are. The meaninglessness of things makes me smile complacently. Everything surely must go on being what it is. Today is a day of nothing. Today is down to the wire. Could there be a number that is nothing? that is less than zero? that begins where there is no beginning because it always
was? and was before always?

»Milk« ist eine Tanzperformance, die für und mit dem dritten Jahrgang der Athanor Akademie unter der Leitung der Choreografin Edith Buttingsrud Pedersen entstanden ist. Die Arbeit basiert auf dem Austausch von persönlichen bedanken, Texten und Videomaterial zwischen Edith und den darstellenden Studierenden während der Erforschung von körperlichen Aufgaben über den Zeitraum von mehreren Monaten. Es nimmt Form an in »Milk«.

Heute haben wir unsere menschliche Gestalt verloren. Wenn wir den Mut dazu haben, werden wir uns selbst verloren sein lassen. Wir haben versucht, etwas zu finden, es fühlte sich zunächst verzweifelt an und dann besser und besser, es war wie eine Ekstase, die fast in Wahnsinn, in Chaos endet und dann wieder vergeht. Wir werfen unsere Körper in Orte hinein. Und dann: Orientierungslosigkeit. Identitätslosigkeit. Weiß. Nein. Nein. Nein. Weiß. Wo. Wer. Verletzt. Treibend. Körper. Wo. Weg. Irgendwo bin ich schmelzend. Auflösend. Milch. Irgendwo schmilzt mein Selbst, und meine Darstellung bin ich.

Life is a kind of madness that death makes. Long live the dead because we live in them. Suddenly things no longer need to make sense. I’m satisfied with being. Are you? Certainly you are. The meaninglessness of things makes me smile complacently. Everything surely must go on being what it is. Today is a day of nothing. Today is down to the wire. Could there be a number that is nothing? that is less than zero? that begins where there is no beginning because it always
was? and was before always?

»Milk« ist eine Tanzperformance, die für und mit dem dritten Jahrgang der Athanor Akademie unter der Leitung der Choreografin Edith Buttingsrud Pedersen entstanden ist. Die Arbeit basiert auf dem Austausch von persönlichen bedanken, Texten und Videomaterial zwischen Edith und den darstellenden Studierenden während der Erforschung von körperlichen Aufgaben über den Zeitraum von mehreren Monaten. Es nimmt Form an in »Milk«.

Heute haben wir unsere menschliche Gestalt verloren. Wenn wir den Mut dazu haben, werden wir uns selbst verloren sein lassen. Wir haben versucht, etwas zu finden, es fühlte sich zunächst verzweifelt an und dann besser und besser, es war wie eine Ekstase, die fast in Wahnsinn, in Chaos endet und dann wieder vergeht. Wir werfen unsere Körper in Orte hinein. Und dann: Orientierungslosigkeit. Identitätslosigkeit. Weiß. Nein. Nein. Nein. Weiß. Wo. Wer. Verletzt. Treibend. Körper. Wo. Weg. Irgendwo bin ich schmelzend. Auflösend. Milch. Irgendwo schmilzt mein Selbst, und meine Darstellung bin ich.

Life is a kind of madness that death makes. Long live the dead because we live in them. Suddenly things no longer need to make sense. I’m satisfied with being. Are you? Certainly you are. The meaninglessness of things makes me smile complacently. Everything surely must go on being what it is. Today is a day of nothing. Today is down to the wire. Could there be a number that is nothing? that is less than zero? that begins where there is no beginning because it always
was? and was before always?

»Milk« ist eine Tanzperformance, die für und mit dem dritten Jahrgang der Athanor Akademie unter der Leitung der Choreografin Edith Buttingsrud Pedersen entstanden ist. Die Arbeit basiert auf dem Austausch von persönlichen bedanken, Texten und Videomaterial zwischen Edith und den darstellenden Studierenden während der Erforschung von körperlichen Aufgaben über den Zeitraum von mehreren Monaten. Es nimmt Form an in »Milk«.

Heute haben wir unsere menschliche Gestalt verloren. Wenn wir den Mut dazu haben, werden wir uns selbst verloren sein lassen. Wir haben versucht, etwas zu finden, es fühlte sich zunächst verzweifelt an und dann besser und besser, es war wie eine Ekstase, die fast in Wahnsinn, in Chaos endet und dann wieder vergeht. Wir werfen unsere Körper in Orte hinein. Und dann: Orientierungslosigkeit. Identitätslosigkeit. Weiß. Nein. Nein. Nein. Weiß. Wo. Wer. Verletzt. Treibend. Körper. Wo. Weg. Irgendwo bin ich schmelzend. Auflösend. Milch. Irgendwo schmilzt mein Selbst, und meine Darstellung bin ich.

Life is a kind of madness that death makes. Long live the dead because we live in them. Suddenly things no longer need to make sense. I’m satisfied with being. Are you? Certainly you are. The meaninglessness of things makes me smile complacently. Everything surely must go on being what it is. Today is a day of nothing. Today is down to the wire. Could there be a number that is nothing? that is less than zero? that begins where there is no beginning because it always
was? and was before always?

»Milk« ist eine Tanzperformance, die für und mit dem dritten Jahrgang der Athanor Akademie unter der Leitung der Choreografin Edith Buttingsrud Pedersen entstanden ist. Die Arbeit basiert auf dem Austausch von persönlichen bedanken, Texten und Videomaterial zwischen Edith und den darstellenden Studierenden während der Erforschung von körperlichen Aufgaben über den Zeitraum von mehreren Monaten. Es nimmt Form an in »Milk«.

In Renate Aichingers Text, „#dieteilzeitlosen“ führt eine junge Frau ein bitterböses Selbstgespräch,
eine äußerst subjektive Bestandsaufnahme des weiblichen Rollenmusters unserer Zeit. Mal leise, mal
laut. Tragisch-komisch nimmt sie sich selber auseinander und versucht, sich aus den Bruchstücken
wieder zusammenzusetzen.

Als junge Mutter soll man bitte selbstbestimmt sein, erfolgreich und sexy. Und natürlich - die beste
aller möglichen Mütter! Aber, die Karriere war doch mal vielversprechend, die Welt stand offen - und
jetzt? Teilzeit. Nur noch eine „hinterherhinkhetzende“- aus dem System gefallen. Schade. Aber der
Milchschaum auf dem Latte macchiato ist perfekt! Und die PowerPoint Präsentation für das nächste
vielversprechende Projekt steht! Und außerdem - man ist ja gut connected, zumindest im Netz! -
Luxusprobleme? - Ja, sicher: Eine neokapitalistische Gesellschaft im permanenten Burnout und mit
verzweifelt übersteigerten Egoproblemen. In der das Individuum zu funktionieren hat und sich dabei
bestmöglich als sein virtuelles Abbild, sein „besseres Ich“, auf social media in Szene setzt.

Diese junge Frau kreist um sich, spricht nur für sich - gefährliche Gedanken, die in der Regel eher im
Verborgenen bleiben. Der Schein vom perfekten Leben könnte Brüche bekommen. Trotzdem, sie
sucht nach Anschluss, nach einem „Wir“. Sie ist doch nicht alleine, oder?

Sechs junge Schauspielerinnen des dritten Jahrgangs der Athanor Akademie geben sich dieser
Stimme hin, geben ihr einen Raum, einen Körper. Die Stimme teilt sich auf, zersplittert, wird zur
chorischen Selbstbefragung.
Und kämpft um das letzte bisschen Selbstachtung. „Und morgen früh, wenn Gott will, wirst du
wieder geweckt…“ Und was, wenn es kein Morgen gibt? Oder noch schlimmer: es genauso bleibt wie
heute???

Besetzung: Tekla Farkas, Malaika Lermer, Lara Pauli, Julia Reisser, Olga Tomkowiak, Nele Wirth
Regie und Bühne: Florian von Hoermann
Kostüme: Nicole Wehinger

In Renate Aichingers Text, „#dieteilzeitlosen“ führt eine junge Frau ein bitterböses Selbstgespräch,
eine äußerst subjektive Bestandsaufnahme des weiblichen Rollenmusters unserer Zeit. Mal leise, mal
laut. Tragisch-komisch nimmt sie sich selber auseinander und versucht, sich aus den Bruchstücken
wieder zusammenzusetzen.

Als junge Mutter soll man bitte selbstbestimmt sein, erfolgreich und sexy. Und natürlich - die beste
aller möglichen Mütter! Aber, die Karriere war doch mal vielversprechend, die Welt stand offen - und
jetzt? Teilzeit. Nur noch eine „hinterherhinkhetzende“- aus dem System gefallen. Schade. Aber der
Milchschaum auf dem Latte macchiato ist perfekt! Und die PowerPoint Präsentation für das nächste
vielversprechende Projekt steht! Und außerdem - man ist ja gut connected, zumindest im Netz! -
Luxusprobleme? - Ja, sicher: Eine neokapitalistische Gesellschaft im permanenten Burnout und mit
verzweifelt übersteigerten Egoproblemen. In der das Individuum zu funktionieren hat und sich dabei
bestmöglich als sein virtuelles Abbild, sein „besseres Ich“, auf social media in Szene setzt.

Diese junge Frau kreist um sich, spricht nur für sich - gefährliche Gedanken, die in der Regel eher im
Verborgenen bleiben. Der Schein vom perfekten Leben könnte Brüche bekommen. Trotzdem, sie
sucht nach Anschluss, nach einem „Wir“. Sie ist doch nicht alleine, oder?

Sechs junge Schauspielerinnen des dritten Jahrgangs der Athanor Akademie geben sich dieser
Stimme hin, geben ihr einen Raum, einen Körper. Die Stimme teilt sich auf, zersplittert, wird zur
chorischen Selbstbefragung.
Und kämpft um das letzte bisschen Selbstachtung. „Und morgen früh, wenn Gott will, wirst du
wieder geweckt…“ Und was, wenn es kein Morgen gibt? Oder noch schlimmer: es genauso bleibt wie
heute???

Besetzung: Tekla Farkas, Malaika Lermer, Lara Pauli, Julia Reisser, Olga Tomkowiak, Nele Wirth
Regie und Bühne: Florian von Hoermann
Kostüme: Nicole Wehinger

In Renate Aichingers Text, „#dieteilzeitlosen“ führt eine junge Frau ein bitterböses Selbstgespräch,
eine äußerst subjektive Bestandsaufnahme des weiblichen Rollenmusters unserer Zeit. Mal leise, mal
laut. Tragisch-komisch nimmt sie sich selber auseinander und versucht, sich aus den Bruchstücken
wieder zusammenzusetzen.

Als junge Mutter soll man bitte selbstbestimmt sein, erfolgreich und sexy. Und natürlich - die beste
aller möglichen Mütter! Aber, die Karriere war doch mal vielversprechend, die Welt stand offen - und
jetzt? Teilzeit. Nur noch eine „hinterherhinkhetzende“- aus dem System gefallen. Schade. Aber der
Milchschaum auf dem Latte macchiato ist perfekt! Und die PowerPoint Präsentation für das nächste
vielversprechende Projekt steht! Und außerdem - man ist ja gut connected, zumindest im Netz! -
Luxusprobleme? - Ja, sicher: Eine neokapitalistische Gesellschaft im permanenten Burnout und mit
verzweifelt übersteigerten Egoproblemen. In der das Individuum zu funktionieren hat und sich dabei
bestmöglich als sein virtuelles Abbild, sein „besseres Ich“, auf social media in Szene setzt.

Diese junge Frau kreist um sich, spricht nur für sich - gefährliche Gedanken, die in der Regel eher im
Verborgenen bleiben. Der Schein vom perfekten Leben könnte Brüche bekommen. Trotzdem, sie
sucht nach Anschluss, nach einem „Wir“. Sie ist doch nicht alleine, oder?

Sechs junge Schauspielerinnen des dritten Jahrgangs der Athanor Akademie geben sich dieser
Stimme hin, geben ihr einen Raum, einen Körper. Die Stimme teilt sich auf, zersplittert, wird zur
chorischen Selbstbefragung.
Und kämpft um das letzte bisschen Selbstachtung. „Und morgen früh, wenn Gott will, wirst du
wieder geweckt…“ Und was, wenn es kein Morgen gibt? Oder noch schlimmer: es genauso bleibt wie
heute???

Besetzung: Tekla Farkas, Malaika Lermer, Lara Pauli, Julia Reisser, Olga Tomkowiak, Nele Wirth
Regie und Bühne: Florian von Hoermann
Kostüme: Nicole Wehinger

Gestern-Heute-Morgen oder Wie wollen wir zusammen leben? Diese Frage stellt sich der diesjährige zweite Jahrgang Regie der Athanor Akademie. Sophia Bechstädt, Greta Bennecke und Alexander Urban präsentieren hier Auszüge aus drei
Theaterstücken, die zunächst nicht viel gemeinsam zu haben scheinen, aber doch alle die ungeschriebenen Mechanismen menschlicher Beziehungen hinterfragen.

„Augenlicht“
Dann gehen Sie zum Arzt, wenn Sie Stimmen hören…
Das schlägt der eigenbrötlerische Walter seiner neuen Haushälterin Julia vor. Diese braucht den Job unbedingt und versucht sich in Walters Welt und sein oft befremdliches Regelwerk einzufügen, aber da gibt es noch eine geheimnisvolle Tür, die sie niemals öffnen darf, ...
Sie versucht sich mit Arbeit abzulenken, von der gibt es im Chaos von Walters Wohnung wahrlich genug und eigentlich gefällt ihr der verschrobene Kauz. Die Anziehung beruht auch auf Gegenseitigkeit. Einem gemeinsamen Glück scheint nichts mehr im Wege zu stehen- wenn nur die Neugier nicht wäre. Marius von Mayenburgs Stück zeigt uns eine verzerrte Welt, in der Paranoia das Vertrauen und die Liebe der Figuren immer wieder aufs Neue auf die Probe stellt.

„Die Mitwisser. Eine Idiotie.“
Jetzt wird alles anders! Das hat sich Theo zumindest gedacht, als er seine Frau Anna mit dem neusten technischen Hilfsmittel überrascht –einem Herrn Kwant. Dieser ständige Begleiter kann alles, weiß alles, er erleichtert dein Leben, löst jedes Problem und das auch noch umsonst? Nur kurz die AGB unterschreiben und dein perfektes neues Leben kann beginnen. Wie angenehm, oder zufriedenstellend diese Lebens-kwantifizierung wirklich ist, wird sich noch zeigen:
Denn während Theo sich für jede Verbesserung begeistern lässt, hat Anna Zweifel. Für ihren Geschmack mischt sich Kwant in viel zu viele persönliche Dinge ein. Doch eine regelrechte Kwant- Mania greift bald um sich und dies führt auch im Leben von Theo und Anna bald zu einschneidenden Veränderungen. „Dieses Stück Science-Fiction spielt in der Vergangenheit“, schreibt der Autor Philipp Löhle, zeigt uns aber eine vielleicht gar nicht allzu ferne Zukunft.

„demut vor deinen taten baby“
Achtung, Achtung- ein herrenloser Koffer an Gate 7! Drei Frauen auf einer Flughafentoilette- und dann geht eine Bombe hoch! Zum Glück nicht wirklich- denn es gibt Entwarnung. Trotzdem hat der Schreck darüber, dass ihr Leben (so unglücklich sie mit ihm auch sein mögen) vorbei sein könnte, bei Lore, Mia und Bettie etwas ausgelöst: Euphorie! Sie erkennen, dass es auch anders sein kann- dass das Leben eigentlich lebenswert ist. Diese Erkenntnis wollen sie mit allen teilen. Und plötzlich ist die Idee da! Sie gründen eine Terror-Simulations-Gruppe, die die Menschen in Todesangst versetzen soll, damit auch diese endlich erkennen was wirklich zählt im Leben...
In „Demut vor deinen Taten, Baby!“ setzt sich die Autorin Laura Naumann mit unserem aktuellen politischen System und seinen Mechanismen auseinander, doch die individuelle Befreiung bringt plötzlich alles ins Wanken.

In Renate Aichingers Text, „#dieteilzeitlosen“ führt eine junge Frau ein bitterböses Selbstgespräch,
eine äußerst subjektive Bestandsaufnahme des weiblichen Rollenmusters unserer Zeit. Mal leise, mal
laut. Tragisch-komisch nimmt sie sich selber auseinander und versucht, sich aus den Bruchstücken
wieder zusammenzusetzen.

Als junge Mutter soll man bitte selbstbestimmt sein, erfolgreich und sexy. Und natürlich - die beste
aller möglichen Mütter! Aber, die Karriere war doch mal vielversprechend, die Welt stand offen - und
jetzt? Teilzeit. Nur noch eine „hinterherhinkhetzende“- aus dem System gefallen. Schade. Aber der
Milchschaum auf dem Latte macchiato ist perfekt! Und die PowerPoint Präsentation für das nächste
vielversprechende Projekt steht! Und außerdem - man ist ja gut connected, zumindest im Netz! -
Luxusprobleme? - Ja, sicher: Eine neokapitalistische Gesellschaft im permanenten Burnout und mit
verzweifelt übersteigerten Egoproblemen. In der das Individuum zu funktionieren hat und sich dabei
bestmöglich als sein virtuelles Abbild, sein „besseres Ich“, auf social media in Szene setzt.

Diese junge Frau kreist um sich, spricht nur für sich - gefährliche Gedanken, die in der Regel eher im
Verborgenen bleiben. Der Schein vom perfekten Leben könnte Brüche bekommen. Trotzdem, sie
sucht nach Anschluss, nach einem „Wir“. Sie ist doch nicht alleine, oder?

Sechs junge Schauspielerinnen des dritten Jahrgangs der Athanor Akademie geben sich dieser
Stimme hin, geben ihr einen Raum, einen Körper. Die Stimme teilt sich auf, zersplittert, wird zur
chorischen Selbstbefragung.
Und kämpft um das letzte bisschen Selbstachtung. „Und morgen früh, wenn Gott will, wirst du
wieder geweckt…“ Und was, wenn es kein Morgen gibt? Oder noch schlimmer: es genauso bleibt wie
heute???

Besetzung: Tekla Farkas, Malaika Lermer, Lara Pauli, Julia Reisser, Olga Tomkowiak, Nele Wirth
Regie und Bühne: Florian von Hoermann
Kostüme: Nicole Wehinger

Gestern-Heute-Morgen oder Wie wollen wir zusammen leben? Diese Frage stellt sich der diesjährige zweite Jahrgang Regie der Athanor Akademie. Sophia Bechstädt, Greta Bennecke und Alexander Urban präsentieren hier Auszüge aus drei
Theaterstücken, die zunächst nicht viel gemeinsam zu haben scheinen, aber doch alle die ungeschriebenen Mechanismen menschlicher Beziehungen hinterfragen.

„Augenlicht“
Dann gehen Sie zum Arzt, wenn Sie Stimmen hören…
Das schlägt der eigenbrötlerische Walter seiner neuen Haushälterin Julia vor. Diese braucht den Job unbedingt und versucht sich in Walters Welt und sein oft befremdliches Regelwerk einzufügen, aber da gibt es noch eine geheimnisvolle Tür, die sie niemals öffnen darf, ...
Sie versucht sich mit Arbeit abzulenken, von der gibt es im Chaos von Walters Wohnung wahrlich genug und eigentlich gefällt ihr der verschrobene Kauz. Die Anziehung beruht auch auf Gegenseitigkeit. Einem gemeinsamen Glück scheint nichts mehr im Wege zu stehen- wenn nur die Neugier nicht wäre. Marius von Mayenburgs Stück zeigt uns eine verzerrte Welt, in der Paranoia das Vertrauen und die Liebe der Figuren immer wieder aufs Neue auf die Probe stellt.

„Die Mitwisser. Eine Idiotie.“
Jetzt wird alles anders! Das hat sich Theo zumindest gedacht, als er seine Frau Anna mit dem neusten technischen Hilfsmittel überrascht –einem Herrn Kwant. Dieser ständige Begleiter kann alles, weiß alles, er erleichtert dein Leben, löst jedes Problem und das auch noch umsonst? Nur kurz die AGB unterschreiben und dein perfektes neues Leben kann beginnen. Wie angenehm, oder zufriedenstellend diese Lebens-kwantifizierung wirklich ist, wird sich noch zeigen:
Denn während Theo sich für jede Verbesserung begeistern lässt, hat Anna Zweifel. Für ihren Geschmack mischt sich Kwant in viel zu viele persönliche Dinge ein. Doch eine regelrechte Kwant- Mania greift bald um sich und dies führt auch im Leben von Theo und Anna bald zu einschneidenden Veränderungen. „Dieses Stück Science-Fiction spielt in der Vergangenheit“, schreibt der Autor Philipp Löhle, zeigt uns aber eine vielleicht gar nicht allzu ferne Zukunft.

„demut vor deinen taten baby“
Achtung, Achtung- ein herrenloser Koffer an Gate 7! Drei Frauen auf einer Flughafentoilette- und dann geht eine Bombe hoch! Zum Glück nicht wirklich- denn es gibt Entwarnung. Trotzdem hat der Schreck darüber, dass ihr Leben (so unglücklich sie mit ihm auch sein mögen) vorbei sein könnte, bei Lore, Mia und Bettie etwas ausgelöst: Euphorie! Sie erkennen, dass es auch anders sein kann- dass das Leben eigentlich lebenswert ist. Diese Erkenntnis wollen sie mit allen teilen. Und plötzlich ist die Idee da! Sie gründen eine Terror-Simulations-Gruppe, die die Menschen in Todesangst versetzen soll, damit auch diese endlich erkennen was wirklich zählt im Leben...
In „Demut vor deinen Taten, Baby!“ setzt sich die Autorin Laura Naumann mit unserem aktuellen politischen System und seinen Mechanismen auseinander, doch die individuelle Befreiung bringt plötzlich alles ins Wanken.

In Renate Aichingers Text, „#dieteilzeitlosen“ führt eine junge Frau ein bitterböses Selbstgespräch,
eine äußerst subjektive Bestandsaufnahme des weiblichen Rollenmusters unserer Zeit. Mal leise, mal
laut. Tragisch-komisch nimmt sie sich selber auseinander und versucht, sich aus den Bruchstücken
wieder zusammenzusetzen.

Als junge Mutter soll man bitte selbstbestimmt sein, erfolgreich und sexy. Und natürlich - die beste
aller möglichen Mütter! Aber, die Karriere war doch mal vielversprechend, die Welt stand offen - und
jetzt? Teilzeit. Nur noch eine „hinterherhinkhetzende“- aus dem System gefallen. Schade. Aber der
Milchschaum auf dem Latte macchiato ist perfekt! Und die PowerPoint Präsentation für das nächste
vielversprechende Projekt steht! Und außerdem - man ist ja gut connected, zumindest im Netz! -
Luxusprobleme? - Ja, sicher: Eine neokapitalistische Gesellschaft im permanenten Burnout und mit
verzweifelt übersteigerten Egoproblemen. In der das Individuum zu funktionieren hat und sich dabei
bestmöglich als sein virtuelles Abbild, sein „besseres Ich“, auf social media in Szene setzt.

Diese junge Frau kreist um sich, spricht nur für sich - gefährliche Gedanken, die in der Regel eher im
Verborgenen bleiben. Der Schein vom perfekten Leben könnte Brüche bekommen. Trotzdem, sie
sucht nach Anschluss, nach einem „Wir“. Sie ist doch nicht alleine, oder?

Sechs junge Schauspielerinnen des dritten Jahrgangs der Athanor Akademie geben sich dieser
Stimme hin, geben ihr einen Raum, einen Körper. Die Stimme teilt sich auf, zersplittert, wird zur
chorischen Selbstbefragung.
Und kämpft um das letzte bisschen Selbstachtung. „Und morgen früh, wenn Gott will, wirst du
wieder geweckt…“ Und was, wenn es kein Morgen gibt? Oder noch schlimmer: es genauso bleibt wie
heute???

Besetzung: Tekla Farkas, Malaika Lermer, Lara Pauli, Julia Reisser, Olga Tomkowiak, Nele Wirth
Regie und Bühne: Florian von Hoermann
Kostüme: Nicole Wehinger

In Renate Aichingers Text, „#dieteilzeitlosen“ führt eine junge Frau ein bitterböses Selbstgespräch,
eine äußerst subjektive Bestandsaufnahme des weiblichen Rollenmusters unserer Zeit. Mal leise, mal
laut. Tragisch-komisch nimmt sie sich selber auseinander und versucht, sich aus den Bruchstücken
wieder zusammenzusetzen.

Als junge Mutter soll man bitte selbstbestimmt sein, erfolgreich und sexy. Und natürlich - die beste
aller möglichen Mütter! Aber, die Karriere war doch mal vielversprechend, die Welt stand offen - und
jetzt? Teilzeit. Nur noch eine „hinterherhinkhetzende“- aus dem System gefallen. Schade. Aber der
Milchschaum auf dem Latte macchiato ist perfekt! Und die PowerPoint Präsentation für das nächste
vielversprechende Projekt steht! Und außerdem - man ist ja gut connected, zumindest im Netz! -
Luxusprobleme? - Ja, sicher: Eine neokapitalistische Gesellschaft im permanenten Burnout und mit
verzweifelt übersteigerten Egoproblemen. In der das Individuum zu funktionieren hat und sich dabei
bestmöglich als sein virtuelles Abbild, sein „besseres Ich“, auf social media in Szene setzt.

Diese junge Frau kreist um sich, spricht nur für sich - gefährliche Gedanken, die in der Regel eher im
Verborgenen bleiben. Der Schein vom perfekten Leben könnte Brüche bekommen. Trotzdem, sie
sucht nach Anschluss, nach einem „Wir“. Sie ist doch nicht alleine, oder?

Sechs junge Schauspielerinnen des dritten Jahrgangs der Athanor Akademie geben sich dieser
Stimme hin, geben ihr einen Raum, einen Körper. Die Stimme teilt sich auf, zersplittert, wird zur
chorischen Selbstbefragung.
Und kämpft um das letzte bisschen Selbstachtung. „Und morgen früh, wenn Gott will, wirst du
wieder geweckt…“ Und was, wenn es kein Morgen gibt? Oder noch schlimmer: es genauso bleibt wie
heute???

Besetzung: Tekla Farkas, Malaika Lermer, Lara Pauli, Julia Reisser, Olga Tomkowiak, Nele Wirth
Regie und Bühne: Florian von Hoermann
Kostüme: Nicole Wehinger

Michael Born, der „größte TV-Fälscher Deutschlands“, gilt als einer der Väter von Fake News im deutschsprachigen Raum. In den 90er Jahren drehte er über 200 gefakte Dokumentationen, die er weltweit an Fernsehmagazine verkaufte. Sein Hauptabnehmer: Günther Jauch und Stern TV. Born verfolgte dabei oft die besten Absichten und wunderte sich selbst, dass die TV-Redakteure seine Fälschungen nicht erkannten. Als er aufflog, wurde ihm 1996 ein spektakulärer Prozess gemacht, der die deutsche Medienlandschaft nachhaltig erschütterte; verurteilt wurde nur er, seine Abnehmer nicht.

Auf der Basis des Privatarchivs von Michael Born und den Erinnerungen von Roland Berger, dem engsten Freund des 2019 verstorbenen Borns, schrieb Josef Maria Krasanovsky das Stück „Born to Fake“, das sich temporeich durch das Leben und Werk des Fälschers assoziiert und dabei auch auf Originalvideos des Privatarchivs zurückgreift.

Unter Krasanovskys Regie switchen die Schauspielstudierenden des 4. Jahrgangs durch die aberwitzigsten Fake-Storys und werfen dabei vor allem die Frage auf: Was ist Lüge - und was Wahrheit?

Gestern-Heute-Morgen oder Wie wollen wir zusammen leben? Diese Frage stellt sich der diesjährige zweite Jahrgang Regie der Athanor Akademie. Sophia Bechstädt, Greta Bennecke und Alexander Urban präsentieren hier Auszüge aus drei
Theaterstücken, die zunächst nicht viel gemeinsam zu haben scheinen, aber doch alle die ungeschriebenen Mechanismen menschlicher Beziehungen hinterfragen.

„Augenlicht“
Dann gehen Sie zum Arzt, wenn Sie Stimmen hören…
Das schlägt der eigenbrötlerische Walter seiner neuen Haushälterin Julia vor. Diese braucht den Job unbedingt und versucht sich in Walters Welt und sein oft befremdliches Regelwerk einzufügen, aber da gibt es noch eine geheimnisvolle Tür, die sie niemals öffnen darf, ...
Sie versucht sich mit Arbeit abzulenken, von der gibt es im Chaos von Walters Wohnung wahrlich genug und eigentlich gefällt ihr der verschrobene Kauz. Die Anziehung beruht auch auf Gegenseitigkeit. Einem gemeinsamen Glück scheint nichts mehr im Wege zu stehen- wenn nur die Neugier nicht wäre. Marius von Mayenburgs Stück zeigt uns eine verzerrte Welt, in der Paranoia das Vertrauen und die Liebe der Figuren immer wieder aufs Neue auf die Probe stellt.

„Die Mitwisser. Eine Idiotie.“
Jetzt wird alles anders! Das hat sich Theo zumindest gedacht, als er seine Frau Anna mit dem neusten technischen Hilfsmittel überrascht –einem Herrn Kwant. Dieser ständige Begleiter kann alles, weiß alles, er erleichtert dein Leben, löst jedes Problem und das auch noch umsonst? Nur kurz die AGB unterschreiben und dein perfektes neues Leben kann beginnen. Wie angenehm, oder zufriedenstellend diese Lebens-kwantifizierung wirklich ist, wird sich noch zeigen:
Denn während Theo sich für jede Verbesserung begeistern lässt, hat Anna Zweifel. Für ihren Geschmack mischt sich Kwant in viel zu viele persönliche Dinge ein. Doch eine regelrechte Kwant- Mania greift bald um sich und dies führt auch im Leben von Theo und Anna bald zu einschneidenden Veränderungen. „Dieses Stück Science-Fiction spielt in der Vergangenheit“, schreibt der Autor Philipp Löhle, zeigt uns aber eine vielleicht gar nicht allzu ferne Zukunft.

„demut vor deinen taten baby“
Achtung, Achtung- ein herrenloser Koffer an Gate 7! Drei Frauen auf einer Flughafentoilette- und dann geht eine Bombe hoch! Zum Glück nicht wirklich- denn es gibt Entwarnung. Trotzdem hat der Schreck darüber, dass ihr Leben (so unglücklich sie mit ihm auch sein mögen) vorbei sein könnte, bei Lore, Mia und Bettie etwas ausgelöst: Euphorie! Sie erkennen, dass es auch anders sein kann- dass das Leben eigentlich lebenswert ist. Diese Erkenntnis wollen sie mit allen teilen. Und plötzlich ist die Idee da! Sie gründen eine Terror-Simulations-Gruppe, die die Menschen in Todesangst versetzen soll, damit auch diese endlich erkennen was wirklich zählt im Leben...
In „Demut vor deinen Taten, Baby!“ setzt sich die Autorin Laura Naumann mit unserem aktuellen politischen System und seinen Mechanismen auseinander, doch die individuelle Befreiung bringt plötzlich alles ins Wanken.

Michael Born, der „größte TV-Fälscher Deutschlands“, gilt als einer der Väter von Fake News im deutschsprachigen Raum. In den 90er Jahren drehte er über 200 gefakte Dokumentationen, die er weltweit an Fernsehmagazine verkaufte. Sein Hauptabnehmer: Günther Jauch und Stern TV. Born verfolgte dabei oft die besten Absichten und wunderte sich selbst, dass die TV-Redakteure seine Fälschungen nicht erkannten. Als er aufflog, wurde ihm 1996 ein spektakulärer Prozess gemacht, der die deutsche Medienlandschaft nachhaltig erschütterte; verurteilt wurde nur er, seine Abnehmer nicht.

Auf der Basis des Privatarchivs von Michael Born und den Erinnerungen von Roland Berger, dem engsten Freund des 2019 verstorbenen Borns, schrieb Josef Maria Krasanovsky das Stück „Born to Fake“, das sich temporeich durch das Leben und Werk des Fälschers assoziiert und dabei auch auf Originalvideos des Privatarchivs zurückgreift.

Unter Krasanovskys Regie switchen die Schauspielstudierenden des 4. Jahrgangs durch die aberwitzigsten Fake-Storys und werfen dabei vor allem die Frage auf: Was ist Lüge - und was Wahrheit?

Gestern-Heute-Morgen oder Wie wollen wir zusammen leben? Diese Frage stellt sich der diesjährige zweite Jahrgang Regie der Athanor Akademie. Sophia Bechstädt, Greta Bennecke und Alexander Urban präsentieren hier Auszüge aus drei
Theaterstücken, die zunächst nicht viel gemeinsam zu haben scheinen, aber doch alle die ungeschriebenen Mechanismen menschlicher Beziehungen hinterfragen.

„Augenlicht“
Dann gehen Sie zum Arzt, wenn Sie Stimmen hören…
Das schlägt der eigenbrötlerische Walter seiner neuen Haushälterin Julia vor. Diese braucht den Job unbedingt und versucht sich in Walters Welt und sein oft befremdliches Regelwerk einzufügen, aber da gibt es noch eine geheimnisvolle Tür, die sie niemals öffnen darf, ...
Sie versucht sich mit Arbeit abzulenken, von der gibt es im Chaos von Walters Wohnung wahrlich genug und eigentlich gefällt ihr der verschrobene Kauz. Die Anziehung beruht auch auf Gegenseitigkeit. Einem gemeinsamen Glück scheint nichts mehr im Wege zu stehen- wenn nur die Neugier nicht wäre. Marius von Mayenburgs Stück zeigt uns eine verzerrte Welt, in der Paranoia das Vertrauen und die Liebe der Figuren immer wieder aufs Neue auf die Probe stellt.

„Die Mitwisser. Eine Idiotie.“
Jetzt wird alles anders! Das hat sich Theo zumindest gedacht, als er seine Frau Anna mit dem neusten technischen Hilfsmittel überrascht –einem Herrn Kwant. Dieser ständige Begleiter kann alles, weiß alles, er erleichtert dein Leben, löst jedes Problem und das auch noch umsonst? Nur kurz die AGB unterschreiben und dein perfektes neues Leben kann beginnen. Wie angenehm, oder zufriedenstellend diese Lebens-kwantifizierung wirklich ist, wird sich noch zeigen:
Denn während Theo sich für jede Verbesserung begeistern lässt, hat Anna Zweifel. Für ihren Geschmack mischt sich Kwant in viel zu viele persönliche Dinge ein. Doch eine regelrechte Kwant- Mania greift bald um sich und dies führt auch im Leben von Theo und Anna bald zu einschneidenden Veränderungen. „Dieses Stück Science-Fiction spielt in der Vergangenheit“, schreibt der Autor Philipp Löhle, zeigt uns aber eine vielleicht gar nicht allzu ferne Zukunft.

„demut vor deinen taten baby“
Achtung, Achtung- ein herrenloser Koffer an Gate 7! Drei Frauen auf einer Flughafentoilette- und dann geht eine Bombe hoch! Zum Glück nicht wirklich- denn es gibt Entwarnung. Trotzdem hat der Schreck darüber, dass ihr Leben (so unglücklich sie mit ihm auch sein mögen) vorbei sein könnte, bei Lore, Mia und Bettie etwas ausgelöst: Euphorie! Sie erkennen, dass es auch anders sein kann- dass das Leben eigentlich lebenswert ist. Diese Erkenntnis wollen sie mit allen teilen. Und plötzlich ist die Idee da! Sie gründen eine Terror-Simulations-Gruppe, die die Menschen in Todesangst versetzen soll, damit auch diese endlich erkennen was wirklich zählt im Leben...
In „Demut vor deinen Taten, Baby!“ setzt sich die Autorin Laura Naumann mit unserem aktuellen politischen System und seinen Mechanismen auseinander, doch die individuelle Befreiung bringt plötzlich alles ins Wanken.

Michael Born, der „größte TV-Fälscher Deutschlands“, gilt als einer der Väter von Fake News im deutschsprachigen Raum. In den 90er Jahren drehte er über 200 gefakte Dokumentationen, die er weltweit an Fernsehmagazine verkaufte. Sein Hauptabnehmer: Günther Jauch und Stern TV. Born verfolgte dabei oft die besten Absichten und wunderte sich selbst, dass die TV-Redakteure seine Fälschungen nicht erkannten. Als er aufflog, wurde ihm 1996 ein spektakulärer Prozess gemacht, der die deutsche Medienlandschaft nachhaltig erschütterte; verurteilt wurde nur er, seine Abnehmer nicht.

Auf der Basis des Privatarchivs von Michael Born und den Erinnerungen von Roland Berger, dem engsten Freund des 2019 verstorbenen Borns, schrieb Josef Maria Krasanovsky das Stück „Born to Fake“, das sich temporeich durch das Leben und Werk des Fälschers assoziiert und dabei auch auf Originalvideos des Privatarchivs zurückgreift.

Unter Krasanovskys Regie switchen die Schauspielstudierenden des 4. Jahrgangs durch die aberwitzigsten Fake-Storys und werfen dabei vor allem die Frage auf: Was ist Lüge - und was Wahrheit?

Gestern-Heute-Morgen oder Wie wollen wir zusammen leben? Diese Frage stellt sich der diesjährige zweite Jahrgang Regie der Athanor Akademie. Sophia Bechstädt, Greta Bennecke und Alexander Urban präsentieren hier Auszüge aus drei
Theaterstücken, die zunächst nicht viel gemeinsam zu haben scheinen, aber doch alle die ungeschriebenen Mechanismen menschlicher Beziehungen hinterfragen.

„Augenlicht“
Dann gehen Sie zum Arzt, wenn Sie Stimmen hören…
Das schlägt der eigenbrötlerische Walter seiner neuen Haushälterin Julia vor. Diese braucht den Job unbedingt und versucht sich in Walters Welt und sein oft befremdliches Regelwerk einzufügen, aber da gibt es noch eine geheimnisvolle Tür, die sie niemals öffnen darf, ...
Sie versucht sich mit Arbeit abzulenken, von der gibt es im Chaos von Walters Wohnung wahrlich genug und eigentlich gefällt ihr der verschrobene Kauz. Die Anziehung beruht auch auf Gegenseitigkeit. Einem gemeinsamen Glück scheint nichts mehr im Wege zu stehen- wenn nur die Neugier nicht wäre. Marius von Mayenburgs Stück zeigt uns eine verzerrte Welt, in der Paranoia das Vertrauen und die Liebe der Figuren immer wieder aufs Neue auf die Probe stellt.

„Die Mitwisser. Eine Idiotie.“
Jetzt wird alles anders! Das hat sich Theo zumindest gedacht, als er seine Frau Anna mit dem neusten technischen Hilfsmittel überrascht –einem Herrn Kwant. Dieser ständige Begleiter kann alles, weiß alles, er erleichtert dein Leben, löst jedes Problem und das auch noch umsonst? Nur kurz die AGB unterschreiben und dein perfektes neues Leben kann beginnen. Wie angenehm, oder zufriedenstellend diese Lebens-kwantifizierung wirklich ist, wird sich noch zeigen:
Denn während Theo sich für jede Verbesserung begeistern lässt, hat Anna Zweifel. Für ihren Geschmack mischt sich Kwant in viel zu viele persönliche Dinge ein. Doch eine regelrechte Kwant- Mania greift bald um sich und dies führt auch im Leben von Theo und Anna bald zu einschneidenden Veränderungen. „Dieses Stück Science-Fiction spielt in der Vergangenheit“, schreibt der Autor Philipp Löhle, zeigt uns aber eine vielleicht gar nicht allzu ferne Zukunft.

„demut vor deinen taten baby“
Achtung, Achtung- ein herrenloser Koffer an Gate 7! Drei Frauen auf einer Flughafentoilette- und dann geht eine Bombe hoch! Zum Glück nicht wirklich- denn es gibt Entwarnung. Trotzdem hat der Schreck darüber, dass ihr Leben (so unglücklich sie mit ihm auch sein mögen) vorbei sein könnte, bei Lore, Mia und Bettie etwas ausgelöst: Euphorie! Sie erkennen, dass es auch anders sein kann- dass das Leben eigentlich lebenswert ist. Diese Erkenntnis wollen sie mit allen teilen. Und plötzlich ist die Idee da! Sie gründen eine Terror-Simulations-Gruppe, die die Menschen in Todesangst versetzen soll, damit auch diese endlich erkennen was wirklich zählt im Leben...
In „Demut vor deinen Taten, Baby!“ setzt sich die Autorin Laura Naumann mit unserem aktuellen politischen System und seinen Mechanismen auseinander, doch die individuelle Befreiung bringt plötzlich alles ins Wanken.

Michael Born, der „größte TV-Fälscher Deutschlands“, gilt als einer der Väter von Fake News im deutschsprachigen Raum. In den 90er Jahren drehte er über 200 gefakte Dokumentationen, die er weltweit an Fernsehmagazine verkaufte. Sein Hauptabnehmer: Günther Jauch und Stern TV. Born verfolgte dabei oft die besten Absichten und wunderte sich selbst, dass die TV-Redakteure seine Fälschungen nicht erkannten. Als er aufflog, wurde ihm 1996 ein spektakulärer Prozess gemacht, der die deutsche Medienlandschaft nachhaltig erschütterte; verurteilt wurde nur er, seine Abnehmer nicht.

Auf der Basis des Privatarchivs von Michael Born und den Erinnerungen von Roland Berger, dem engsten Freund des 2019 verstorbenen Borns, schrieb Josef Maria Krasanovsky das Stück „Born to Fake“, das sich temporeich durch das Leben und Werk des Fälschers assoziiert und dabei auch auf Originalvideos des Privatarchivs zurückgreift.

Unter Krasanovskys Regie switchen die Schauspielstudierenden des 4. Jahrgangs durch die aberwitzigsten Fake-Storys und werfen dabei vor allem die Frage auf: Was ist Lüge - und was Wahrheit?

Michael Born, der „größte TV-Fälscher Deutschlands“, gilt als einer der Väter von Fake News im deutschsprachigen Raum. In den 90er Jahren drehte er über 200 gefakte Dokumentationen, die er weltweit an Fernsehmagazine verkaufte. Sein Hauptabnehmer: Günther Jauch und Stern TV. Born verfolgte dabei oft die besten Absichten und wunderte sich selbst, dass die TV-Redakteure seine Fälschungen nicht erkannten. Als er aufflog, wurde ihm 1996 ein spektakulärer Prozess gemacht, der die deutsche Medienlandschaft nachhaltig erschütterte; verurteilt wurde nur er, seine Abnehmer nicht.

Auf der Basis des Privatarchivs von Michael Born und den Erinnerungen von Roland Berger, dem engsten Freund des 2019 verstorbenen Borns, schrieb Josef Maria Krasanovsky das Stück „Born to Fake“, das sich temporeich durch das Leben und Werk des Fälschers assoziiert und dabei auch auf Originalvideos des Privatarchivs zurückgreift.

Unter Krasanovskys Regie switchen die Schauspielstudierenden des 4. Jahrgangs durch die aberwitzigsten Fake-Storys und werfen dabei vor allem die Frage auf: Was ist Lüge - und was Wahrheit?

Sieben Räume. Sieben Performances. Sieben Performer:innen auf einer autoethnographischen Suche.
Nach dem Ich. Nach dem Du. Nach dem Anderen. Nach Emotionen. Nach Lust und Befriedigung. Nach
Schönheit. Nach ihren Ängsten. Nach Freiheit. Nach der neuen Zeit.
Sie spiegeln sich im anderen, sie suchen nach ihrer Beziehung zu den Dingen, sie tanzen als Marionette, sie
schreien, um zu fühlen, sie ziehen und sprengen Grenzen, sie suchen: SICH.
An sieben teils ungewöhnlichen Orten in der Athanor Akademie erarbeiten die sieben Schauspiel- und
Regiestudierenden des 3. Jahrgangs ihre ganz persönlichen Performances, in denen sie sich mit ihren
Träumen, Emotionen und mit ihrer Umgebung radikal und mit der ganzen Bandbreite an Theatermitteln
auseinandersetzen. Den Zuschauer erwartet ein emotionaler, vielgestaltiger Parcours durch die Akademie,
auf dem sie die Performer:innen auf einer sehr persönlichen Ebene erleben können.
Performer*innen: Benedikt Buchecker, Tekla Farkas, Malaika Lermer,
Lara Pauli, Julia Reisser, Olga Tomkowiak, Nele Wirth
Betreuende Dozierende:
Michael Bischoff, Philip Brehse, Hunor v. Horvath

Sieben Räume. Sieben Performances. Sieben Performer:innen auf einer autoethnographischen Suche.
Nach dem Ich. Nach dem Du. Nach dem Anderen. Nach Emotionen. Nach Lust und Befriedigung. Nach
Schönheit. Nach ihren Ängsten. Nach Freiheit. Nach der neuen Zeit.
Sie spiegeln sich im anderen, sie suchen nach ihrer Beziehung zu den Dingen, sie tanzen als Marionette, sie
schreien, um zu fühlen, sie ziehen und sprengen Grenzen, sie suchen: SICH.
An sieben teils ungewöhnlichen Orten in der Athanor Akademie erarbeiten die sieben Schauspiel- und
Regiestudierenden des 3. Jahrgangs ihre ganz persönlichen Performances, in denen sie sich mit ihren
Träumen, Emotionen und mit ihrer Umgebung radikal und mit der ganzen Bandbreite an Theatermitteln
auseinandersetzen. Den Zuschauer erwartet ein emotionaler, vielgestaltiger Parcours durch die Akademie,
auf dem sie die Performer:innen auf einer sehr persönlichen Ebene erleben können.
Performer*innen: Benedikt Buchecker, Tekla Farkas, Malaika Lermer,
Lara Pauli, Julia Reisser, Olga Tomkowiak, Nele Wirth
Betreuende Dozierende:
Michael Bischoff, Philip Brehse, Hunor v. Horvath

Interne Veranstaltung

Interne Veranstaltung

Bühnenbeschimpfung
(Liebe ich es nicht mehr oder Liebe ich es zu sehr)
von Sivan Ben Yishai
Deutsch von Maren Kames

Abschlussinszenierung von Lorenz S. Dauber

Ein Raum. Eine Bühne. Ein Text. Eine Institution: Theater.
Ein roter Samtvorhang als vielversprechende Kulisse. Die Kostüme barocke Meisterwerke. Alles schreit: „Theater!“ Nur machen uns die Schauspieler:innen einen Strich durch die Rechnung. Denn die haben mal so gar keine Lust zu spielen, sondern proben den Aufstand, mitten auf der Bühne. Zumindest würden sie das gerne. Und sie sind nicht die Einzigen. Doch wird es endlich einen Aufstand geben? Was passiert, wenn nicht?

Sivan Ben Yishai ist eine der wichtigsten zeitgenössischen Theaterautorinnen. In ihrem preisgekrönten Stück „Bühnenbeschimpfung” nutzt sie die Institution Theater als Ausgangspunkt, um über Machtmissbrauch und Widerstand, Anpassung, Zuschauerschaft und Bühne zu erzählen, und wie sie sich im Körper der Spielenden, des Publikums, ja im Theater selbst niederschlagen. Mit dem urkomischen, schillernden Text stellen sich Caroline Bröker, Luisa Jäger, Maximilian Frick und Leonard Gräber unter der Regie von Lorenz S. Dauber den existentiellen Fragen auf, vor und außerhalb der Bühne.

„Die Weigerung des Ensembles zu spielen, während es sich zugleich stur an das Skript hält, bildet den ironischen Ausgangspunkt des Abends“, so Lorenz S. Dauber. „Protestieren, Demonstrieren, Ausbrechen - die Schauspieler:innen würden das so gerne. Aber sie schaffen es nicht. Oder wollen sie es eigentlich gar nicht?“ Das junge Regietalent hat bereits mit seiner mutigen Adaption von Aischylos‘ „Die Perser“ polarisiert. Nun möchte er mit „Bühnenbeschimpfung“ in einem veritablen Theaterspektakel Sinn und Unsinn des gesellschaftlichen Alltags hinterfragen: „Das Stück ist nicht nur eine Abrechnung mit den verkrusteten Strukturen des Theaters. Es ist ein absurd-komisches Statement zur Lethargie einer im Hamsterrad steckenden Gesellschaft, dem modernen Sisyphos.“
Besetzung: Carolina Bröker, Maximilian Frick, Leonard Gräber, Luisa Jäger
Regie: Lorenz Dauber
Technik-Support: Anna Waibel
Betreuende Dozierende: Marika Rockstroh, Elisabeth Gabriel, Xaver Unterholzner, Cristina Milea, Michael Bischoff